Le blog de Barbara Polla

2011-03-09T14:57:00.005+01:00

J'aime changer. J'aime bouger. Georges Perec disait que vivre, c'est changer de lieu.

Alors... Je change de blog. Vous tous qui m'avez lue parfois, retrouvez moi vite sur

barbarapolla.wordpress.com

Merci !!

THE PEOPLE YOU LOVE
BECOME GHOSTS INSIDE
OF YOU AND LIKE THIS
YOU KEEP THEM ALIVE

Où aller pendant ces vacances ? A Paris encore. Dans les friches de la mémoire. Au Palais de Tokyo.

2011-02-23T16:59:00.000+01:00

"Les écrivains, les artistes, les cinéastes, les vidéastes, toujours puisent, pour leurs créations, dans leur mémoire vive, personnelle et collective.

Les vastes espaces en friche du sous-sol du Palais de Tokyo, qui sont ouverts au public depuis peu, semblent tout particulièrement à même, peut-être parce qu’ils sont des friches justement, de susciter d’étranges travaux de mémoire parentale. La mère de Sophie Calle a habité en ce palais pendant quelques mois, c’est au tour du père d’Amos Gitai de hanter les lieux.

Les films d’Amos Gitai sont traversés par la question de l’identité et de l’exil, de la mémoire et de l’Histoire, ses films engagent une réflexion sur le passé et le présent, sur la nécessité de la transmission et sur le rôle de l’art. Mais heureusement, l’installation d’Amos Gitai dépasse largement le cadre mémoriel de la question de la Shoah et le questionnement de comment en transmettre la mémoire. L’expérience est en fait avant tout sensorielle, physique, esthétique et sonore.

On est plongé, en sous-sol, pris happé envoûté par un ensemble de films projetés côte à côte, face à face, en grand écran sur les murs désaffectés que l’on devine rêches et dans lesquels les images semblent incruster leur mouvance, dans une pénombre lumineuse les multiples Traces de Gitai tournent et recréent une nouvelle image, plus complexe, celle de l’ensemble du cerveau de cet homme qui est encore en train de créer. Sur les murs tournent ainsi en boucle des extraits de Berlin-Jérusalem (1989), film réalisé avec Pina Bausch, Free Zone (2005), avec le visage de Natalie Portman noyé lui aussi, de larmes, Au nom du Duce (1994), documentaire sur la campagne électorale de la petite-fille de Mussolini pour la mairie de Naples... Et Lullaby to my father Munio Weintraub Gitai, berceuse pour mon père, ce père à qui Gitai rend hommage.

On n’en peut plus de ces hommages parentaux, espérons que pour la prochaine exposition des friches on ne nous montrera pas un artiste qui travaille sur la vie et la mort de ses arrière grands-parents – mais en l’occurrence, avec délices, on peut oublier l’Histoire, et jouir de l’ensemble des histoires que racontent, montrent, suggèrent, fantasment les films de Gitai. Lui-même d’ailleurs, de cette vision panoramique, “pariétale” (selon Magali Lesauvage) de son propre cinéma, suggère qu’elle correspond à une «psychanalyse collective». Ou quand l’artiste réussit cette merveille qu’est l’appropriation collective d’une œuvre globale, presque sans le vouloir, alors qu’il cherche à nous transmettre une mémoire spécifique.

Les Traces d’Amos Gitai sont bien celles de la vie. De notre vie. Tellement “justes”, prenantes et parlantes, que même Paris, à la sortie, semble presque moins vivante que la vie du cinéma."

Publié dans les Quotidiennes le 23 février 2011.

Où aller pendant ces vacances ? Chez les cannibales évidemment... à Paris, donc. Ou au Mormont.

2011-02-22T16:58:00.000+01:00

"Tous cannibales, paraît-il.

Nous aussi, d'ailleurs, helvètes que nous sommes, ou du moins nos ancêtres. On a beau essayer de passer sous silence la découverte, tout près de chez nous, au Mormont, cette colline située au bout de la plaine de l’Orbe, entre La Sarraz, Eclépens et Orny, de restes humains probablement cuisinés et mangés qui ne ne datent pas de l'époque de Lucy, mais de juste 200 ans avant Jésus-Christ, il semble bien probable que les Celtes d’Helvétie étaient cannibales. «On peut supposer qu’ils ont été rôtis. Il est donc fort probable qu’ils aient été mangés. Ils ont en tout cas été traités comme les animaux... Nous y avons trouvé plus de 250 fosses (des puits à offrandes), contenant des restes d’animaux et une soixantaine de fragments de corps», relève Denis Weidmann, qui souligne l’originalité des découvertes : «ce qui est nouveau sur ce site, c'est le traitement des êtres humains identique à celui des animaux».

A Paris, la Maison Rouge organise une exposition consacrée au cannibalisme -, ou plus joliment dit, à l’anthropophagie et à ses représentations. Une exposition très attendue sur un thème que les spécialistes de l’art ont eu tendance à oublier, alors que le cannibalisme semble augmenter dans le monde et souvent défraie la chronique. La commissaire de l’exposition, Jeanette Zwingenberger, nous invite à table avec beaucoup de délicatesse et nous donne à penser sur l’incorporation.

Cette incorporation qui semble de fait impossible – à moins d’être cannibale. Selon Claude Lévi-Strauss, dans une citation mise en exergue par Jeanette Zwingenberger : «Nous sommes tous des cannibales. Après tout, le moyen le plus simple d'identifier autrui à soi-même, c'est encore de le manger. » Manifestation ultime de l’amour d’autrui ou atrocités dont il est essentiel de rire ? N’avons-nous pas tous menacé un jour quelque délicieux enfant porté dans nos bras – mmmm, je vais te manger ? N’avons-nous pas, enfant, été étreints d’angoisses de dévoration, dans les bras de notre mère, devant la fontaine bernoise du Bouffeur de Petits Enfants, pour ceux d’entre nous qui ont eu la chance d’admirer le monstre, petits encore ? Ne sommes-nous pas tous à la recherche de l’autre, arrêtés encore et encore devant le mur impénétrable du corps, cette maison intime que nous habitons toujours seuls (avec quelque kilo de bactéries «commensales» certes) et de laquelle la pénétration reste une illusion ?

Le cannibalisme de toute sorte est traité par les artistes exposés à la Maison Rouge. De la tendresse pour les petits enfants à la dévoration de la mère dont le sein reste un modèle de manger et de boire en même temps, au cannibalisme sexuel, aux horreurs, aux réminiscences de la Grande Bouffe en rose de... Manque le cannibalisme de survie, celui par exemple envisagé par les trente-trois mineurs du Chili : «Nourriture ou pas, je me disais que j'allais me sortir de là», a déclaré récemment Mario Sepulveda, le deuxième mineur libéré de la mine de San José, particulièrement prolixe : «Je me suis demandé quel était le mineur qui allait perdre connaissance en premier et comment j'allais pouvoir le manger. Cela ne me faisait pas peur. » Apparemment, la casserole était prête.

Ce que je n’aime pas, je ne mange pas."

Publié dans les Quotidennes le 22 février 2011.

Où aller pendant ces vacances ? Ailleurs évidemment... à Paris, donc.

2011-02-21T16:56:00.000+01:00

"A Paris, sur les Champs Elysées. Pas vraiment Ailleurs ? Contournez le magasin Louis Vuitton pour entrer par derrière, rue Bassano. Il faut commencer par prendre un ascenseur obscur. Dépaysement garanti. L’ascenseur est d’Olafur Eliasson.

En sortant de l’ascenseur, dans la pénombre encore, vous vous trouvez face à une œuvre de Paul Gauguin, pionnier de l’ailleurs. Sur votre gauche, l’ailleurs est dans un bateau de pauvre facture, qui n’arriva jamais, ou alors vide – il était pourtant In Search of the Miraculous. L’artiste hollandais Bas Jan Ader aura payé de sa vie son engagement artistique total. Selon André Rouiller, “Aussi inquiétante soit-elle, la démarche de cet artiste hollandais exprime la force d'une volonté tendue vers l'absolu, absorbant à la fois l'art et la vie comme s'il portait à son paroxysme la logique nietzschéenne de l'enivrement de l'expérience artistique. L'ailleurs ici est un voyage vers un horizon aussi grandiose qu'indéfini, perdu dans l'immensité océanique.”

In Search of the Miraculous est repris par l’artiste Joanna Malinowska : elle aussi recherche le miracle. Le miracle pourrait bien exister, nous suggère Malinowska, dans la musique notamment, tout comme dans notre ferveur à l’écouter, à nous laisser «prendre», hypnotiser par elle. Les Genevois se souviendront peut-être que Joanna Malinowska avait présenté à Analix Forever son célèbre Concerto pour deux violons, deux violoncelles et un cadavre... Pour l’exposition Ailleurs, c’est une Joanna Malinowska toujours aussi fascinée par la musique qui monte vers le Nord aussi loin qu’elle le peut, non sans un Sony fonctionnant à l’énergie solaire. L’objectif de l’artiste : écouter les Variations Goldberg là même où Glenn Gould aurait voulu les jouer, prétend-on. Mais dans la vidéo que réalise l’artiste, on entend surtout le vent du grand nord, dans le flux duquel quelques notes, parfois, s’égrènent. Mystérieuse sonorisation culturelle d’un espace naturel lointain et glacé et la question qui nous vient elle aussi portée par le vent : le Sony fonctionne-t-il encore ?

Fernando Prats, artiste chilien travaillant à Barcelone, qui représentera d’ailleurs le Chili à la prochaine Biennale de Venise, lui, il noircit de fumée charbonneuse des papiers, puis laisse la nature peindre pour lui. Il dispose ou suspend ses papiers enfumés au bord de l’océan par exemple, ce dernier se chargeant alors de faire le reste. “Le papier se nourrit de la vie naturelle et de ses aléas en fonction du site auquel l’artiste le soumet. Il devient empreinte et palimpseste d’une nature sans cesse en progrès et au travail” lit-on dans le catalogue de l’exposition.

Et le parcours continue – comme un parcours initiatique - jusqu’à la lune : le traîneau fantastique de l’artiste suisse Luc Mattenberger aura traîné la lune jusque dans cet ailleurs... N’oubliez pas, d’entrer dans la rotonde, de vous coucher sur le sol comme l’architecture du lieu vous y invite, et de regarder passer cette lune qui semble descendue des montagnes valaisannes... seize artistes exposés en une chaîne circulaire dans cet espace – l’un d’entre eux, Yann Dumoget, grand voyageur, messager de l’Ailleurs, insiste sur le fait que ce sont les pas du nomade qui définissent le territoire de l’ailleurs et que le déplacement le plus important, c’est ce mouvement en soi-même et les rencontres qu’induit le déplacement géographique. On devient un autre soi-même grâce aux gens qu’on rencontre et “vivre, c’est changer de lieu”, disait George Perec. Yann Dumoget distribue aux spectateurs de l’exposition de billets de banque chinois. On se demande, où et comment il va repartir...

Et nous, où aller maintenant ? A la Maison Rouge. Tous cannibales. Suite demain."

Publié dans les Quotidiennes le 21 février 2011.

Inès Flammarion, l’art au coeur

2011-01-29T18:58:00.002+01:00

Une autre de ces jeunes femmes entreprenantes, en attendant d’être entrepreneuses ? Inès Flammarion : un nom illustre dans les lettres, une famille de raison au cœur de laquelle Inès, née il y a vingt-quatre printemps, développe seule une passion pour l’art contemporain. Au cours des voyages de l’enfance, elle s’amuse dans les musées bien plus que de tout autre jeu proposé à son tendre âge. A dix-sept ans, elle obtient une bourse de l’Ecole de Christies, travaille chez Templon à Paris et Xavier Hufkens à Bruxelles, poursuit ses études en parallèle et se passionne pour le design et les arts déco et pour l’empreinte dont ils marquent la vie - par le cadre.

De retour à Genève, elle rêve d’y ouvrir une galerie un jour, mais en attendant d’avoir un acquis suffisant pour ce faire, s’engage d’ores et déjà pour la Cité. Elle a choisi pour ce faire le Centre d’Art Contemporain, vitrine de la création contemporaine locale. Elle rejoint le comité des Amis du Centre, seule femme aux côtés de Jean Altounian, Eric Bernheim, Werner Blatter, Pierre-Louis Chardier, Leslie Monoson, Stéphane Ribordy et Daniel Rinaldi, soulignant au passage le courage des choix artistiques d’un Eric Bernheim «qui ne collectionne pas avec les oreilles».

Ses objectifs au sein de l’Association ? Cultiver les liens, entre le Centre et la Cité, entre le Centre et ses publics, entre le Centre et les Amis du Centre. Appel aux futurs membres ! Valoriser sa directrice aussi, Katya Garcia-Anton, cette femme hors du commun qui lie les antipodes d’origines à la fois britanniques et espagnoles et une formation aussi bien biologique qu’artistique, et qui - un honneur pour Genève - a été sélectionnée pour organiser le Pavillon espagnol de la Biennale de Venise 2011.

Les talents qu’Inès Flammarion souhaite mettre à disposition de ces objectifs ? Sa sensibilité aux nouvelles tendances, son ouverture à toutes les formes d’art - son intérêt pour le design rejoint d’ailleurs celui que porte à cette forme d’art Katya Garcia-Anton - et son amour pour Genève, ce «joli village corrompu» comme disait joliment Jean Ziegler. Inès Flammarion quant à elle apprécie surtout la beauté de notre ville - la beauté qui comme nous les savons tous sauvera le monde…

Publié dans Les Quotidiennes le 28 Janvier 2011

Une nouvelle Vitrine à ne pas manquer

2011-01-29T18:54:00.002+01:00

Les entreprises créées par les femmes se multiplient sans répit. Aux Etats-Unis, la création d’entreprises par les femmes s’est révélée, ces dernières décennies, deux fois plus rapide que la création de business par les hommes. Beaucoup de ces entreprises sont des e-business, une manière de travailler – et d’acheter – particulièrement féminine.

Blaire Dessent, originaire de Californie, a travaillé longtemps dans une grande galerie new-yorkaise et vit désormais à Paris. Elle aime la ville mais ne souhaite pas y travailler… où alors ? Car Blaire fait partie du clan des indépendantes, des créatives, des productives. Elle crée alors une nouvelle Vitrine. Une Vitrine toute jeune : elle a à peine huit mois. Sa spécificité ? Promouvoir des designers européens qui n’ont pas encore de marché US et nouveaux talents US qui n’ont encore aucune visibilité européenne ; transférer le local européen aux US et le local US en Europe. Promouvoir le travail qui doit être vu, des objets d’élection. Une Vitrine virtuelle donc, une sorte de « urban catalogue », ouvert sur le monde, favorisant les échanges, proposant des pièces uniques : le travail dans le contexte de l’art contemporain et le partage de sa vie avec l’artiste Mounir Fatmi à la fois reflètent et nourrissent en permanence l’appétit artistique de la jeune femme. Les prix ? de quinze à 800 dollars. Les délais de livraison ? De deux jours à une semaine.

La Vitrine proposera ainsi, au printemps 2011 une écharpe en soie, avec un dessin original de la newyorkaise Sarah Crowner, en édition limitée, label Vitrine, ! Toutes celles qui apprécient les belles matières et le hand made. Mots d’ordre ? Le fun et le travail avec les amis. Le premier découlant du second… Moi aussi, j’aime travailler avec mes ami/e/s. Et écrire sur mes jeunes amies qui font des choses formidables et se battent pour réussir. Blaire Dessent fait partie de celles-ci. Les Quotidiennes, magazine généraliste essentiellement écrit par des femmes et beaucoup lu par les hommes, est aussi un lieu d’information, de réseau, un lieu de liens. Merci ! Et vous toutes, jeunes femmes formidables pleines d’idées et de réalisations (car les idées appartiennent à celles qui les réalisent), racontez-moi vos fêtes !

Publié dans Les Quotidiennes le 26 Janvier 2011

Le TGV Paris-Genève ou la préhistoire du rail

2011-01-19T14:16:00.003+01:00

On nous promet neuf départs par jour, trois heures entre Genève et Paris.
Ah enfin, quelle chance, trois heures ça change tout, tout le monde le dit et les “frequent passengers” dont je fais partie sont aux anges.

Sauf que tout cela est pure illusion.

Les trains antédiluviens que Lyria propose sur cette ligne n'ont même pas de prise pour charger les ordinateurs. Dommage : car ces machines antédiluviennes tombent en panne à tous les trajets (du moins ceux que j’ai fait récemment, dont une arrivée vers une heure du matin pour un train qui devait arriver à 21h). Alors les piles qu'on a pris soin de charger avant de partir ne suffisent pas puisqu'au lieu des trois heures promises c'est au minimum quatre heures trente dans la réalité.

Alors pour compenser, on nous propose désormais un repas. OBLIGATOIRE, le repas. Vous devez payer. On vous sert des croissants glacés, des sauces d’avant la chasse à la malbouffe, des piquettes qui s’approchent plus de la vinasse que de la noblesse française. Et quelques chocolats suisses aussi tristes qu’un train grande vitesse au ralenti.

On attend avec anxiété l’accident qui ne saurait tarder. Car quand on se refuse à investir, un jour ou l’autre, les machines, comme les hommes, meurent. SNCF prends garde, toi dont l’ambition de qualité ne fléchit pas, à ces lignes de provinces extraterritoriales mal desservies, mal soignées (ah la propreté des Lyria, l’odeur des toilettes...), mal gérées. La gentillesse des contrôleurs souvent aussi désespérés que les voyageurs ne compense pas tout. Ils nous proposent de téléphoner au service clients Lyria mais je me suis dit qu’une lettre ouverte aurait peut-être plus de chances d’être entendue ?

Publié dans les Quotidiennes le 17 Janvier 2011

Le 1er Colloque d’Architecture émotionnelle sur L’Hebdo

2011-01-18T16:39:00.002+01:00

Publié dans L'Hebdo, le 13 Janvier 2011.

SCOPE invited mi to Miami

2011-01-18T15:17:00.003+01:00

Publié dans l'Extension, Décembre - Janvier 2011

Comment elle fait...

2011-01-18T11:17:00.001+01:00

Publié dans Femina le 16 Janvier 2011

Le 1er Colloque d’Architecture émotionnelle dans La Tribune de Genève

2011-01-17T18:33:00.002+01:00

Publié dans la Tribune de Genève le samedi 15 Janvier 2011

L’architecture sera émotionnelle ou ne sera pas par Nicolas Poinsot

2011-01-14T14:50:00.003+01:00

Dans un de ses ouvrages les plus mémorables, le philosophe Gaston Bachelard écrivait que «l’espace saisi par l’imagination ne peut rester l’espace indifférent livré à la mesure et à la réflexion du géomètre. Il est vécu. Et il est vécu, non pas dans sa positivité, mais avec toutes les partialités de l’imagination». Cette citation tirée de la Poétique de l’espace, publié en 1957, pourrait à elle seule résumer la raison d’être de cet événement scientifique et philosophique qu’accueillera bientôt la ville de Genève.

Regards réciproques

Berceau des grandes rencontres internationales, carrefour diplomatique par excellence, il n’est pas étonnant que la cité de Calvin voie se tenir, du 20 au 22 janvier 2011, le Premier Colloque international multidisciplinaire sur l’Architecture émotionnelle. Car de rencontre, d’échange, de regards réciproques, il en sera bien question. Impulsée par la galeriste et médecin Barbara Polla (et pétillante chroniqueuse des Quotidiennes), cette série de conférences propose de jeter un pont entre l’univers de l’architecture et le monde des émotions, réunissant pour l’occasion de nombreux spécialistes de tous horizons, géographiques ou disciplinaires.

Architecture. Emotion. Ces deux mots semblent s’attirer dans notre conscience collective. Chacun, en tout cas, est lourd de sens. Les émotions ont longtemps fait figure de vilain petit canard dans la tradition philosophique occidentale, accusées de détourner l’homme de la vérité, quand ce n’est pas de la foi. Saint Augustin, pourtant, ou Bergson, ou Schopenhauer, ont reconnu la capacité des émotions à transcender nos perceptions, à donner corps à nos expériences, à voir soudain jaillir Dieu du chaos. Jusqu’à admettre qu’elles sont la composante de toute vie digne de ce nom.

Quête de l’organique

Cette réhabilitation des émotions, aujourd’hui totalement achevée, touche évidemment l’architecture et ceux qui ont en charge de l’enfanter. Lassés par tant de fonctionnalisme austère, impersonnel, pour ne pas dire inhumain (souvenons-nous des errances de Jacques Tati dans Playtime), les individus sont à la recherche de ce qui leur ressemble, autrement dit quelque chose d’organique. Un autre corps, version bâtie. D’où la nouvelle prédominance des courbes, des matières s’adressant aux sens. Mais comment articuler ces désirs naissants avec le construit ?

Reconnu comme un art, l’architecture n’en est pas moins un cas à part, avec des exigences techniques parfois très éloignées des préoccupations esthétiques. Toute réalisation, en effet, ne nécessite-t-elle pas à la fois un architecte et un maître d’œuvre ? Comme si un ingénieur devait accompagner le peintre ou le musicien dans sa création. Pour certains, l’architecture est un peu une muse qui n’arriverait pas à voler de ses propres ailes.

Dialogue perpétuel avec les utilisateurs

Toutefois cette contrainte peut devenir une chance inouïe. Les matériaux eux-mêmes, réfléchis, travaillés pour servir la forme et la lumière, deviennent des œuvres d’art. Béton, verre, métal ou bois se mettent au service d’un espace conçu pour accueillir l’homme et le ravir à chaque instant. Selon l’architecte Tadao Ando, qui décrocha le prestigieux prix Pritzker 1995, «l’architecture n’est jugée achevée que par l’intervention de celui qui expérimente». Signe réel que de nos jours, les constructions tendent vers une prise en compte de ses utilisateurs, entament un dialogue perpétuel avec eux.

Ce colloque organisé à Genève fait œuvre de pionnier dans ce domaine, puisque les recherches s’attelant à mieux comprendre les relations entretenues par l’affect et l’architecture étaient jusqu’ici confinées à des travaux isolés. Historiens de l’art, philosophes, sociologues, architectes et spécialistes des sciences cognitives seront donc amenés à croiser leurs points de vue. Pour d’enrichissantes perspectives.

Matière à penser

Des travaux préliminaires viennent en outre d’être présentés dans la publication anticipant le colloque. Intitulé Architecture émotionnelle, matière à penser, cet ouvrage collectif établi un premier état des lieux passionnant. Par les pistes qu’il entend explorer, la polyphonie de ses approches, le volume est voué à devenir une référence incontournable de la bibliographie.

Et les enjeux sont loin d’être négligeables. En envahissant nos espaces de vie, l’architecture est finalement le seul art que l’homme expérimente quotidiennement, souvent sans s’en rendre compte. Judicieusement élaboré, le bâti pourrait alors participer au bien-être de tous. Avouons que le postulat est séduisant et mérite bien un détour par les amphithéâtres de ce colloque. D’autant plus qu’il est ouvert à tous les publics. Oreilles averties ou simplement curieuses y sont les bienvenues.

«La construction, c’est pour faire tenir, l’architecture, c’est pour émouvoir» disait Le Corbusier. Décidemment, tout un programme.

Premier Colloque international multidisciplinaire sur l'Architecture émotionnelle
20-22 janvier 2011, Fondation Louis-Jeantet, Chemin Rieu, 17, Genève.

Informations et inscriptions : archiemo.wordpress.com

A lire : Architecture émotionnelle, matière à penser, Sous la direction de Paul Ardenne et Barbara Polla, Editions BDL La Muette, Lormont, 2011.

Publié dans Les Quotidiennes le 14 Janvier 2011.

Dernières news avant le 1er Colloque d'architecture émotionnelle !

2011-01-12T10:11:00.002+01:00

Le Premier Colloque d'Architecture émotionnelle ouvre ses portes la semaine prochaine... Vous pouvez encore vous inscrire. Le colloque est ouvert à tous !

La soirée cinéma est également une soirée ouverte à tous, entrée libre, vendredi soir, à la Maison des Arts du Grütli. Patrizia Lombardo, avec Marc Cerisuelo et Nicolas Gilsoul, nous présentera le travail de Lynch, Kubrick, Scorsese, avec des citations éblouissantes. Ou comment les cinéastes utilisent l'architecture pour générer des émotions ! Lire le chapitre de Patrizia Lombardo sur le sujet, Le Vertige de l'espace dans le cinema, ici.

Nous sommes reconnaissants à tous nos partenaires et à tous nos sponsors pour leur soutien.

Vendredi, lisez l'article de Anna Vaucher dans la Tribune de Genève, et le 18 janvier, au 12h30 écoutez Klaus Scherer, le Directeur du Centre Interfacultaire des Sciences Affectives, présenter le Colloque sur les ondes...

Pour toutes questions, n'hésitez pas à nous contacter
Galerie Analix Forever : tel. +41 22 329 17 09
Mail : analix@forever-beauty.com

Kris van Assche, Amor o Muerte sur mademoiselleparis.com

2011-01-12T09:33:00.004+01:00

Kris Van Assche, Amor o Muerte,

"So far, my only resolution for 2011 (at least, among the ones I am likely to hold), is to read more books. And I’m not talking about the kind of escapist chic-lit that I favour for commute, either.

My first book of the year was a gift from Barbara Polla, founder of Alchimie Forever and a woman of many faces, doctor, gallery-owner, art lover and friend of beautiful minds. A chance meeting with wunderkind Kris van Assche is the premise of Kris van Assche – Amor o Muerte, an extraordinary imaginary biography published at L’Age d’Homme.

Weaving its narrative path through scenes lived and dreamed, Barbara fills in the blanks left purposefully -by modesty or mystery – by the creative genius whose unassuming childhood in Londerzeel paved the path towards creative direction of Dior, via Argentina.

I wondered if I would like the book, as I always found biographies to be a bit dry but once started, Amor o Muerte revealed itself to be impossible to put down. I found myself drawn in as by the words, butterfly-kiss touches to paint van Assche’s portrait, born from Barbara’s admiration for the designer. Once finished, it left the bitter-sweetness of a grown-up treat."

Publié sur mademoiselleaparis.com, le 11 Janvier 2011.

2011, année de grâce

2010-12-30T11:01:00.000+01:00

Pour en être sûre et certaine, que cette année va bien être une année de grâce, je vais faire quoi, le 1er janvier ?

Je vais regarder Danielle Darrieux dans son dernier téléfilm, “C’est toi, c’est tout”.

Et pourquoi donc ?

Mais parce qu’elle a 93 ans et que quand on lui demande si c’est son dernier film elle hésite. Et répond que si Almodovar l’appelle, elle n’hésite plus ! Parce qu’elle aime être avec des personnes d’autres générations – comme moi. Parce qu’elle incarne une vieille dame “pétillante, chaleureuse, indigne juste ce qu’il faut et légèrement amorale”. Parce qu’elle me fait penser à ma propre mère, qui du haut de ses seulement 88 ans, me dit : “Je suis heureuse, il y a tellement d’avantages à vieillir”.

Parce que j’aime ces vieilles dames dont je ferai un jour très lointain partie, qui font tourner le monde à l’envers, à l’envers de la bien-pensance qui veut que vieillir, c’est triste et moche – et que je me réjouis de faire pareil. A 95 ans, j’écrirai une pièce de théâtre pour une petite jeunette de 85 ans. Et j’exposerai une “jeune artiste” (car avez-vous déjà entendu un galeriste vous présenter un travail en disant : oui c’est un vieil artiste...) - une jeune artiste donc, de 79 ans. Et quand j’aurai 120 ans, je serai ravie de sortir dîner avec une Danielle Darrieux du genre, 93 ans, elle me semblera encore plus jeune qu’aujourd’hui : 27 ans de moins que moi !

Alors oui, 2011 sera une année de grâce. Grâce à (jeu de mot, oui, oui) toutes ces vielles dames du monde qui tournent des (télé)films, peignent, écrivent, qui soignent, éduquent, consolent, qui aiment, font des confitures et s’amusent comme des gamines et comme Danielle Darrieux, “jouent tout le temps comme dans la vie”. “La seule chose qui m'emmerde, dit encore Danielle Darrieux, c'est de devoir mourir.” On a juste oublié de la faire jouer dans le film “Le plus important de la vie c’est de ne pas être mort”.

Nous en tous cas, n’oublions jamais de jouer, ça conserve (Michèle Morgan a 90 ans et Micheline Presle 88) et que 2011 nous protège du sérieux ! Car tant qu’on est vivant... Again, again ! Et que vivent les Quotidiennes !

Publié le 30 décembre 2010, dans les Quotidiennes

Et si la paix passait aussi par la régulation ?

2010-12-28T11:03:00.000+01:00

Le Président Nicolas Sarkozy tout comme les Etats-Unis somment Laurent Gbagbo de se retirer de sa présidence usurpée en Côte d’Ivoire et le secrétaire général de l’ONU rejette la demande du même Gbagbo de retirer les forces internationales de son pays. L’idée est évidemment de préserver la démocratie – le vote majoritaire – mais aussi de prévenir la violence. Deux objectifs hautement louables et partagés, surtout en cette période qui se voudrait pacifique envers et contre tout.

Mais les moyens sont-ils les meilleurs ? Peut-être convient-il d’abord de se poser à nouveau la question des déterminants de la violence. Le premier toujours, la question du pouvoir, intimement liée à celle de l’argent. Ce que nous apprenons aujourd’hui du rapport de Dick Marty de ce qui s’est passé au Kosovo souligne une fois de plus, les possibilités illimitées du pouvoir, lié à l’argent, de révéler et se faire exprimer la capacité infinie de l’homme de perpétrer le pire sur d’autres hommes. La volonté de pouvoir, la jouissance du pouvoir, qu’elles soient légitimées ou non par le vote majoritaire, sont elles aussi sans limites. L’humanité est encore loin d’avoir trouvé les moyens de contenir ces puissances sombres, même si l’Europe y travaille activement et avec une efficacité certaine sur ses propres territoires, mais une efficacité qui n’est qu’en devenir hors de ses limites territoriales.

Soit dit en passant, alors que l’on entend tant de critiques – autocritiques surtout d’ailleurs – de l’Europe – « un continent vieilli, à l’agonie, sans démographie, sans avenir, sans projet, sans développement, ruiné, avec une monnaie en déréliction » – j’affirme personnellement que l’Europe est aussi l’avenir du monde, d’un monde équitable, d’un monde aussi « social » (« social » compris comme favorisant l’équité sociale) que possible, grâce à ses modèles, ses intellectuels, ses recherches, ses débats, sa recherche sans fin d’équilibres. Elle est et sera encore l’avenir du monde si tant est qu’au lieu de se flageller dans sa position « pensive », elle affirme avec force cette position comme l’une des voies – oui, d’avenir.

Au-delà de la propension à la violence - qui aime prendre pour prétexte, toujours, les différences ethniques, claniques, sociales, religieuses, politiques, comme cible de rassemblement – il y a les armes. Les armes qui permettent de perpétrer la violence. Certes, les hommes se sont depuis toujours construit des armes. Ils continuent. Mais aujourd’hui, le pouvoir et l’argent se conjuguent dangereusement à l’intérieur du marché des armes. Si la Côte d’Ivoire n’était pas si bien approvisionnée en armes diverses, le risque de violences serait bien évidemment réduit. Certes, les machettes peuvent faire des ravages, mais qui sont sans commune mesure avec les armes que les hommes de Côte d’Ivoire ont aujourd’hui à disposition. Alors réfléchissons un peu, et calculons. Si le marché des armes était mieux contrôlé et mieux réglé, le risque actuel de violences en Côte d’Ivoire serait réduit d’autant. Calculons : combien va coûter ce qui risque de se passer ? Pourquoi les bénéfices du marché des armes n’est-il jamais mis en regard avec les coûts encore bien plus énormes et durables qu’il engendre, au niveau mondial, dans un marché mondialisé ?

Trois commentaires encore. Tout d’abord, une libérale qui s’oppose au marché libre des armes et propose la régulation, une nouvelle hérésie ? Non en fait quand on réfléchit à l’individu d’abord. Le libéralisme, c’est bien d’abord le respect de l’individu, de sa liberté et de sa vie. Le libéralisme, c’est aussi la prévention de la dégradation, la protection contre la déréliction. Dans l’équilibre entre la protection du marché et celle des droits humains, la première ne prime que si elle sert la seconde.

Deuxièmement, le risque de violence en Côte d’Ivoire ne doit pas nous occulter les risques plus globaux. L’expiration, en décembre 2009, de l’ancien traité Start (traité de contrôle des armements nucléaires entre la Russie et les USA), et par conséquence, l’absence de mécanismes de vérification mutuelle de leurs arsenaux nucléaires respectifs est très préoccupant. L’urgence de signer un nouveau traité est immense !

Et finalement, parmi les questions qui restent à investiguer, celle très provocatrice de la question de l’esthétique du pouvoir et des armes ne devrait pas être ignorée plus longtemps. La guerre est épouvantable. Oui. Mais si elle perdure malgré ses horreurs, c’est qu’elle exerce sur l’humain un attrait qui déborde certainement les prétextes politiques qui la déclenchent en général. Encore un sujet d’analyse, vierge encore, pour l’Europe.

Nous espérons tous que le retrait de Laurent Gbagbo soit imminent, sans trop y croire encore. La menace de sanctions, les sanctions elles-mêmes, exerceront-elles les effets escomptés ? A l’avenir, les meilleures sanctions – ou mieux, actions - que l’Union européenne devra mettre en œuvre pour soutenir la démocratie et prévenir les violences, les plus efficaces aussi, seront certainement préventives et probablement régulatrices. Que l’Europe se donne donc pour mission supplémentaire de convaincre le marché des armes de cette nécessité : ne pas armer sans contrôle, sans réflexion, sans calculs prospectifs des coûts, les pays à risque.

Vendredi : c’est Noël : la liberté en cadeau !

2010-12-24T11:39:00.001+01:00

Le cadeau le plus beau, c’est la liberté. Chaque jour, je me sens reconnaissante de vivre dans un pays libre, où les femmes sont libres. Même les mercis essaimés aux quatre vents des Quotidiennes ne sauraient assez dire cette reconnaissance-là. La liberté, c’est Noël tous les jours de l’année.

Alors je rêve, qu’un soir de Noël, un nouveau Basaglia nous arrive, en guise de Père Noël, et que comme Franco Basaglia, qui a ouvert les portes des asiles psychiatriques en Italie, il ouvre les portes des prisons. Oui je sais, ce n’est pas dans l’air du temps, mais je continue de prétendre que dans ce domaine comme dans d’autres, la position utopique est indispensable. “Eutopique” en l’occurrence.

Personne n’aurait prédit que Basaglia réussirait. Et pourtant, il a réussi et plus personne aujourd’hui ne met son action en cause. On l’a tout simplement oublié. L’oubli est peut-être la meilleure consécration des justes révolutions. Peu nombreux sont ceux qui se souviennent que la peine de mort en France a été abolie il y a seulement 30 ans, en 1981, par un autre Père Noël du nom de Badinter.

Alors, à l’instar de Francesco Della Casa, rédacteur en chef de la revue Tracés, et de beaucoup d’autres, j’affirme que des alternatives à l’enfermement strict existent, que l’espace-temps carcéral, ce temps gelé hors du temps, à même de précipiter chez les prisonniers le désir de suicide, n’est pas une solution, et qu’il est temps, non plus seulement de réfléchir, mais de mettre en place ces alternatives qui d’une part existent et d’autre part ont fait leur preuves, en Angleterre par exemple – ou en Corse : je cite ici Della Casa : “Dans l’ancien pénitencier de Casabianda, en Corse, murs et barreaux ont été supprimés. Les détenus travaillent et font du sport dans un domaine de 1500 hectares, puis rentrent le soir dans une chambre dont ils détiennent la clé. Depuis 1949, aucun d’entre eux n’a tenté de mettre fin à ses jours, ni de se faire la belle. Une fois la peine accomplie, le taux de récidive y est inférieur à 1%.”

Dans le cadre du prochain Colloque international d’architecture émotionnelle qui aura lieu à Genève en janvier 2011, Leopold Banchini, qui a consacré beaucoup de temps à l’étude de l’architecture carcérale se situera clairement dans la lignée du philosophe Alain Brossat : «Dans une perspective historique, la question n’est pas de savoir que faire de la prison, comment améliorer les prisons, voire comment aligner l’ordre pénitentiaire sur les normes générales de l’État de droit – mais bien de se demander comment s’en débarrasser, et au plus vite... » – le même Leopold Banchini qui s’est vu par ailleurs attribuer, avec ses collègues, dans le cadre de son travail au sein du Laboratoire de la production d’architecture (lapa) de l’EPFL dirigé par le Professeur Harry Gugger, le prestigieux Lion d'Or de la Biennale de Venise Architecture 2011, pour la conception de l'exposition nationale du Royaume de Bahreïn, la plus convaincante, selon les experts, du thème même de la Biennale : “People meet in architecture”.

Le plus beau cadeau de Noël, une fois encore : la liberté et la fin de tous les emprisonnements qui ne sont pas indispensables. Nous pourrions commencer, modestement, par l’abolition immédiate de cette absurdité que représente la détention administrative. Un petit pas, eutopique, vers l’utopie bienfaisante.

Joyeux Noël !

Publié le 24 décembre 2010, dans les Quotidiennes

Jeudi : Bientôt Noël : un dîner en cadeau (un de plus ? mais non, un dîner jamais vu... )

2010-12-23T11:43:00.003+01:00

Non non, ce n’est pas du tout ce que vous croyez : il ne s’agit pas de vous inviter à dîner... Ce ne serait un plaisir que pour moi car je suis une bien piètre cuisinière. Comme vous l’avez compris, Bientôt Noël est une série sur les cadeaux que j’ai reçus – en l’occurrence un dîner hors du commun - et des mercis essaimés aux quatre vents des Quotidiennes.

Mon dernier dîner cadeau ? Un retour au salon du 18ème siècle. 31 Raspail. Dans une ambiance plus que chaleureuse, un dîner quant à lui noir et blanc dans des couverts assortis. Et surtout, Emmanuel Giraud, l’artiste (g)astronomique qui cultive l’art du goût et de son souvenir, qui vient de publier Devenir gris, en conversation avec Arlette Farge, la merveilleuse historienne spécialisée dans l’étude du 18ème siècle, qui vous raconte les prisons d’époque et leurs habitants avec une telle tendresse qu’elle vous donne envie de les rencontrer en sortant Boulevard Raspail.

D’ailleurs, leurs fantômes sont si proches.... Il paraît, nous raconte Arlette Farge, que les condamnés aimaient manger des omelettes. Le menu est choisi ! Tous les dîners devraient être ainsi, nous parler d’aujourd’hui et d’autrefois, de vie et de mort, de rêve et de goût d’un seul tenant. Quel goût ? Pourquoi pas le mauvais, lui aussi. Un des prochains dîners du 31 Raspail accueillera Ruwen Ogien, le philosophe de la liberté d’offenser (comprise au sens de de blasphémer, choquer, heurter des convictions et non pas comme la liberté d’humilier).

Un propos délicat que Ruwen Ogien se plaît à illustrer en posant des questions du genre : “Pourquoi n’est-on pas libre de voir ce qu’on est libre de faire” (s’entend, dans notre chambre à coucher, même à Noël... Chut !) ? Ou encore : “Le mauvais goût est-il un crime ?” Nous nous réjouissons de savoir ce que le spécialiste du goût qu’est Emmanuel Giraud nous en dira et de nous délecter des offenses à la Ogien, comme autant de crimes sans victimes. Les meilleurs décidément, surtout à la veille de Noël...

Publié le 23 décembre 2010, dans les Quotidiennes

Mercredi : Bientôt Noël : Facebook en cadeau

2010-12-23T11:41:00.003+01:00

Non, ce n’est pas du tout ce que vous croyez : il ne s’agit pas de vous inciter à offrir mes livres pour Noël. Encore que... Mais non, Bientôt Noël est une série sur des cadeaux que j’ai reçus (ou en l’occurrence, que vous avez reçus) et des mercis essaimés aux quatre vents des Quotidiennes.

Un cadeau que vous avez reçu en l’occurrence, car je ne fais pas (encore) Facebook. En fait, je préfère les Quotidiennes... Mais en attendant que la rédaction des Quotidiennes in corpore soit nommée L’Homme de l’année, merci à Mark Zuckerberg, L’Homme de l’année 2010. A 26 ans et toutes ses dents, Mark Zuckerberg a su créer une nouvelle manière d’être social, une nouvelle manière de partager, de se parler, de se raconter ses propres histoires et de s’intéresser à celles des autres, de montrer ses photos autrement qu’en diaporama en fin de soirée.

Facebook, c’est Noël, le partage, la gentillesse, un fantastique instrument contre la solitude. “J’aime ça.” Imaginez un peu combien de gens vont se souhaiter Joyeux Noël sur Facebook, par millions et en toutes les langues ! Merci MZ. Keep going !

Publié le 22 décembre 2010, dans les Quotidiennes

Mardi : Bientôt Noël : des soins en cadeau

2010-12-21T18:29:00.003+01:00

Non non, ce n’est pas du tout ce que vous croyez : il ne s’agit pas de vous inciter à offrir des soins pour Noël. Encore que... Mais non, Bientôt Noël est une série sur des cadeaux que j’ai reçus et des mercis essaimés aux quatre vents des Quotidiennes.

Une personne qui m’est proche et chère est hospitalisée en Gériatrie, dans l’hôpital qui s’appelle désormais des Trois Chênes. Je suis impressionnée par la qualité de la prise en charge. C’est un cadeau, pour toutes les personnes très âgées de ce canton, et pour tous leurs proches, de pouvoir bénéficier de soins d’un tel niveau de qualité. La patience est de mise : l’objectif est la sortie, si possible le retour à domicile, parfois vers une autre institution, mais doucement.

On voit là des patients de tous âges, mais essentiellement, ce que l’on voit, c’est un moment d’abandon. Non pas que les malades soient abandonnés, bien au contraire – mais un moment d’abandon de tout artifice, de tout simulacre, de toute ambition immédiate : la vie nue, dans le corps de chacun, telle qu’elle est, avec son extraordinaire préciosité et son extraordinaire précarité. Juste vivre, et aller mieux. Merci à vous tous et vous toutes pour ce cadeau

Publié le 21 décembre 2010, dans les Quotidiennes

Lundi : Bientôt Noël : de l’art en cadeau

2010-12-21T18:24:00.003+01:00

Non non, ce n’est pas du tout ce que vous croyez : il ne s’agit pas de vous inciter à offrir des œuvres d’art pour Noël. Encore que vous trouveriez certainement votre bonheur et celui de vos proches dans mon cabinet de dessin... Mais non, Bientôt Noël est une série sur les cadeaux que j’ai reçus et des mercis essaimés aux quatre vents des Quotidiennes.

Le premier va à la SCOPE Art Fair. Depuis des années, l’une des foires Off qui suit Bâle à Bâle, à Miami et la précède ailleurs. Les foires d’art ? Bah, n’est-ce pas, juste des affaires de marchands, de bénéfices, d’œuvres d’art considérées comme produits. Eh bien non. Ce sont des passionnés de l’art aussi. La preuve, SCOPE Art Fair a gracieusement invité Analix Forever à Miami, non pas pour mes beaux yeux, mais pour avoir le privilège de montrer Marc Horowitz, artiste de Los Angeles, médiatique s’il en est, qui poursuit actuellement un Master of Fine Arts à la Université of Southern California et qui pratique essentiellement ce que l’on appellera la performance participative.

Rien à vendre, tout à faire. Imaginez un peu : l’artiste, pendant tout le mois de novembre, s’est laissé dicter ses actions en fonction de The Advice of Strangers. Il propose quelques options, fera selon le vote de la majorité. Pour l’ouverture de la foire de Miami, les “strangers” ont voté sur internet que Marc Horowitz devaient se faire jeter sur lui des balles de tennis trempées dans de la peinture. Rose, jaune, noire : les couleurs sont choisies par l’artiste.

Pour profiter de la suite...
Merry Xmas and thank you SCOPE !

Publié le 20 décembre 2010, dans les Quotidiennes

Ventes aux enchères à domicile : une nouvelle économie qui se conjugue avec écologie

2010-12-21T18:16:00.004+01:00

Ventes aux enchères à domicile :

une nouvelle économie qui se conjugue avec écologie

Dans son texte intitulé L’ordre des choses. Sur quelques traits de la culture matérielle bourgeoise parisienne, 1830-1914, Manuel Charpy nous dit avec finesse que « … les modes ne peuvent se renouveler qu’à la marge. Le déplacement crée la nouveauté. C’est donc chez les groupes sociaux à la fois marginaux et proches d’elle que la bourgeoisie va chercher ses modèles : étudiants, artistes bohèmes mais aussi demi-mondaines. Honnies et recherchées tout à la fois, pendant féminin des bohèmes, souvent artistes elles-mêmes – comédiennes ou chanteuses –, elles vivent au contact de la bourgeoisie tout en la méprisant. Dès les années 1840, on se presse à l’occasion de leurs ventes aux enchères à domicile, fréquentes du fait des revers de fortune. Ainsi, entre le 24 et le 27 février 1847, une foule de bourgeoises se rend au domicile de Mlle Duplessis, boulevard de la Madeleine. Me Ridel y propose ‘un riche et élégant mobilier, meubles en marqueterie, bois de rose, bois sculpté et palissandre, objets de curiosité, porcelaines de Sèvres et de Saxe, beaux bronzes, riches garnitures de cheminée, coffres et coffrets, objets de petit Dunkerque, tableaux, pastels et dessins, livres’ ainsi qu’une immense garde-robe, des bijoux et des pièces d’argenterie. »

Alexandre Dumas fils est là et fera de ce moment la scène d’ouverture de la Dame aux Camélias, non sans avoir pris le soin de changer la date et l’adresse. Visiteurs et visiteuses se pressent de bonne heure à la vente. Dumas explique cette curiosité : « s’il y a une chose que les femmes du monde désirent voir, et il y avait là des femmes du monde, c’est l’intérieur de ces femmes » - des femmes entretenues donc. « Du reste, poursuit Dumas, il y avait de quoi faire des emplettes. Le mobilier était superbe. Meubles de bois de rose et de Boule, vases de Sèvres et de Chine, statuettes de Saxe, satin, velours et dentelle, rien n’y manquait ».

Les ventes aux enchères à domicile, qui semblaient oubliées malgré leurs nombreux avantages – Simon de Pury souligne qu’il n’est pas de meilleure manière d’affirmer la qualité de la provenance de pièces mises à la vente que de les montrer dans leur contexte original lorsque celui-ci s’y prête - ne se sont en fait jamais arrêtées. Simon de Pury - même s’il n’a pas (encore) réalisé de vente à domicile chez Phillips de Pury - a d’ailleurs précédemment conduit de nombreuses enchères à domicile, la plupart d’entre elles sous le chapeau de Sotheby’s : du château de Regensburg au Palazzo Corsini à Florence, de Cologny pour la collection Jean-Pierre Marcie-Riviere à Aalholm au Danemark pour celle de la famille éponyme…

Mais la vente aux enchères à domicile revient sur le devant de la scène dans d’autres domaines que celui des objets d’art, d’antiquité et de luxe. Matthieu Semont, historien de l’art et commissaire-priseur français qui oeuvrera prochainement à Genève, a créé récemment sa propre maison de ventes, Philocale (du grec amour du beau). Il vend de tout : de l’art contemporain bien sûr, des mobiliers, mais aussi des bijoux, des vêtements et même d’étranges appareils tels des bras endoscopiques unitraction à trocart... Mais surtout, il vend à domicile. L’idée lui est venue suite à ses premières ventes judiciaires dans de nombreuses usines françaises en liquidation : on y vend bien sûr les machines industrielles par exemple, souvent immenses, sur place, afin de minimiser les coûts d’enlèvement. La première fois qu’il a vendu une succession dans la maison même de la personne décédée, c’était une innovation, mais désormais Me Semont procède ainsi de plus en plus souvent. Il s’agit en général de ventes après décès, lorsque les enfants ne souhaitent ou ne peuvent rien garder – il lui arrive souvent d’ailleurs que les héritiers lui donnent la clé de la maison, sans autre forme de procès, avec la demande de tout liquider – et c’est alors lui et son équipe qui trie débarrasse, ordonne, rend les papiers aux familles, de même que les diamants qu’il lui arrive de trouver entre des piles de vêtements ou dans la poche d’une robe d’intérieur pendue au grenier… Une façon de faire très efficace : les voisins viennent, c’est à côté de chez eux, ils ne sont pas intimidés, et achètent, dans une vraie atmosphère de yard sales d’outre Atlantique, le tableau au-dessus de la cheminée, le congélateur, la tondeuse à gazon, jusqu’au tas de bois de cheminée et d’autres objets qui eussent été invendables dans un espace de salle de vente. Une façon de faire très écologique aussi, donc : comme dit Matthieu Semont « on redonne vie à des choses qui autrement disparaissent ». Ou quand écologie et « recyclage » bien compris se conjuguent avec économie. Un modèle intéressant et à suivre, qui rencontre pourtant bien des résistances à Genève notamment, où ceux qui tels Gaudet-Blavignac se lancent dans les ventes « privées » se font critiquer vertement – mais à contre courant.

Publié dans l'AGEFI, le jeudi 16 décembre 2010

Architecture émotionnelle, matière à penser

2010-12-21T18:12:00.003+01:00

Le jeudi 16 décembre, sortie du livre Architecture émotionnelle, matière à penser
Disponible à la galerie Analix Forever dès aujourd’hui et en librairie en janvier.
A cette occasion, Yann Gerdil-Margueron interroge dans son émission InterCités sur RSR la 1ère Judith le Maire, Jean-Pierre Greff et Barbara Polla sur le premier Colloque d’Architecture émotionnelle
Pour écouter ou télécharger l’émission cliquer ici.

Book of Chastity

2010-12-09T15:45:00.000+01:00

Céline Fribourg et Chahida Ousseimi (Editions Take5) présentaient leur dernier livre chez Artcurial le 3 décembre dernier. Les somptueux livres d’artistes des deux éditrices réunissent classiquement un travail photographique et un texte originaux. En l’occurrence, Ernesto Neto et Tom Mc Carthy. Un livre édité à trente exemplaires seulement, rare et précieux donc, comme son contenu.

Tom McCarthy met en mots l'histoire montrée par Ernesto Neto : celle d’une passion pour une femme à l'intérieur de laquelle l’artiste aimerait pénétrer, non pas par la seule pénétration sexuelle, mais par toute sa peau, tous ses pores, tous ses interstices, pénétrer ses secrets, mus par un désir fou d'intériorité et par une passion si particulière que l’on se pose d’emblée la question : cette femme existe-t-elle ou est-elle une production mentale ? Les deux probablement. Tom McCarthy l'écrit très bien le désir et l'impossibilité - “inventorise what I was loosing” : cette impossibilité toujours, de savoir ce qu’il y a “dedans”, à l’inétrieur de l’autre, et comment faire pour pénétrer dans les tréfonds de l’âme et du corps confondus.

Le boîtier dessiné par Ernesto Neto souligne encore cette folie du désir : une gaufre, un coussin, des coutures... C’est plastique et littéraire, purple et cousu, architectural et corporel. On n’en finit pas de désirer ouvrir la boîte de Pandore et de se mirer à l’intérieur dans les espaces sensoriels d’Ernesto Neto, dont le directeur de la Hayward Gallery à Londres, Ralph Rugoff, dit avec justesse que “Son travail est multisensoriel, il en appelle à votre sens du toucher et à votre odorat. Neto crée des installations de nature abstraite et biomorphique – des installations qui évoquent la peau et l’intérieur du corps humain...

Ouvrir la boîte, feuilleter le Book of Chastity, c’est aussi nous découvrir nous-même, nos passions possibles, notre curiosité infinie pour l’autre sous toutes ses formes. Comme le dit encore Rugoff à propos de Neto : “Ce type de propositions artistiques rend les gens plus avertis de leur propre corps”.

"It was as I needed to inventorise what I was loosing to archive it all. I was isolating hand gestures, turns of her neck or the shape of her lips as she mouthed a word and using these to summon up and fix my memory of the other times I’d seen her make that movement..."

Publié le 9 décembre 2010, dans les Quotidiennes

Sergio Rizzo reçoit le prix AIOM Foundation Scholarship 2010

2010-11-28T16:34:00.000+01:00

Sergio Rizzo, oncologue et ami de l'art et de Analix Forever reçoit à Rome le prix AIOM Foundation Scholarship 2010 qui va l'amener pendant six mois à travailler au Lee Moffitt Cancer Center à Tampa en Florida.

Architecture émotionnelle : November news

2010-11-28T16:27:00.002+01:00

Présentation du Concept et du Colloque d’Architecture émotionnelle dans le mensuel genevois l’Extension.

« Le seul luxe nécessaire est celui du temps de la réflexion. »

Laurent Geninasca

L’architecture émotionnelle, qu’est-ce que c’est ? Cela existe ? Ou plutôt, est-il une architecture qui ne soit pas émotionnelle ? En fait, en 1953 déjà, Mathias Goeritz écrivait un Manifeste pour une architecture émotionnelle, dans lequel il affirmait notamment : « J’ai travaillé en totale liberté pour réaliser une œuvre dont la fonction serait l’émotion : il s’agit de redonner à l’architecture son statut d’art ». Aujourd'hui, alors que les questionnements intenses de la société occidentale se focalisent autour de l'existence personnelle de chacun des humains, l'intérêt porté aux émotions revient en force. Le progrès de la société relève aussi de la prise en compte de l'ensemble de ces émotions, demeurées trop longtemps écartées des grandes décisions, notamment dans la construction de notre monde urbain. Et pourtant, l’architecture joue de fait un rôle clé dans le bien-être citoyen et dans la qualité des liens sociaux créés par les espaces urbains.

Forts de ce constat, nous avons créé l'Association suisse pour l'architecture émotionnelle et organisons le Premier Colloque international et interdisciplinaire d'Architecture émotionnelle, le 20, 21 et 22 janvier à Genève, à la Fondation Louis-Jeantet. Les partenaires scientifiques principaux de ce colloque sont le Centre Interfacultaire des Sciences Affectives de l’Université de Genève (et en particulier David Sander, Sophie Schwartz, co-auteurs du livre Au coeur des émotions à lire absolument) ainsi que Patrizia Lombardo et Carole Varone) et la Faculté d’Architecture La Cambre-Horta de l’Université Libre de Bruxelles. Au cours de ce colloque seront traitées les questions suivantes : quelle architecture ? quelles émotions ? pourquoi explorer et comment gérer les émotions générées par l’architecture – l’architecture comprise alors comme organisation de notre espace de vie ? peut-il y avoir une architecture qui ne soit pas émotionnelle ? la quête de l’émotion doit-elle oui ou non guider l’architecte au travail ? l’efficacité d’un bâtiment en termes d’accueil, de confort et d’agrément peut-il faire l’économie de la notion d’émotion ? mais d’autre part, trop d’émotion mise dans la conception architecturale ne nie-t-elle pas l’efficacité ? à l’heure de la métropolisation du monde, du fait d’une pression démographique exacerbée et de la persistance d’exodes profitant aux entités urbaines, l’architecture de nos villes doit-elle privilégier l’émotionnel ?
Certes, il ne sera pas apporté de réponse ferme à toutes ces questions – mais du moins celles-ci seront-elles soulevées par les plus grandes personnalités de l’architecture et du monde des émotions - mais aussi par des hommes et des femmes « bien de chez nous » : mentionnons notamment Brigitte Diserens-Jucker qui organisera dans ce contexte avec Jacques-Louis de Chambrier une visite de ce joyau local qu’est l’Immeuble Clarté du Corbusier ; Bénédicte Montant qui assure les liens avec l’Association genevois des Architectes et la FAI (Fédération des associations genevoises d’architectes et d’ingénieurs), mais aussi Laurent Geninasca ou encore Patrick Aebischer. Laurent Geninasca, architecte attentif à la dimension esthétique de ses propres constructions, nous renvoie d’ailleurs à cette question fondamentale : comment « faire beau » – générer des émotions esthétiques positives – sans moyens financiers ? Selon lui, le manque de moyens n’est jamais une excuse pour ne pas « faire beau » et, poursuit-lui, « le seul luxe nécessaire est celui du temps de la réflexion ». Ce luxe-là appartient à tous, il est affaire collective.
Patrick Aebischer, quant à lui, est à l’origine du Learning Center de l’École Polytechnique Fédérale de Lausanne – réalisation de l’agence japonaise SANAA, Pritzker Prize 2010 – et il aime « son » bâtiment : « Je l’aime pour ce qu’il suscite chez moi ou chez tous les gens qui le parcourent. C’est un bâtiment à vivre, à expérimenter. Le monde universitaire a besoin de la culture et de l’architecture. » À partir de cette première réalisation d’exception, Aebischer se propose maintenant de convaincre l’Europe entière que ses universités doivent devenir le modèle même de l’acquisition des savoirs de demain – un modèle qui se doit de reposer sur une architecture spécifique qui abat les murs et décloisonne cerveaux et cultures : « L’esthétique et la culture ont cette vocation de décloisonner, d’ouvrir l’esprit. C’est une éducation à l’altérité, à la différence. »

Save the Date : 20-22 janvier 2011
Premier Colloque international et multidisciplinaire d’Architecture émotionnelle, Genève
Avec le soutien de la République et Canton de Genève.
Entrée libre, inscription obligatoire.
Le colloque est ouvert à tous, architectes, constructeurs, spécialistes en sciences affectives (psychologie, littérature, neurosciences, ...) aux étudiants et aux doctorants intéressés à l'esthétique, à l'espace et à l’interdisciplinarité comme méthode de travail, ainsi que - et peut-être avant tout - aux utilisateurs de l’espace, c’est-à-dire de fait à tous les citoyens.

Libres livres

"Le Corbusier, la Planète comme Chantier"
Comment parler d’architecture en Suisse sans évoquer Charles-Edouard Jeanneret-Gris ? Le Corbusier donc. Jean-Louis Cohen, architecte et historien de l’architecture et de l'urbanisme contemporain, Professeur à l'université de Paris VIII et à New York University, l’un des éminents orateurs du Premier Colloque d’Architecture émotionnelle, a consacré plusieurs ouvrages au grand architecte, parmi lesquels Le Corbusier, la Planète comme Chantier. Oui, quoi de moins pour cet iconoclaste que le chantier planétaire ? « Iconoclaste, nous dit Jean-Louis Cohen, il l'a été parce qu'il a combattu le langage classique. Mais il a inventé un modèle toujours d'actualité, le grand intérieur blanc avec éclairage naturel par opposition à l'intérieur du XIXe siècle plein d'objets et baignant dans la pénombre » Cohen, spécialiste du Corbu, de ce « personnage mi-secret mi-tonitruant, premier expert volant de l'architecture », a aussi été conseiller scientifique de l'exposition « L'Aventure Le Corbusier » (Centre Georges Pompidou, 1987).

Ecoutons Cohen nous parler du « Corbu » : « Parcourant la planète pour donner des conférences ou suivre les chantiers de ses œuvres, il a traversé des paysages, des cultures, des sociétés, des systèmes de sociabilité, autant de stimuli à ses inventions formelles. Il a formé son répertoire visuel et affectif au contact des montagnes du Jura Suisse, des musées italiens, des campagnes bulgares, des monastères toscans ou grecs, des usines allemandes ou américaines, des campagnes indiennes et dans une longue fréquentation du Paris des monuments et des faubourgs. » Est-ce de là que lui est venue l’idée lumineuse de détruire le centre de Paris pour en faire une ville plus rationnelle et ordonnée, un grand parc désert en somme, avec toutes les habitations repoussées vers la périphérie ?

La Planète comme Chantier est émaillée de croquis de voyage, de photographies, de lettres du Corbu à ses amis, de maquettes de projets jamais réalisés qui nous livrent avec une intensité particulière « un être d'émotions et de passions, avec ses coups de génie, coups de tête, hésitations et contradictions. » Un être d’émotions ? Mais quelles émotions ? Nous voici revenus à la question de base…

"Au cœur des Emotions"
Au cœur des Emotions, de David Sander (professeur à la Section de psychologie et au Centre interfacultaire en sciences affectives et l’un des partenaires scientifiques principaux du colloque) et sa collègue Sophie Schwartz (maître d'enseignement et de recherche à la Faculté de médecine et au Centre de neurosciences) est, dit-on, un livre pour enfants. Mais devant les émotions, n’avons-nous pas tous dix ans ? Comme la petite Hannah du livre, qui, le jour de ses 10 ans, entame un voyage scientifique « au coeur des émotions »... Ce livre délicieux tente de répondre à toutes sortes de questions: Qu'est-ce qu'une émotion ? Comment les émotions s'expriment-elles ? A quoi servent-elles ? Comment les changer ? Parfait oui, pour les enfants comme pour les architectes, de sept à soixante dix-sept ans !

Publié dans l'Extension, novembre - décembre 2010

Avis aux amis

2010-11-24T13:15:00.001+01:00

Ce soir je vais en Valais ! Pourquoi donc cette grande nouvelle ?

Parce que je vais soutenir Philippe Nantermod dans sa campagne pour la candidature au Conseil national

Pourquoi donc ?

Parce qu'il chante bien...

Recomposition de la structure des entreprises familiales

2010-11-22T12:44:00.002+01:00

Entreprise familiale : on imagine le père qui dirige, la mère qui fait la comptabilité, et les enfants qui rament à se faire une place – on imagine volontiers en Suisse des entreprises campagnardes ou de petits commerces urbains – on a tout faux, ou presque. L’entreprise familiale n’est pas forcément générationnelle – elle se crée aussi de manière horizontale dans les fratries – et ne répond pas à des règles fixes. Au contraire, selon Peter May, l’entreprise familiale sait les modifier, ces règles qui souvent gèlent tout un domaine de compétences et de développements possibles. La capacité à changer semble même essentielle alors que l’entrepreneur est défini comme celui qui sait reconnaître une opportunité sur le marché et qui accepte de réunir les ressources nécessaires – personnelles et financières - pour exploiter cette opportunité. Selon Davis and Tagiuri (1982), une entreprise familiale est une organisation au sein de laquelle au moins deux membres d’une même famille élargie influencent la direction entrepreneuriale par l’exercice de leurs liens de parenté, leur rôle managérial et/ou leurs droits d’actionnaires majoritaires ou prépondérants (traduction personnelle). En Suisse, plus de 80% des entreprises seraient familiales et deux tiers des Suisses travailleraient dans une entreprise familiale. Aux Etats Unis, 90% des entreprises sont familiales et contribuent entre 30 et 60% du PIB. La production annuelle de biens et de services par les entreprises familiales est énorme et l’entreprise familiale apparaît comme essentielle au marché des biens et de l’emploi en Suisse comme aux Etats-Unis.
Selon Edwin Neill, qui codirige – avec une femme – une entreprise familiale quasi séculaire à la Nouvelle Orléans, l’entreprise familiale, pour durer, doit être « fun ». « Il faut qu’il n’y ait rien de mieux, et que chacun sente qu’il a son mot à dire et le cas échéant sera écouté, non pas forcément pour lui-même, mais pour l’intérêt général de l’entreprise. » Neill affirme aussi qu’ « il ne faudrait pas être CEO d’une entreprise familiale après 60 ans. Cela tue la relève. Rester dans le business oui, mais pas dans la position dirigeante. »
La position de Neill nous ramène aux stéréotypes suisses – le pater familias patron d’entreprise ad aeternam – des stéréotypes qui restent malheureusement d’actualité, tant en ce qui concerne l’âge que le sexe. Plus de la moitié des patrons de PME familiales suisses sont âgés aujourd’hui de 51 à 60 ans. Une situation qui pose indubitablement le problème de la transmission : selon un rapport de Ernst et Young, deux tiers des successions échouent à la deuxième génération, à la troisième, il ne reste que 10% à 15% des entreprises familiales et 3% à 5% à la quatrième génération.» Et cherchez les femmes !

Il en va tout autrement aux Etats-Unis, notamment en ce qui concerne les femmes. Sharon Hadary, fondatrice du Center for Women's Business Research, s’émerveille de la croissance formidable des business créés et gérés par des femmes, une création qui ces dernières décennies s’est révélée deux fois plus rapide que la création de business par les hommes. Mais mêmes aux Etats Unis, il reste fort à faire pour les entreprises féminines qui restent encore de taille inférieure à celles créées et dirigées par des hommes, avec un chiffre d’affaire inférieur en moyenne de 27%. Hadary identifie quatre causes majeures à cette situation. Tout d’abord, les buts que l’on se fixe - qui sont systématiquement plus modestes dans les entreprises « femmes » -, les autres facteurs essentiels étant l’accès aux marchés, l’accès aux réseaux, et bien entendu, l’accès au capital. Bien entendu ? Pour que l’accès au capital se développe au plus vite, encore faut-il que les voies de cet accès soient déblayées. Le développement de l’accès au capital par les femmes, abordé par le microcrédit dans les pays du Sud, nécessite d’abord, en Europe et aux USA, l’intégration du concept de « matrimoine ». L’accès au capital de banques ou d’investisseurs passe aussi par l’accès au capital géré par la mère ou des modèles maternels. L’habitude de créer, de gérer, de changer, de toucher à l’argent... ne s’hérite pas mais se transmet. Le plus tôt sera le mieux !

Publié dans l'Agefi, le 22 novembre 2010

Avantages de la libre-immigration

2010-11-17T07:37:00.000+01:00

L’immigration est l’une des expressions de notre nomadisme fondamental. Je me suis laissé dire que nous sommes dix millions tous les jours à voler autour de la terre dans tous les avions du monde. Et souvent je pense à ces époques bénies, ou les uns et les autres traversaient l’Europe et les autres continents, sans papiers, sans entraves autres que la difficulté du voyage – c’était cela aussi, la Renaissance. Emigrer : partir, quitter son pays ; immigrer : s’installer dans celui que l’on préfère. A tout prix parfois, y compris le risque mortel. L’immigration ? C’est donc d’abord un choix de l’immigré, voire une élection. En aucun cas, sur aucune base intellectuelle valable, l’immigration n’est une fatalité, une déréliction, un délit voire un crime. Emigrer, immigrer, c’est voter avec ses pieds. C’est donc fondamentalement, vouloir s’intégrer.

Ah oui bien sûr je les entends déjà, et nos emplois et le trafic de drogue et ceux qui ont violé nos filles et les profiteurs et notre culture et notre identité nationale et que sais-je encore… Je les entends non seulement ici en Suisse, mais de l’Australie à l’Allemagne désormais, de la Suède à l’Italie – pourtant longtemps modèle de libéralisme, non seulement en termes de faiblesse de l’Etat mais aussi en termes de mobilité des populations, qu’il s’agisse d’immigration ou d’émigration – et même aux Etats Unis. Heureusement, il est au moins un pays qui nous met fondamentalement au défi de toute politique d’immigration restrictive. Le Canada le dit très clairement : « We need people ! ». Ah comme l’Europe devrait écouter ce message, elle qui s’étiole dans son enfermement et dont la démographie s’affaiblit et se dessèche. Vingt pourcent des Canadiens sont nés ailleurs qu’au Canada. Alors bien sûr, pour que le choix du Canada rencontre le choix de ses immigrés, des critères sont appliqués, pour favoriser l’intégration. Vous pouvez tester en sur Internet votre « immigrabilité », en toute transparence. Vous pouvez évaluer le chemin à parcourir, pour vous intégrer. La citoyenneté se mérite, elle requiert un apprentissage intensif des langues, des valeurs, des cultures. Des centres d’intégration active sont mis en place. De plus, autre facteur d’intégration et critère parfait de rencontre productive, les immigrés sont sélectionnés en fonction des besoins du pays. Mieux : des provinces. Dans un pays de cette dimension, les besoins varient. Le Canada considère que l’immigration ne nuit en rien à l’identité nationale : elle est un choix réciproque qui se réalise dans une politique active. L’entrepreneur Arthur de Fehr, cité par Jason Deparle dans The global Edition of the New York Times du 15 novembre, affirme même que parmi les onze millions d’immigrés illégaux aux Etats-Unis il y en a certainement beaucoup qui feraient des citoyens canadiens « perfectly wonderful ». « We need people ? We should go and get them » ! La peur de l’étranger et la manipulation de cette peur fait place à l’analyse et la réalisation des besoins d’immigration, dans le cadre d’une politique ouverte et claire semble-t-il favorisée par le bi-nationalisme et le bilinguisme fondamental du Canada.

Un multi-linguisme, un multi-cuturalisme qui caractérise aussi bien la Suisse – qui elle aussi a encore et toujours des besoins criants, en termes d’immigration, quoi qu’en disent les sirènes populistes. Citons deux exemples, à l’opposé de l’échelle sociale : les métiers domestique et ceux de l’électronique. Les métiers domestiques : malgré le chèque emploi, malgré la traque du travail au noir, la réalité persiste et les besoins de la Suisse bourgeoise et industrieuse en termes d’assistance domestique (enfants, personnes âgées) est très loin d’être satisfaite. Ceux de l’électronique : pour rester à la pointe de l’innovation, une nécessité absolue pour la Suisse, l’apport d’autres manières de penser et de faire le monde virtuel de demain est fondamental. Nous pourrions bien sûr multiplier les domaines, mais une chose est certaine : « we need people too ! ». Alors quand verrons nous des affiches sur nos murs qui disent : « Comment attirer plus d’immigrants ? ». Quel sera le parti qui le premier, oeuvrera dans ce sens ? Et qui, dans le même temps, fera abolir la détention administrative, cette absurdité qui pose bien plus de problèmes qu’elle n’en résout ?

Publié dans l'Agefi, le 17 novembre 2010

Les problèmes, source de créativité

2010-11-17T07:36:00.001+01:00

A Washington se tient l'ISPA, International Spa Association, 1800 personnes, la grande messe du soin, des sponsors d'exceptions comme Aveda, de toutes petites marques Alchimie Forever (raison de ma présence à Washington...). Le grand jeu. L'Amérique industrieuse, qui en veut, le business avant tout, la qualité du service. Chacun montre le meilleur de lui-même.

Sauf qu'entre la Floride et Washington, le train qui transportait tout le matériel pour cinq des stands représentés a déraillé. C'est le cas par exemple, pour Eminence Organics. Vous vous retrouvez donc, au Gaylord National, avec votre emplacement payé, rien à montrer. On pleure, on se met en colère, on désespère, on fait un procès ? Que nenni non point. Eminence a inventé et fait imprimer pendant la nuit l'affiche la plus visible de toutes : Missing Booth.

Et pour ceux qui apporteraient des informations ou auraient retrouvé le missing both, une récompense qui en vaut la peine : Hot Ungarians ! Ce sera le stand le plus visité de la foire. Morale ? Remercier le seigneur des commerçants : les problèmes insolubles génèrent les meilleures idées : d''ailleurs, on rayonne du plaisir de l’idée, chez Eminence Organics. Un exemple à suivre !

Publié dans les Quotidiennes, le 17 novembre 2010

Des trucs de fous

2010-11-10T15:47:00.000+01:00

Sainte Barbara, patronne des mineurs. Parfois, il faut rappeler les miracles. C’est le rôle des Saintes, dont je ne suis pas. Je n’en ai que le prénom, qui m’a fait me sentir particulièrement proche des 33 miraculés. Tout semble être rentré dans l’ordre au Chili. Mais nous n’oublions pas ces 33 mineurs, leur exceptionnel courage, ni l’ingéniosité sans égale de leurs sauveteurs.

Mario Sepulveda, le deuxième rescapé de la mine de San José, fut le premier à s’exprimer. Gratitude envers les secouristes : «Ils nous ont récupérés. On y a mis du nôtre, de la folie, de l'expérience, de notre coeur de mineur, mais les professionnels ont mis tout le reste».

Apparemment seul parmi les 33 mineurs, il a exprimé, aussi, son désir de poursuivre son travail. Mineur il a été, mineur il restera. Héros du quotidien, comme il y en a tant. Car s’il y a ceux dont on parle parfois, peu nombreux – et milliers et milliers de héros ignorés, inconnus, oubliés.

Sainte Barbara est aussi patronne des architectes, mais pas des nageurs. Rien à voir donc avec Philippe Croizon, le nageur amputé des quatre membres qui a traversé la Manche à la nage en septembre dernier. Sauf que... «J'ai réussi. J'ai fait un sprint final. Il y avait du monde sur la falaise pour m'accueillir. C'est vraiment un truc de fou. Je voulais y arriver. J'espère être un symbole pour le dépassement de soi». Ses mots, quelques minutes après son arrivée.

L’humain est capable du meilleur, toujours... Et seulement parfois, du pire. Et d’après Sepulveda comme d’après Croizon, la folie fait partie de ce meilleur qui permet le dépassement de soi.

Publié le 10 novembre 2010, dans les Quotidiennes

Jardins de rues au Japon

2010-11-07T15:51:00.000+01:00

Vous avez encore une semaine pour aller admirer les jardins du japon. A Carouge, au Flux Laboratory - plus facile qu'à Kyoto, et presque aussi beau... Grâce à Olivier Delhoume, poète d'un quotidien qui pour l'instant ne saurait être le nôtre, puisque comme il le rappelle, il est interdit, de par chez nous, de mettre des fleurs sur le domaine public et les trottoirs. Mais au Japon.... là fleurissent les jardins de rue, marques infimes, modestes et merveilleuses : “un simple pot placé devant la porte, sur le trottoir, et que chaque passant s’appliquera à préserver. Parfois, ces plantes se multiplient de manière extravagante le long des avenues, au pied des panneaux indicateurs ou des rambardes de sécurité. Certaines semblent avoir pris racine dans le caniveau, malgré le pot qui les contient. Elles bravent les risques d’un trafic qui les frôle”. Elles côtoient les outils tout aussi modestes qui leur servent de tutelle : bouteille d’eau minérale pour décanter l’eau de pluie, cintre à vêtement pour préserver des chats, bac de récupération en attente de plantation...

Et puis, si jamais Carouge vous semble aussi loin que Kyoto, alors lisez le livre dans lequel Olivier Delhoume n’est pas seul à nous faire rêver. Christian Bernard aussi, qui préface l’ouvrage : “Peut-être y a-t-il autant de pays que de voyageurs, autant de villes que de Flâneurs, de rues que de rêveurs, autant de jardins que de saisons dans l’âme... Le Japon est ... un monde où l’intervalle fait vallée et l’interstice eldorado. Je le sais, non d’y être allé mais d’avoir observé les instantanés d’Olivier Delhoume, cet arpenteur des nano-campagnes urbaines, ingénieux pisteur des futaies de contrebande, orpailleur hors pair des Tivolis clandestins, qui Flaire le mont Fuji dans toute taupinière”. Bien sûr, nous savions tous que Christian Bernard est le concepteur et directeur du MAMCO à Genève, ancien directeur de la Villa Arson à Nice, mais certains ignoraient encore qu’il est aussi poète...

Publié le 7 novembre 2010, dans les Quotidiennes

Le logement étudiant idéal: solitaire, communautaire, nomade ?

2010-11-05T07:06:00.000+01:00

Le vendredi 5 novembre 2011 s’est tenu à Paris, à la Cité Internationale Universitaire de Paris, un nouveau colloque sur le logement étudiant, organisé notamment par Pascale Dejean, grande spécialiste de ces questions et ouvert par Bertrand Vallet (le précédent colloque avait eu lieu en 2009).

Cette année le Colloque s’intitulait Habitat étudiant, Un écosystème à inventer, et traitait plus spécifiquement de la créativité architecturale, développement durable et qualité d’usage, posant les questions suivantes, entre autres : «A l’heure où la Cité internationale lance de nouvelles constructions – Maison de la Région Ile-de-France, extension de la Maison de l’Inde – quel est son potentiel en matière de créativité architecturale, développement durable et qualité d’usage? La réglementation et les contraintes inhérentes au logement étudiant permettent-elles de poursuivre l’histoire innovante de la Cité internationale et de lui conserver sa place de haut lieu de l’architecture parisienne? »

Mais la question lancinante qui reviendra constamment au cours de la journée est celle de l’économie du logement étudiant. Cette question de l’économie ne se pose bien sûr pas seulement pour le logement étudiant, mais pour tout projet architectural, quand on n’a pas les moyens des starchitectes ou des grands ouvrages. Laurent Geninasca, qui s’exprimera à ce sujet lors du Premier colloque d’Architecture émotionnelle, répond à cette question par cette formule qui fera date : «Le seul luxe nécessaire est celui du temps de la réflexion». Le temps de la réflexion fut largement pris au cours de la journée du 5 novembre.

Deux présentations auront particulièrement retenu mon attention, dans une session modérée par Maria Gravari-Barbas, directrice notamment de la Fondation Hellé́nique à la Cité universitaire internationale. Gravari-Barbas nous assure que «le logement étudiant est un formidable laboratoire d’innovation, d’invention, d’une logistique de plus en plus sophistiquée et favorisant dans le même temps l’opportunité des rencontres : des petites machines ouvertes sur le monde». On veut bien la croire en examinant la Bikuben Student Residence de Copenhague ou Qubic de Amsterdam. Le bureau AART ARKITEKTER de Copenhague s’est donné comme mission de combiner le désir des étudiants de «privacy» et de vie communautaire dans le même lieu.

Selon AART ARKITEKTER, le sentiment de solitude est particulièrement délétère pour les étudiants. Et pour diminuer ce sentiment, la solution serait de « Make less space for loneliness » : minimiser l’espace privé, tout en le maintenant mais a minima («private when and only you wan to be private»), et en parallèle augmenter l’espace commun – et surtout mélanger les espace privés et les espaces communs voire publics – de manière à ce que les étudiants soient «obligés» de passer par des ères communes. Tout en respectant «le nirvana des étudiants», à savoir, tolérance, respect, empathie, interactions et connaissance (tout de même !).

Une autre formidable idée présentée par HVDN Architecture est celle d’un logement étudiant nomade, mobile. Construire en préfabriqué exclusivement, ce qui n’exclut pas la qualité (encore une fois, le temps de la réflexion y pourvoira !). L’idée est que le logement étudiant qui s’installe un jour sur tel terrain en friche, demain déménagera sur d’autres terrains, entrainant avec lui tout un système itinérant d’activation de la ville : qui dit logement étudiant dit aussi cafés, restaurants, magasins, services multimédia, blanchisseries… Quand on transforme un espace urbain en friche en un espace habité - par exemple - par les étudiants, cela active la Cité, génère plein d’activités, dans une vraie «logique de chantier».

Réellement, comme le dit Maria Gravari-Barbas, le logement étudiant est un formidable laboratoire d’innovation et d’invention. Inventons nous aussi !

Publié dans les Quotidiennes, le 5 novembre 2010

La preuve par la Belgique

2010-11-01T17:02:00.004+01:00

Cela fait des mois et des mois désormais que la Belgique vit sans gouvernement central. Le pays est géré par les gouvernements régionaux. Et très bien géré. Personne ne fait grève, les gens sont souriants comme toujours, le pays vit, travaille, mange, dort et les écoles sont ouvertes. Economiquement parlant, la Belgique se porte mieux, les investisseurs étrangers affluent, le pays est presqu’au top de l’attractivité pour les sociétés et investisseurs d’ailleurs. Personne n’ose le dire, parce que bien évidemment, cela met en cause, très profondément, l’existence de gouvernements centraux – tout en valorisant les gouvernements régionaux, le travail proches des gens, proches des ressources réelles, proches des préoccupations du quotidien.
Alors imaginez un instant qu’en France on décide de supprimer le gouvernement central et centralisateur – voilà bien une abyssale source d’économies : de quoi financer les retraites, les hôpitaux, les universités, l’enseignement et la culture. La France qui a dévelopé ces dernières années ses gouvernements régionaux pourrait parfaitement fonctionner sur cette base. Alors mes amis français me rétorquent, mais non ce n’est pas possible, les Français ont besoin d’être « menés », ils élisent toujours celui, non pas qui est le plus intelligent ou le plus compétent, mais qui a la plus grande g… Mais est-ce si vrai encore ? Ne serait-ce pas, au contraire, là justement que se niche la grande lassitude des Français, d’être conduits par de beaux parleurs qu’ils ont élu malgré eux et dont ils doivent subir la parole sans effets ? N’est-ce pas cela justement, la grande lassitude des Français, que de voir cet immense appareil inutile consommer une si grande partie de leurs ressources sans réaliser l’importance fondamentale des questions « du terrain » - du terrain de vie donc ? Toutes ces questions que les gouvernements locaux et régionaux connaissent si bien et essayent de résoudre de manière pragmatique – la seule qui vaille finalement – mais en se heurtant trop souvent à la politique centrale. Oui, n’est-ce pas là justement, la plus grande lassitude française, celle qui explique les grèves, et leur acceptation aussi, par le plus grand nombre de citoyens de ce pays ?
Alors d’autres amis français, préoccupés avant tout de culture – et dieu sait qu’elle est magnifique en ce pays – me disent, mais alors, comment vivrait la culture dans les régions ? Elle vivrait très bien, par elle-même, elle se fédérerait spontanément pour réaliser les aspirations des artistes, des étudiants, des intellectuels et des autres, elle se laisserait davantage guider par les mouvances locales que par les désirs et décisions encore une fois top-down qui tentent de guider la culture des régions. La puissance culturelle française est partout, de Calais à Metz, de Marseille à Lyon… et à Paris bien sûr ! A-t-elle vraiment besoin d’être centralisée et gouvernée ? Rien n’est moins sûr.

Et en Suisse ? Imaginez un instant que notre pays, qui si souvent se pose en exemple à la Belgique, prenne soudain exemple sur elle, suive le même chemin et décide d’affaiblir jusqu’à l’inexistence le gouvernement central. Tous les fonctionnaires centraux mis au chômage technique seraient rapidement réengagés dans les économies régionales florissantes et solidaires. Nous ne garderions qu’un département des affaires étrangères qui serait alors renforcé - car oui évidemment, les relations étrangères doivent être fortes pour pouvoir faire passer aux pays partenaires le message que le pays existe ! Peut-être le seul souci de la Belgique en ce moment, c’est qu’elle ne semble pas à même de faire passer ce message, oui la Belgique existe et se porte même très bien !
Cette Belgique qui revisite allégrement la théorie libérale et fédéraliste qui dans sa pureté donne l’essentiel des pouvoirs aux régions. Vite, saisissons cette chance de modèle expérimental qu’elle représente en ce moment, et étudions-le sérieusement, pour pouvoir nous en inspirer au mieux. Et félicitons les Belges pour leur pragmatisme plutôt que de hocher la tête en nous demandant, mais existe-t-il encore ce pays – comme si nous étions tous convaincus qu’un pays n’existe que par son gouvernement central ! Et qu’à notre suite, même le Président Obama et tous les Américains avec lui, ceux de l’Arkansas ou du Dakota Nord, ceux de l’Indiana et de la lointaine Caroline du Sud, à leur tour revalorisent les gouvernements locaux et affaiblissent leur gouvernement central, notamment dans son hypertrophie sécuritaire absurde, pour traiter les vraies questions du terrain – en ce moment, celle de la pauvreté menaçante avant tout, une question qui ne se traite jamais par la dissimulation.

Publié dans l'Agefi, le 1er novembre 2010

Barbara Polla interviewée par arsbrevisvitalonga, encore une histoire de corset

2010-11-01T16:57:00.002+01:00

Interview publiée sur Ars brevis vita longa

On connaissait les business angels, vous étiez Fashion Angel pour le défilé de la HEAD. Quelles sont les similarités, les différences entre ces deux rôles?
Les deux sont aussi différents et similaires que le business et la mode…

Qu’est-ce qui vous stimule le plus dans la mode? Les vêtements ou les créateurs? Pourquoi?
Les créateurs – parce que depuis toujours, je me passionne pour le processus créatif encore plus que pour le produit de la création.

Quel est les vêtements qui restent à inventer?
Un corset que nous porterions par dessus nos vêtements d’aujourd’hui.

Quel rapport entretenez-vous avec vos vêtements? Ce rapport est-il me même que celui que vous entretenez avec vos chaussures?
Je suis très soigneuse avec mes vêtements, je les porte très longtemps, puis je les range au grenier, et parfois je retourne ensuite y faire des courses…
Alors que mes chaussures je les mets, je marche, puis ciao !
L’essentiel, c’est qu’elles doivent être confortables, même celles à talon très haut, avec une grand préférence pour les bottines ou les chaussures avec des attaches sur les chevilles.

Donnez-vous vos vêtements, chaussures? Les jetez vous? Si oui/non pourquoi, à qui?
Je donne mes vêtements à mes filles en premier lieu, j’organise des “marchés collector vintage”, je vide le grenier, je mets tout dans mon bureau, elles choisissent…

Si vous ne deviez retenir qu’un seul nom de couturier, de qui s’agirait-il et pourquoi ?
Kris Van Assche – qui d’autre vraiment ?

Crash - Octobre 2010

2010-11-01T11:24:00.001+01:00

Jean-Christophe Amman, la faim inassouvie

Les oeuvres comme des individus : il faut dormir avec elles
Il a été directeur de nombreux musées, il est toujours un grand amant de l’art. Un grand amant de l’art, et un grand homme. "Monsieur Ammann ? Oui c’est là, par ici, entrez, oui, Monsieur Ammann, au deuxième étage - il ne répond pas ? Je vais l’appeler..." tout le monde le connaît dans le quartier. Il finit par m’ouvrir la porte, nus pieds et en peignoir, ce samedi matin en plein été, dans un quartier périphérique de Frankfort. Les artistes lui reconnaissent sa grandeur et lui retournent leur amitié: les murs de son appartement sont entièrement tapissés de cadeaux, de bas en haut et de gauche à droite et A Jean-Christophe Amman est inscrit autant de fois qu’il y a d’oeuvres. Jean-Christophe Ammann est un homme généreux : il sait recevoir. Je resterai jusqu’au soir, pour le laisser ensuite, dormir avec ses oeuvres, comme chaque nuit.
Ammann est le seul commissaire d’exposition à dormir sur un lit de camp dans les salles de musée pendant l’installation de ses expositions. Au réveil, le regard est innocent : il faut se réveiller avec les oeuvres pour vérifier si "elles tiennent", si elles sont bien agencées, si la scénographie choisie respecte et sublime l’émotion. "Dormir avec les oeuvres, c’est très intime et personnel : une oeuvre, ce n’est pas seulement du matériel, c’est un grenier, un récipient d’énergie qui rayonne la nuit aussi et je voulais dans me rêves goûter subir et transformer les énergies émanant des oeuvres." Ce seront alors les oeuvres elles-mêmes qui décideront de la nécessaire distance entre elles pour que le dialogue s’instaure. Il faut donner de l’espace aux oeuvres. Il faut les traiter comme des individus. Comme des corps.

Le corps, cosmique et anti-idéologique
Pour Ammann, depuis toujours, le corps est au centre. Il est cosmique, nécessaire, essentiel et unique : si je fais un nu de toi, me dit-il en me dévisageant et en me tutoyant déjà puisque me voilà individuée, je trouve une forme unique : ce corps que tu habites, en exclusivité, toute ta vie, sans être capable de le partager. Ce corps fondateur de toute notre culture et de notre tradition occidentales : le corps toujours, essence même de l’art, mémoire collective occidentale. Mais pas n’importe quel corps : le corps crucifié qui porte depuis des siècles le quatuor, le quadrilatère, qui a fait l’Occident : jouissance, souffrance, extase et ascèse. Le quatuor du corps crucifié nous joue la musique du désir.

La négation du corps est de fait la négation du désir, la négation de la vie, un tribut à la mort. Absurde, pour Amman. Il s’énerve, déambule, tire sur sa pipe, s’enroule dans la fumée. "La confrontation entre l’islam et le monde occidental se joue, entre autres, autour du corps : désormais, les organisateurs de biennales du monde entier, dans un souci de politiquement correct qui n’est rien d’autre qu’une soumission aux idéologies dominantes, minutieusement évitent cet élément fondateur de la culture occidentale qu’est le corps. Je critique la globalisation dans l’art parce qu’elle amène la plupart des acteurs de l’art à renoncer au corps. Le refus du corps est un tribut aux idéologies : les idéologies situent les idées au-dessus des individus ; le corps, lui, est vie, désir, anarchie, et toujours anti-idéologique." Par contraste, la religion chrétienne ouvre la porte à l’apprentissage du "moi" et l’individuation y est fondamentale : "tu quitteras ton père et ta mère". Tu aimeras ton prochain comme toi-même, comme un corps, comme un individu. Certes, la communauté offre des avantages sociaux... mais l’unification communautaire est mortifère. Elisons le morcellement, l’individuation, le corps !

Une immense faim de femmes
Le corps, le sien, vit dans la rencontre de l’autre. Ammann ne s’en est pas lassé : "j’ai une immense faim de femmes, que l’art a encore aiguisée". Sa dernière exposition au Centre Culturel suisse à Paris, A rebours, est une grâce rendue au corps de la femme, à son intimité et ses transformations, un émerveillement, un témoin de cette faim pour toujours inassouvie. "Faire l’amour avec une femme, cela peut être interminable. On évolue dans la façon de faire l’amour - jeune homme je n’étais pas qualifié et j’avais trop de pression, il fallait que ça gicle - mais avec l’âge on développe un sixième sens, mais c’est seulement vers l’âge quarante ans que je suis devenu capable de me donner à une femme. C’est extraordinaire de faire l’amour pendant quatre heures au lieu de dix minutes, le luxe c’est d’avoir le temps... Faire l’amour avec une femme, cela peut être interminable. La femme est un mystère, elle est l’attraction éternelle... Il faut vous engloutir". Immense sourire.
Et Ammann esquisse un pas de danse et se met à chanter : Etoile des neiges, Mon coeur amoureux... Oui, nous sommes en plein mois d’août et Jean-Christophe Ammann que je rencontre pour la première fois me chante Etoile des Neiges... Il chante juste. Tout chante juste en cet homme. Et il m’explique encore que le psychanalyste Wilhelm Reich avait raison : l’orgasme a surpassé le big bang. Et que pendant ses dix dernières années de vie, tout le travail de Picasso est une ode au désespoir extraordinaire de ne plus être capable de bander. Une ode au voyeurisme : l’image devient le substitut. Toute la production artistique vient de là : être dans l’image comme substitut au faire. Quant elle est "bonne", l’image acquiert une corporalité et génère la présence de celui qui la regarde à l’intérieur d’elle-même.

Le corps masculin aussi, ou plutôt, son sexe, et son visage...
Au-dessus de nous, entouré de dizaines d’autres toiles, un grand Lucian Freud : l’homme est nu. Son sexe est beau. Et pourtant, pour Ammann - pour les hommes ? - le sexe masculin n’a de physionomie que quand il est en érection. Et de revenir sur l’exposition de Toscani, à la Biennale de Venise : gros plans sur des dizaines de sexe. Mais on ne regardait plus les sexes - ils n’étaient après tout que signes de sexes, comme dans la statuaire classique - on regardait l’ossature. C’est elle qui redonnait l’individualité.
Mais où sont, dans l’art, les sexes en érection ? Nous nous étonnons, ensemble, que les femmes ne glorifient pas, dans l’art, la beauté du sexe masculin en érection. Et pourtant la seule façon de se glorifier c’est de glorifier l’autre... Mais la gloire du sexe en érection est à chercher ailleurs. Le plus souvent, dans l’érotisme homosexuel. Au Centre Culturel Suisse, Ammann présentait ainsi, de l’artiste suisse Christoph Wachter, une série de dessins minuscules, noirs, puissamment érotiques. Ce format minuscule, conséquence d’une tension entre le faire et la culpabilité de l’avoir fait, éatit aussi, pour le spectateur, une discrétion, une solitude, un appel au regard de près, l'absence de partage avec un autre regardeur.
Et le visage ? Jean-Christophe Amman voulait devenir médecin. Ou plus exactement, chirurgien. "J’avais cette idée en tête depuis très longtemps, depuis que j’avais vu un livre sur les gueules cassées de la première guerre mondiale. Il me fallait absolument trouver un moyen de réparer ces visages. Le visage est le centre du corps. Je me suis dit que j’allais devenir chirurgien plasticien. Finalement j’aurai réparé les visages par l’image seulement. Mais être historien de l’art, c’est aussi servir la communauté. Pour servir, il faut le plaisir. Il faut avoir un plaisir fou pour savoir le transmettre..."

L’art comme poétique
Ah, encore, la fonction de l’art ? Kunst als Aufklährung, ça c’est fini, obsolète, on oublie. L’art désormais, une poétique. Autour du corps : le corps nu, et, au coeur du corps, la colonne vertébrale. La colonne vertébrale, c'est la poésie. Contemporain ne veut pas dire d’aujourd’hui : non, c’est ce qui a travers sa poésie a une présence contemporaine Il y avait une époque où les artistes donnaient la direction générale - aujourd’hui ce n’est plus le cas. Les curateurs de la globalisation cherchent certes à remplacer les artistes, à donner cette direction générale en imposant leurs choix qui le plus souvent sont scolaires et sans rapport avec la réalité de la création. Dans cette réalité, la dispersion est incroyable, il n’y a plus de tendance plus d’avant-garde et rien n’est à venir. C’est difficile à comprendre, il faut admettre que tout nous échappe... Mais c’est la vie et c’est tant mieux : chaque artiste dans le monde devient un univers parallèle. La fonction de l’artiste ? Celle d’un chercheur de soi même dans une conscience contemporaine - forschen nach dem Selbst. Le soi n’existe pas en tant que tel, c’est une fonction, et plus on travaille sur soi plus ça devient mystérieux et gigantesque.
Le futur ? Il est ouvert ! A mon âge, qui n’est pas un âge, le futur c’est la curiosité. Je suis extrêmement curieux de ce que les artistes créeront aujourd’hui, demain, après-demain. Je veux voir et voir encore, écouter les artistes, comprendre la pensée de la jeune génération, rêver dans leurs studios : je suis un troupier qui s’enrichit à leur contact. J’ai besoin du sang des autres pour me nourrir...

Tribune libre de Barbara Polla : Tell Me Swiss !

2010-10-29T07:36:00.002+02:00

Tell Me Swiss ? C'est la dernière création du catalan Cisco Aznar. Qui fait parler d'elle jusqu'à l'autre bout du monde. Présentée dans le cadre de l'Exposition Universelle de Shanghai, elle aurait pu prendre comme sous-titre : Chronique d'une censure annoncée. Il a fallu couvrir les seins des danseuses, ce qu'Aznar fit de bonne grâce, mais non sans inscrire "Censuré" sur les corps concernés !

Mais au-delà de quelques ravissantes mamelles, qu'est ce qui choqua vraiment, dans cette fantaisie suisse que seul pouvait créer "un étranger" ? La réalité, Mesdames et Messieurs, voilà ce qui choque, choqua et choquera… la réalité du travail par exemple, et la manière dont cette réalité là est traitée en Suisse. Psychédélique : voyez l'apprentissage pour les clandestins - oui, mais qu'ils restent soigneusement, tout de même, clandestins, aussi longtemps que nous aurons besoin d'eux. La Suisse non seulement sait travailler, mais elle sait aussi faire travailler les autres, pour elle et chez elle. Sans les "travailleurs étrangers" - et, en ce qui nous concerne, nous les femmes, les travailleuses - que ferions-nous ? Sans ces travailleuses qui font fonctionner notre pays et qui nous permettent notamment, à nous femmes actives que nous sommes, de devenir - en apparence du moins - de vraies super-women, à la fois professionnelles et engagées socialement et qui s'occupent à la quasi perfection non seulement de leur travail, mais en parallèle de leurs foyers, de leurs enfants et de leur famille élargie ? Oui, sans ses vrais super-travailleurs, la Suisse ne serait pas si belle.

La Suisse certes exploite parfois, dissimule et hiérarchise, mais elle est aussi la démocratie la plus extrême du monde. Et elle sait accueillir l'étranger de manière si éminemment sélective que tous ceux qui passent sous les fourches caudines de l'accueil suisse officiel vont se trouver pour toujours liés à ce pays qui les a élus "swiss-compatibles". Et comme le disent, le chantent et le dansent les acteurs de Tell Me Swiss, si la Suisse est "grave" avec ses étrangers, il vaut toujours mieux être étranger en Suisse que chez soi dans tant d'autres pays du monde… Cisco Aznar sait de quoi il parle : il vit chez nous ! Cynthia Odier aussi, sait de quoi elle parle. Elle est grecque - et à l'origine, en collaboration avec la Haute école d'art et de design - Genève (HEAD), de ce spectacle pour le moins ébouriffant. Car Tell Me Swiss n'est pas tombé du ciel : né de l'union de la Fondation Fluxum et de la HEAD, cette performance transdisciplinaire s'est inspirée des costumes créés pour Shanghai par les étudiants en Design Mode de la HEAD. Pour L'Extension, Jean Pierre Greff, le Directeur de la HEAD commente : "Nous n'avions pas imaginé que la création des costumes pour le Pavillon suisse de Shanghai - qui en soi était déjà une belle success story pour la HEAD et son département Design Mode - puisse trouver un prolongement aussi... spectaculaire. C'est à Cynthia Odier que nous en devons l'idée ! C'est elle aussi qui a rendu possible ce spectacle plein d'invention et de drôlerie, de poésie et d'humour, impertinent et provocateur imaginé par Cisco Aznar. Avec quel brio ! Le dialogue qu'il a engagé avec l'école a été enthousiasmant. Nous allons le poursuivre..." Après Shanghai, retour à Genève, où Tell Me Swiss sera présenté à nouveau en décembre, à l'Alhambra. Allez apprécier ce conte de fée grinçant où dragons et sorcières se rencontrent mais aussi "Coucou" et "Moitié-moitie »́ … car une des qualités salvatrices de la Suisse est sa capacité d'autodérision. Le film des Faiseurs de Suisses en fut longtemps le témoin par excellence, aujourd'hui Tell Me Swiss prend la relève ! Au thème de l'exposition universelle, "Meilleure ville, Meilleure vie", on pourrait désormais ajouter, meilleur pays, meilleur spectacle.

Car en dehors de la provocation pleine de gaieté, Tell me Swiss est aussi un émerveillement. Pour la féérie du spectacle d'abord : Cisco Aznar offre à son public une scène au plancher si verdoyant que l'on se croirait en plein mayens. Rien ne manque au décor et la Suisse éternelle repose tranquillement au pied de ses alpages tandis que le troupeau de vaches, entre idéalisme et vacherie, se forme et se déforme pour réclamer des subventions pour les agriculteurs... Pour Guillaume Tell, ensuite. Guillaume Tell pour une fois représenté tell qu'il était, un tout jeune homme fier et angoissé. Magnifique échange de regards entre le père et le fils, ce dernier inquiet et pourtant complice, face à son jeune père qui met en jeu la vie de son enfant pour le refus de se soumettre et le sauve grâce à sa compétence. Complices en liberté. La liberté comme valeur absolue. La nôtre bien sûr - mais sans oublier celle des autres.

Libre livre, un best seller archi-suisse

L'Histoire suisse en un clin d'œil de Joëlle Kuntz est un best seller. Pour les russes notamment, mais plus fascinant encore, pour nous les Suisses. Exceptionnel vraiment car "suisse" et "best seller" ne vont pas souvent de pair et encore moins en littérature qu'en tout autre domaine : presque un oxymoron ! Et pourtant, c'est bien un best seller : incroyable mais vrai. Nombreux sont ceux qui se sont demandés pourquoi. Peut-être parce que, comme le dit Joëlle Kuntz, "le désir de la Suisse de jouer un rôle est au moins aussi grand que son désir de ne pas prendre parti" et que ces deux désirs contradictoires animent la plupart d'entre nous, suisses, non suisses, ou suisses à moitié. Les paradoxes identitaires qui tordent plus souvent qu'à son tour les intestins de ce pays ne sont-ils pas, eux aussi, un reflet des paradoxes identitaires de chacun d'entre nous ? Etre grand mais discret, neutre mais bon, pauvre mais riche ou alors riche mais sans que cela ne se sache, ouvert et fermé...
Joëlle Kuntz nous raconte l'histoire de ce pays, le nôtre, qui selon Pierre Assouline est un "îlot d'absurdie dans un monde déréglé", comme elle nous raconterait une l'histoire d'une personne qu'elle aurait bien connue. La Suisse a une psychologie, des problèmes d'identité, elle change au cours du temps, elle assemble ses parties disparates en un improbable mais résilient ensemble. Les cantons de cette Suisse fédéraliste, qui selon Joëlle Kuntz, "ne font plus qu'appliquer en toute “souveraineté” des décisions qui ont été préparées ou orientées par l'administration fédérale" nous ressemblent : nous tous, habitants de la planète Terre, appliquons nous aussi, en soi-disant souveraineté, des décisions préparées par d'autres, ou les laissons appliquer, parce que finalement c'est plus simple, le plus souvent, que de s'y opposer.
Joëlle Kuntz en nous racontant la Suisse nous raconte donc nous-mêmes, et c'est bien là la raison d'être d'un best-seller... "On peut raconter la Suisse, dit encore Assouline - mais on ne l'explique pas sauf à être Kafka, Musil ou Nabokov. Pour ce qui est du pays-qui-n'existe-pas, du malheur d'être suisse et de la prison de l'esprit, on se reportera plutôt à Durrenmatt ou Frisch. Quatre langues pour sept millions d'habitants répartis entre vingt six cantons et demi-cantons, et un compromis fédéral pour gérer les désaccords ? Il faut être fou. Sur le papier, c'est indéfendable. Même en se rangeant derrière son cher arbalétrier d'élite, Guillaume Tell. Pourtant, ça fonctionne" - Tell quel ! Joëlle Kuntz n'explique rien, surtout pas le merveilleux malheur d'être suisse, mais elle nous donne à penser, en nous racontant non pas tant l'Histoire suisse que des histoires. Celles des villes, notamment. J'appris ainsi qu'en juin 1814, lors de l'arrivée des Confédérés, Genève les salua d'un "Bienvenue aux enfants de Tell !" Parce que Tell, c'est le mythe suisse en action : la liberté comme valeur absolue et la compétence comme instrument. Bienvenue !

Analix Forever, Barbara Polla, Art et Mode, by Juliet

2010-10-29T07:11:00.004+02:00

Show Off, show up !

2010-10-27T17:40:00.001+02:00

La FIAC classique, moderne et somptueuse, ainsi que toutes les foires Off, chacune dans son style. Show Off par exemple, un vrai bonheur : sous le Pont Alexandre III coule la Seine... Ce n’est pas par hasard qu’Analix Forever a choisi ce Off là et s’y tient depuis ses débuts ! A part son emplacement sur les bords de Seine, à deux pas du Grand Palais, c’est son esprit de famille qui séduit. Créée par une poignée de galeristes du Marais et de Lyon, Show Off sait ce dont les galeristes ont besoin pour promouvoir l’art qui se fait aujourd’hui, les artistes de leur choix, leur travail et la qualité de galeries aussi modestes qu’engagées. Et favorise les propositions de type solo.

Nous en retiendrons quelques-unes : tout d’abord celle de Vanessa Quang présentant, sur proposition d’Albertine de Galbert (dans la famille, on est semble-t-il amateur d’art à toutes les générations), une installation de l’artiste chilienne Voluspa Jarpa évoquant mystérieusement l’hystérie. Puis celles de deux galeries londoniennes : celle de Jérôme Ladiray, qui a ouvert sa première galerie à Rouen mais prévenait déjà il y a deux ans qu’il irait à Londres. Il l’a fait ! mais reste fidèle à Show Off – où les dessins de Vincent Bizien ont reçu le meilleur accueil ; et celle de Danielle Arnaud, qui présente elle aussi, comme Vanessa Quang, une installation tout aussi étrange que celle de Voluspa Jarpa : des animaux, féériques au premier regard, fantaisistes, mais à se pencher davantage sur le travail de Tessa Farmer, on perçoit le gothique, l’inquiétant, voire le sorcier – ou plutôt la sorcière....

Hélène Bailly montrait quant à elle les Protectors de Sabine Pigalle. Sur fond noir, l’artiste reconstitue sa version personnelle des saints patrons immaculés. Apolline par exemple, sainte patronne des dentistes et autres arracheurs de dents, tout de blanc vêtue, tient entre ses mains ses tenailles, celles qui ont servi à ses tortionnaires pour lui briser la mâchoire parmi d’autres sévices, à elle qui refusa d’apostasier... L’inventivité des humains pour faire souffrir les autres humains est sans fin. Et last but not least, les élégants découpages de l'homme araignée par Mathias Schmied, qui fait du héros de comics américains un mystérieux squelette de papier. A revoir à Lyon à la galerie Olivier Houg si vous avez manqué Paris...

Ces quelques exemples à l’aune de la richesse de ces foires off, de Slick (Palais de Tokyo) à Cutlog (Bourse), de Chambre à Part (pas tout à fait une foire, plutôt une mascarade...) (Trocadéro) au retour sur les bords de Seine. Show Up ! Et si vous avez eu peur des grèves (très peu de Genevois en effet semblent avoir fait le voyage - les plus courageux seulement), revenez l’année prochaine, Paris sera serein, promis.

Publié dans les Quotidiennes, le 27 octobre 2010

Think bigger, le premier conseil de Sharon Hadary

2010-10-26T21:37:00.000+02:00

Sharon Hadary a créé et dirigé le Center for Women's Business Research, avant de devenir professeur associée à l’Université de Maryland et consultante pour les questions de l’économie féminine. Elle a récemment publié un grand rapport sur les business créés par les femmes aux Etats-Unis. Elle s’émerveille de la croissance formidable des business créés et gérés par des femmes, une création qui ces dernières décennies semble s’être poursuivie à une rapidité deux fois plus importante que la création de business par les hommes. Et pourtant.

Et pourtant, passée la phase de création, on ne peut que constater que les business créés et dirigés par des femmes restent de taille inférieure à ceux créés et dirigés par des hommes, avec un chiffre d’affaire inférieur en moyenne de 27%. Hadary identifie quatre causes majeures à cette situation. Tout d’abord, les buts que l’on se fixe. Les buts que se fixent les femmes créatrices d’entreprises sont régulièrement plus modestes que ceux que se fixent les hommes. On atteint rarement ses buts – mais plus rarement encore, des buts que l’on ne se fixe pas… Les trois autres facteurs sont l’accès au capital, l’accès aux marchés et l’accès aux réseaux. Au travail donc, mais d’abord, fixons-nous donc les objectifs les plus ambitieux et non plus seulement les plus réalistes !

Publié dans les Quotidiennes, le 26 octobre 2010

Architecture et émotion : la beauté d’abord

2010-10-21T18:32:00.002+02:00

L’architecture est émotion, toujours, et d’abord émotion esthétique. Mais quel rapport, me demanderez-vous, entre esthétique architecturale et esthétique humaine ? En fait, j’aime définir l’esthétique et la beautétout d’abord par le lien. Le lien qui se crée entre nos yeux et une œuvre d’art, entre notre regard et la ville, entre moi et l’autre. Le lien que nous sommes capables de créer avec nous-mêmes : l’harmonie, donc. Harmonie entre le corps et l’esprit, entre le corps et son habitat, entre le corps et la ville. Mais l’architecture peut aussi générer des émotions négatives : l’architecture, à l’image de l’humain, est parfois magnifique, parfois délétère. Mais nous la voudrions toujours belle, comme nous nous désirons toujours beaux !

Le corps urbain, à l’image du corps humain
Les maisons, les bâtiments, la ville elle-même, ressemblent à des corps. Car l’Homme crée à son image : les maisons ont des yeux et des façades, équivalent architectural du visage (de la face), avec tout ce que les faces et les façades nous montrent et nous dissimulent de l’âme urbaine comme de l’âme humaine. Et les villes ont des artères, des articulations, des poumons, et de fait, la beauté architecturale est très proche de la beauté physique. Le corps humain, structuré par le haut et le bas, par l’avant et l’arrière, par ses faces latérales, préfigure les bâtiments : eux aussi ont leur endroit (qui constitue le visage de la ville) et leur envers (leurs arrières fermés et souvent négligés). Le corps humain et le corps urbain ont tous deux leurs côtés, leurs intérieurs creux, leur verticalité, témoin de leur capacité à résister à la gravitation. Leur résilience aussi, la capacité de résister aux chocs, physiques ou psychologiques.
Andreas Angelidakis, architecte grec visionnaire, nous propose un nouveau genre de musée urbain, qui tout à la fois contient la ville et se déplace en elle, dans un corps à corps étonnant puisque le musée marche, comme un grand corps, à travers la ville : c’est le Walking Building, parce que la ville d’aujourd’hui ne veut plus de bâtiments figés…

La peau, protection sensible
Nous pouvons pousser plus loin encore les relations entre corps et architecture : les maisons, les bâtiments, ont une peau aussi, aussi importante que celle de notre corps et de notre visage. L’enveloppe architecturale, à l’image de la peau humaine, régule l’hygrométrie et la température, assure l’étanchéité et la protection, participe à la respiration, absorbe des éléments nutritifs. Et véhicule des sensations fondamentales, car même si nous ne touchons pas assez souvent la ville, c’est bien au contact intime que nous convoque la « peau urbaine ». On dit parfois que la peau est la surface externe du cerveau. Peut-être en va-t-il de même de la surface extérieure des bâtiments ? Et peut-être faut-il parfois aller jusqu’à « ravaler la façade » lorsque le temps rend le lifting ô combien nécessaire !

Les creux et les pleins et les rêves nichés dans les creux
Comme le corps social, le corps urbain est pétri de lumière, de temps et d’espace et caractérisé par la présence de vides et de pleins. Le vivant n’émerge pas d’une matière compacte, et sans vides ni creux, nous ne saurions « ressentir ». Ainsi le corps est-il fait d’organes creux, de cavités – les poumons, le cœur, la bouche, les intestins, et chez la femme, l’utérus. Ce sont bien dans ces creux que se logent nos sentiments et nos rêves, de même que le rêve architectural va se lover au creux des nuages… au creux du nuage d’Andreas Angelidakis notamment. Qu’il est beau d’habiter un nuage, d’avoir non seulement la tête, mais notre corps entier, dans un nuage, au bord de la plage. Protégés, cocoonés, allégés, nous flottons dans la ville comme nous flottons dans la vie. Alternativement, Angelidakis nous propose un Blue Wave, un hôtel comme un nid d’abeille, comme un ensemble de grottes parfaites, que le soleil couchant traverse et où passent de solitaires voyageurs du futur.

Architecture émotionnelle et beauté
L’architecture émotionnelle ? En fait, toute l’architecture génère des émotions, positives quand elle est belle, négatives aussi lorsqu’elle ne respecte pas les besoins des citoyens, mais trop souvent oubliées voire ignorées. Le premier Colloque international d’Architecture émotionnelle, les 20, 21 et 22 janvier 2011, un colloque dont les partenaires principaux sont le Centre Interfacultaire des Sciences Affectives de l’Université de Genève et la Faculté d’Architecture La Cambre-Horta de l’Université Libre de Bruxelles, explorera ce sujet central pour le bien-être citoyen et social. Save the date ! Le colloque est organisé avec le soutien de la République et Canton de Genève et accueillera parmi les plus grandes personnalités de l’architecture et du monde des émotions et il est ouvert à tous. Entrée libre, inscription obligatoire.
http://archiemo.wordpress.com/

Publié dans Beauté, novembre 2010

Eloge du corset

2010-10-21T07:25:00.000+02:00

Vous n’avez encore jamais porté de corset, parce que vous êtes vaguement féministe si ce n’est plus et que ce truc est totalement ringard ?

Détrompez-vous, c’est une découverte. Que nous raconte avec délices Siri Hustvedt, la magnifique épouse du non moins magnifique Paul Auster, à moins que ce ne soit surtout lui son mari, d’ailleurs. Elle en parle plus souvent qu’à son tour dans son Plaidoyer pour Eros (Actes Sud,2009) : mon mari par-ci, mon mari par-là…

Siri qui a tenté l’affaire nous dit que «porter un corset c’est un peu comme se sentir embrassée en permanence dans un enlacement de la taille qui jamais ne se relâche. C’est agréable et vaguement érotique : une étreinte qui jamais ne se relâche». Elle s’est même évanouie, minimum … car le vêtement, n’est-ce pas, c’est avant tout une idée - en l’occurrence une idée du sexe «faible».

Une idée à regarder dans le miroir avant que de ne l’écarter : la courbure de la taille devient extrême et les seins sont poussés vers le haut - le corset ne couvre pas le sexe et laisse les seins libres, juste un peu plus haut que d’habitude donc, en entre deux ce resserrement… comme le dit encore Siri, se regarder en corset, si on ne l’a pas porté avant, c’est se découvrir un nouveau corps. Les vêtements expriment ce que l’on souhaite être – déguisement, transformation, métamorphose – et les atours culturels du sexe n’en ont jamais fini, de nous définir, de nous faire nous aimer, nous changer, nous amuser… sans oublier, jamais, «le venin que peuvent, aussi, distiller les apparences».

Mais avant de rejeter le corset, il faut l’essayer – et peut-être même le garder ? Miroir mon beau miroir… il vous dira très bien si l’étreinte en vaut la peine.

Publié dans les Quotidiennes, le 21 octobre 2010

Viviane de Witt, une femme d’ailleurs bien de chez nous

2010-10-18T18:30:00.000+02:00

Viviane de Witt, première femme commissaire priseur de France, grande culture, grandes passions, pour l’art et les gens : trois maris, trois enfants, trois chevaux, cinq petits enfants, une maison toujours ouverte, à l’image de son coeur. Elle a tant aimé Genève qu’elle est devenue suisse, conseillère municipale à Vandoeuvres, indépendante orientation verte, a créé une foire d’art, puis repris la Foire de Genève, puis Radio Cité…

La belle rousse a fait des remous, la foire de Genève a connu le sort que l’on sait, Radio Cité poursuit sa route. Elle y fait travailler aujourd’hui vingt-cinq personnes, interviewe elle-même des gens dont elle apprécie le parcours de vie - j’ai eu l’heur d’en faire partie mais non ne croyez pas que ce soit (seulement) pour cela que je vous parle de Viviane de Witt. Je vous en parle parce qu’une radio privée - associative en l’occurrence - basée sur le contenu, le sens et la qualité, plutôt que sur l’audience, le taux d’écoute et la rentabilité, c’est rare et précieux - même si bien sûr, pour concrétiser ses valeurs, Radio Cité doit se faire entendre.

Ses valeurs… - mais quelles valeurs ?

La culture d’abord, pour tous. Le constat de Viviane de Witt, c’est que Genève est culturellement très riche, mais que cette richesse bénéficie régulièrement à ceux qui en ont déjà, à ceux qui peuvent, à ceux qui savent, à un 20% de la population du bassin genevois qui en a à peine besoin. Son ambition : faire bénéficier de la culture locale un autre public, ce 80% qui résiste, qu’il faut solliciter, à qui il faut proposer une offre à la fois haut de gamme et accessible pour qu’il se laisse tenter.

L’éthique ensuite - mais quelle éthique ? Pour Viviane de Witt, c’est l’honneur. Mais… c’est quoi, l’honneur - un truc un peu ringard, non ? Pour Viviane de Witt, il s’agit de ne pas renier sa parole. D’être en accord avec soi-même et empathique avec les autres. De reconnaître la valeur de ses collaborateurs. Elle a récemment confié la direction de Radio Cité à Stéphane Santini qu’elle estime plus capable qu’elle même pour ce faire ; elle tient en haute estime Pierre Botton et son émissions Tant qu’il y de la vie – une émission sur la résilience.

La résilience. Rebondir, toujours. Viviane de Witt connaît. Une qualité très suisse, un terme qui vient de France. Radio Cité, sur le net, est devenue internationale. Au cœur de Genève.

Publié le 18 octobre 2010 dans les Quotidiennes

News du Premier Colloque International d’Architecture émotionnelle

2010-10-12T17:58:00.000+02:00

Le Premier Colloque International d’Architecture émotionnelle aura donc lieu du 20 au 22 janvier 2011 à la salle de la Fondation Louis-Jeantet, gracieusement mise à disposition par la Fondation. Barbara Polla est à l’origine de ce Premier Colloque, les deux institutions académiques partenaires principales sont le Centre interfacultaire des Sciences Affectives de l’Université de Genève et la Faculté d’Architecture La Cambre Horta de l’Université libre de Bruxelles, et les éminents membres du Comité Scientifiques sont listés sur ce blog. L’organisme responsable est l’Association suisse pour l’Architecture émotionnelle (statuts sur ce site ; vous pouvez adhérer en faisant un don).

Vous pourrez bientôt vous inscrire sur le site http://archiemo.wordpress.com au moyen d’un formulaire électronique. L’inscription est libre mais obligatoire ; les inscriptions pour les trois jours seront privilégiées. Si vous souhaitez des informations supplémentaires, contactez-nous à analix@forever-beauty.com: Marylène Malbert, historienne de l’art et collaboratrice de la galerie Analix Forever, responsable de l’organisation pratique du colloque, se fera un plaisir de vous répondre. Pour tout commentaire ou suggestion, vous pouvez également joindre directement Barbara Polla.

Le programme est en cours d’élaboration, il sera consultable sur http://archiemo.wordpress.com/ dès qu’il sera définitif. Parmi les orateurs confirmés, outre les membres du Comités scientifique, citons notamment Andreas Angelidakis, Patrick Aebischer, Catherine Brandner, Jérôme Brunet, Thomas Cochrane, Jean-Louis Cohen, Bernard Khoury, Flavio Mangione, Didier Ottinger, Thierry Paquot, Rudy Ricciotti, Christine Schaut, Chris Younès. Francesco Della Casa, rédacteurs de la revue Tracés, servira de métamodérateur.

Ce colloque est organisé avec le soutien de la République et Canton de Genève, de l’Université de Genève, du Fonds national suisse de la Recherche scientifique et de la FAI (Fédération des Associations d’architectes et d’ingénieurs de Genève). Merci à vous tous !

Invest in infacy

2010-10-07T18:39:00.001+02:00

L’acteur Pierre Arditi ce jeudi matin 7 octobre parrainait une action de la Fondation Prim’Enfance pour les enfants souffrant de cardiopathies à l’Hôpital des Enfants à Genève. La fondation Prim’Enfance ? Créée en 2007 par Philippe Monnier, docteur en ostéopathie, elle a comme but d'apporter un soutien à la recherche, à la prévention, au dépistage et au traitement des maladies de l'enfance. De la prénaissance à l'adolescence, en se concentrant sur trois axes : les neuro-sciences, la cardiologie et la pédopsychiatrie. La Fondation vit de l’engagement de ses fondateurs, et distribue les cotisations de ses membres, les fonds récoltés lors d’évènements organisés spécifiquement à cet effet, et les dons.

Une cérémonie presque familiale au cœur de l’Hôpital des enfants en pleine transformation, des soignants enthousiastes, la psychiatre du groupe, très engagé lui aussi, François Ansermet, qui explique ce qui paraît une évidence mais que l’on oublie trop souvent, à savoir que les soins peuvent eux aussi représenter un traumatisme, un projet design tout en douceur, mais aussi des enfants qui pleurent et deux clowns pour oublier les larmes... Pierre Arditi qui en a vu d’autres pourtant, ému, a décidé sur place non seulement de parrainer, mais d’adhérer à la Fondation. Applaudissements. Nous aussi, nous pouvons aider... - ou comme le dit le slogan de la Fondation Prim’enfance, invest in infancy.

Publié dans les Quotidiennes, le 7 octobre 2010

Nathalie Rebholz: (In)constance

2010-10-07T18:38:00.001+02:00

Pour sa deuxième exposition personnelle à Analix Forever, Nathalie Rebholz met en scène des offrandes à la nature (Despachos), une série de Vanités contemporaines et une sélection de dessins sur papier.

Les Despachos se rapportent à une tradition andine de remerciement en communion avec les éléments de la nature. Il s'agit d'une offrande pour honorer un nouveau commencement, solliciter une guérison, une protection, une bienveillance particulière. L'humilité du Despacho fait face au déploiement des vanités. Nathalie Rebholz s'empare en effet de ce thème qui traverse l'histoire de l'art depuis le XVIIe siècle, lorsque la nature morte devient un genre reconnu. Elle décline ce dispositif comme autant de Memento Mori: Souviens-toi que tu vas mourir...

Publié sur sortir.ch

A Analix dès jeudi : Nathalie Rebholz, “Swiss Girl” en pleine vanité

2010-10-06T07:28:00.002+02:00

Et pour en savoir plus : venez voir !

Le communiqué de presse en PDF

Bonjour New York

2010-10-04T18:36:00.000+02:00

Cela faisait quelques mois que je n’étais pas venue à New York. La première chose qui frappe : dans l’intervalle, la pauvreté semble s’être installée, une impression qui confirme les chiffres déjà avancés en mars de cette année (http://www.nytimes.com/2010/03/03/nyregion/03poor.html ). Alors les New-Yorkais, qui savent qu’ils s’en sortiront toujours, sont redevenus philosophes. Tout le monde semble avoir admis que la crise est installée, qu’elle va durer et qu’il faut s’adapter. Comme toujours, comme partout, ce sont surtout les pauvres qui souffrent – mais pas seulement. Et la pauvreté visible de la rue retient davantage l’attention : la plupart des passants semblent regarder autour d’eux, sortent quelques pièces… ils ont davantage le temps. Comme une nouvelle compréhension, une nouvelle solidarité, créée par la perte des repères.

Les riches, eux, sont toujours riches. Mais ils font attention. Quand on pose la question à Richard Branson (le patron de Virgin) comment on fait pour devenir millionnaire, il répond : vous êtes milliardaire et vous achetez une compagnie d’aviation. On pourrait paraphraser, vous êtes milliardaire et puis la crise arrive. Là encore, on s’adapte, au plus vite : Sotheby’s dont on raconte qu’elle a licencié en une nuit 30% de ses collaborateurs au début de la crise, se porte bien, et présente même désormais des expositions de niveau muséal, en ce moment sur le thème de la Divine Comédie de Dante (http://www.sothebys.com/divinecomedy/#overview) , avec des pièces valant des millions de dollars… pour milliardaires, donc. Tollé dans les chaumières des galeries.

Les bonnes nouvelles ? Les artistes… pas les Cattelan, les Kunz, les Friedman et les autres – non, ceux qui sont en plein dans le processus créatif : ils créent avec plus d’engagement que jamais, travaillent dans l’espace public, collaborent, inventent… Les galeries, elles, ne passent pas toutes leur temps à se féliciter ou se plaindre des maisons de vente, elles se réinventent aussi, se repositionnent, Lower East Side par exemple, si vous êtes à New York allez voir l’exposition de Bob Flanagan à Invisible Exports (http://www.invisible-exports.com/). Des galeristes étonnants. Brooklyn grouille de vie, de poussettes, de bébés, comme si la crise générait un nouveau baby boom… Et la construction se poursuit. Et les hôtels flambant neufs sont deux fois moins chers qu’il y a deux ans. Et l’on parle de prendre soin de soi, de Health and Beauty – New York qui accueille chaque année la Health & Beauty Association (http://www.hbaexpo.com/) est devenue un temple du care… et le dernier Woody Allen, You will meet a tall dark stranger (http://mubi.com/notebook/posts/1840 ) (of course…) nous propose de vivre dans une vie parallèle, antérieure de préférence !

A bientôt New York !

Publié le 4 octobre 2010 dans Les Quotidiennes

Bons baisers de Bill Gates

2010-10-04T18:28:00.000+02:00

Oui c’était en juin, mais de retour de Washington et New York il me semble soudain que nous n’en avons pas assez parlé : les deux hommes les plus riches du monde (voir lien ici) ont décidé d'unir leurs forces pour lutter contre la pauvreté. Bill Gates, (53 milliards de dollars) et le patron mexicain Carlos Slim (500 millions de plus et premier ressortissant d'un pays en développement à prendre la tête du classement des fortunes mondiales du magazine Forbes) investiront dans les cinq ans à venir plus de 100 millions de dollars pour aider la santé des plus démunis en Amérique centrale et au Mexique. Une bagatelle ? Certes, peut faire mieux. D’ailleurs Bille Gates a d’ores et déjà publiquement évoqué la suite, le 14 juin à Mexico : «C'est la première société que nous montons ensemble mais je suis sûr que ce ne sera pas la dernière».

Qui dit mieux ? Bille Gates encore. Deux jours plus tard, Bill Gates encore, cette fois ci avec Warren Buffet (troisième fortune mondiale, 47 milliards de dollars), a annoncé leur volonté commune de consacrer la moitié de leur fortune à des oeuvres de charité pour convaincre les autres riches de faire pareil. Quarante familles et individus, essentiellement de Californie ou de New York, ont d’ores et déjà suivi. Parmi eux le producteur George Lucas, le co-fondateur de Microsoft Paul Allen, le fondateur d’EBay Pierre Omidyar ou encore Larry Ellison, Oracle. Mercredi soir 29 octobre, dîner philanthropique à Pékin : les jaloux titrent : Warren Buffet et Bill Gates «font les poches des milliardaires chinois» (voir lien ici). De l’art de transformer les meilleures nouvelles en escroquerie.

Mais… qui dit mieux ? Notre Suisse natale peut-être ? Avant de faire, qui sait, aussi bien, disons déjà, bravo ! Et parlons-en, de cette initiative qui ne peut que nous rassurer sur l’état de santé de la planète, notre propre capacité à analyser le problème des disparités de moyens et à chercher à y remédier. Ceux qui, dans le Point par exemple, parlent d’«aumône», ne l’on probablement jamais faite.

Et laissons à leur propre culpabilité ceux qui prétendent que donner est un signe de culpabilité, et qui cherchent, tels Don Watkins et Yaron Brook dans leur pathétique article dans Forbes, à transformer The Giving Pledge (voir lien ici), en «Guilt Pledge». (voir lien ici)

Publié dans les Quotidiennes, le 4 octobre 2010

L'oeil du commissaire priseur

2010-10-01T18:15:00.001+02:00

Passage sur RadioCité du 1er octobre 2010.

Le mp3 peut être téléchargé en cliquant sur ce lien.

Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur l’Art Déco….

2010-09-21T10:27:00.000+02:00

José Alvarez, le presque mythique éditeur de Editions du Regard , est aussi écrivain. Un premier roman publié chez Grasset, Anna la Nuit et tout récemment un exceptionnel « beau livre » consacré à l’Art Déco. A propos de Anna la Nuit Pierre Assouline disait: « l'élégance d'un auteur dont il suffit de secouer les pages pour en faire tomber des larmes. » A propos de ses Histoires de l’art Déco on pourrait dire : l’élégance d’un érudit qui a la modestie d’écrire des histoires plutôt que l’Histoire.

L’art déco ? Ni mouvement ni courant esthétique dit José Alvarez, mais un état d’esprit. Un état d’esprit centré sur le futur, sur la construction d’une modernité en mouvement, un état d’esprit qui aujourd’hui encore influence une création désormais post-moderne – mais qui comme l’art déco, se veut d’être partout, dans tous les domaines, en expansion perpétuelle, envahissant et incluant tous les territoires, celui du design bien sûr, de la mode, de l’architecture, de l’écriture, de la publicité, du mobilier, du style, de la tendance… L’art déco version José Alvarez répond à un changement d’esprit, mu par une forte volonté esthétique traversée de courants divers, à la croisée des chemins d’un art décoratif porté pour certains par une furieuse volonté d’émancipation et de recherche.

Magnifique chapitre consacré au couturier Jacques Doucet : on pourrait croire qu’Alvarez l’a connu personnellement, mais les dates ne concordent pas (1853-1929). Enigmatique, élégant, magicien, prince et mécène, « Médicis de nos temps rétrécis », solitaire et marginal, Doucet collectionne, et commande aussi, à Pierre Legrain par exemple, de nombreux meubles qui firent l’Art Déco. Dès le tournant du siècle, l’esthétique Art nouveau imprègne les créations même du couturier. En 1922, il fait l’acquisition, entre autres œuvres de Picasso, des Demoiselles d’Avignon, qu’il envisagera de donner aux musées nationaux qui n’en voulurent pas… L’un des plus beaux chapitres du livre vraiment, magnifiquement illustré, on plonge dans le salon du studio de Doucet, le studio Saint James à Neuilly, comme si l’on y était.

Histoires de l’Art Déco ne se prétend pas un ouvrage théorique sur l’Art déco, même s’il s’attache à l’analyser, à en tracer les contours et les raisons de son émergence. Le livre est davantage un hommage sensible à une époque et à ceux qui l’ont vécue, notamment les jeunes antiquaires qui ont soutenu et défendu l’Art Déco avec une détermination formidable et qui en ont fait aussi une valeur, désormais consacrée, dont témoigne tout un chapitre rédigé par Laurent Noël. Et si nous ne sommes pas encore… à Noël, ce livre est un cadeau pour sûr !

Publié dans les Quotidiennes, le 21 septembre 2010

Le ciel est blanc comme une orange

2010-09-17T08:56:00.003+02:00

Une ceinture dans la neige, un lien dans ses mains, des garçons en T-shirts blancs, les vêtements suspendus comme papier glacé qui flottent dans le vent, vêtements de neige numérotés qui attendent, dans l’immense halle vitrée le vent souffle et fait danser les sacs sur leurs racks, les sacs de papier qui contiennent les chaussures, les papiers qui recouvrent les vêtements, les images du scénario qui attend comme oublié, des ex-votos enneigés accrochés aux cintres. Derrière ceux qui regardent, le ciel est lourd de neige, neige qui s’accumule sur les vitres du plafond puis croule sur les sièges, se fond en bouteilles d’eau - la reine des neiges a passé par là dans sa robe de glaçons.
Dans la grande halle vide le temps enveloppé de neige n’existe plus. Les vêtements flottent hors de lui et l’artiste les a aimés, il les a rencontrés, il les a dessinés comme l’on photographie, il les a photographiés comme l’on dessine. Il a passé du temps avec des vêtements comme il ne l’avait jamais fait auparavant. L’attente est longue et la vie d’avant la vie n’en finit pas, comme une adolescence passée devant sa propre garde robe, à regarder encore ces étranges revenants, les draps, les linceuls, une attente immaculée.
La neige silencieuse n’arrête pas de tomber son velours de blancheur sur les épaules du monde étouffant tout bruissement et le silence, perles de neige, gouttes de rosée bleue, fleurs de cynorrhodon, bourgeons d’églantine et larmes de cristal deviennent éclats de givre dans les yeux. La reine des neiges a passé par là dans sa robe de lumière.
Les femmes venues d’ailleurs, groupe aléatoire, passent fièrement comme une phalange musclée et souple et puis s’en vont et s’en retournent là-bas attendre leur printemps. Les vêtements retrouvent leur place sur les racks les chaussures dans leurs boîtes les ceintures suspendues mais leur souvenir reste en boucle et s’il neige en janvier, cet été nous les reverrons sur les boulevards libres Zuzanna Alina Vivanne Danijela Jaine Tara Bojana. Joie solaire : les neiges ont fondu et les femmes flottent dans l’été les ceintures déliées un langage inconnu. La terre est bleue comme une orange les guêpes fleurissent vert l’aube se passe autour du cou et le pas des femmes sur les boulevards libres laisse tout le soleil sur la terre sur les chemins de ta beauté.

Barbara Polla pour Sang Bleu et Kris Van Assche
Remerciements à Matt Saunders et à Paul Eluard, La Terre est bleue comme une orange

The sky is white as an orange

A belt in the snow, a strap in his hands, boys in white T-shirts, clothes hanging like high-gloss paper blowing in the wind, numbered snow-clothes waiting, in the huge glassy hall the wind is blowing and making the bags dance on their racks, the paper bags holding shoes, the paper covering the clothes, the images of the script waiting, as if forgotten, snowy ex-votos hanging from the rails. Behind the onlookers, the sky is heavy with snow, snow piling up on the glass of the ceiling then tumbling down onto the seats, melting into bottles of water – the Snow Queen has been here in her gown of ice.
In the great empty hall time wrapped in snow has ceased to exist. The clothes float outside it and the artist has loved them, he has known them, he has drawn them the way one takes a photograph, he has photographed them the way one draws. He has spent time with the clothes like he had never done before. The wait is long and the life before life never ends, like an adolescence spent in front of your wardrobe, looking at these strange revenants, sheets, shrouds. Immaculate waiting.
The silent snow keeps falling its velvety whiteness on the shoulders of a world muffling all noise and the silence, snow pearls, drops of blue dew, rose-hip flowers, eglantine buds and tears of crystal become shards of frost in the eyes. The Snow Queen has been here in her gown of light.
The women from elsewhere, a random group, pass proudly like a muscular and supple phalanx and then go, go back over there and wait for their spring. The clothes resume their places on the racks the shoes in their boxes the belts hanging but their memory remains in a loop and while it may snow in January, this summer we’ll see them on the boulevards free Zuzanna Alina Vivanne Danijela Jaine Tara Bojana. Solar joy: the snows have melted and women are floating in the summer belts loosened an unknown language. The earth is blue like an orange wasps flower green dawn slips around necks and women’s steps on the boulevards free leave all the sun on the earth on the pathways of your beauty.

Barbara Polla for Sang Bleu and Kris Van Assche
Thanks to Matt Saunders and Paul Eluard, La Terre est bleue comme une orange

N U I T D E L A P O E S I E

2010-09-16T08:59:00.001+02:00

autour de l’exposition

OCCASIONALS AND DANGER MEN

JEUDI 16 SEPTEMBRE 2010

à partir de 20h

A l’occasion de la nouvelle exposition de Matt Saunders, Occasionals and Danger Men, la galerie Analix Forever a le plaisir de vous convier à une nuit de la poésie le jeudi 16 septembre 2010, à partir de 20h, dans le cadre de la Nuit des Bains de la rentrée.

Les images appellent les mots et les mots l’image : Analix Forever vous propose de conjuguer les deux. Convoquer la littérature, jouer avec le rythme et la musique des mots dans le cadre d’une exposition qui fait référence au cinéma, aux acteurs, aux icônes en voie de disparition… pour que jamais la poésie ne disparaisse !

La première partie de la soirée sera consacrée à la lecture de textes liés aux thèmes de l’exposition : le portrait, l’opportunité, le danger, le regard… ainsi qu’à la lecture par de très jeunes poètes de leurs propres créations, notamment Xenia Saillard, que nous n’avons pas oubliée depuis la dernière Nuit de la Poésie ! La lecture sera itinérante dans la galerie autour des œuvres mises en lumière par le texte choisi. A partir de 22h, place à la liberté du texte et du thème…

Venez lire avec nous vos textes préférés et écouter l’artiste et poète Robert Montgomery - qui avait inspiré la première Nuit de la Poésie -, l’artiste américaine Leslie Deere, l’éditeur belge Bruno Wajskop, la poétesse Ellen LeBlond, Vincent Barras évoquant John Cage, Marino Buscaglia inspiré par Maître Eckhart. Venez suivre la lecture d’une lettre oubliée entre deux pages de Christian Bobin, (re)découvrir le Corbeau d’Edgar Allan Poe et, à minuit, partager le privilège d’entendre Blaise Cendrars par Anne Bisang. Puis, vers une heure du matin, Jack Kerouac, lu par Jean-Luc Schumacher et mis en musique par Manuel Calderon, nous accompagnera sur la route de la nuit.

Programme détaillé en PDF

Communiqué de presse en PDF

Nuit de la poésie à Genève, on y court

2010-09-15T09:02:00.000+02:00

A l’occasion de la nouvelle exposition de Matt Saunders, Occasionals and Danger Men, la galerie Analix Forever convie les aficionados à une nuit de la poésie le jeudi 16 septembre 2010, à partir de 20h, dans le cadre de la Nuit des Bains de la rentrée.

Les images appellent les mots et les mots l’image : Analix Forever vous propose de conjuguer les deux. Convoquer la littérature, jouer avec le rythme et la musique des mots dans le cadre d’une exposition qui fait référence au cinéma, aux acteurs, aux icônes en voie de disparition… pour que jamais la poésie ne disparaisse !

La première partie de la soirée sera consacrée à la lecture de textes liés aux thèmes de l’exposition : le portrait, l’opportunité, le danger, le regard… ainsi qu’à la lecture par de très jeunes poètes de leurs propres créations, notamment Xenia Saillard, que nous n’avons pas oubliée depuis la dernière Nuit de la Poésie ! La lecture sera itinérante dans la galerie autour des œuvres mises en lumière par le texte choisi. A partir de 22h, place à la liberté du texte et du thème…

Venez lire avec nous vos textes préférés et écouter l’artiste et poète Robert Montgomery - qui avait inspiré la première Nuit de la Poésie -, l’artiste américaine Leslie Deere, l’éditeur belge Bruno Wajskop, la poétesse Ellen LeBlond, Vincent Barras évoquant John Cage, Marino Buscaglia inspiré par Maître Eckhart. Venez suivre la lecture d’une lettre oubliée entre deux pages de Christian Bobin, (re)découvrir le Corbeau d’Edgar Allan Poe et, à minuit, partager le privilège d’entendre Blaise Cendrars par Anne Bisang. Puis, vers une heure du matin, Jack Kerouac, lu par Jean-Luc Schumacher et mis en musique par Manuel Calderon, nous accompagnera sur la route de la nuit.

Publié dans les Quotidiennes, le 15 septembre 2010

L'Extension septembre 2010 - Tell me Swiss

2010-09-07T18:23:00.001+02:00

Tribune libre de Barbara Polla : Tell Me Swiss !

Tell Me Swiss ? C’est la dernière création du catalan Cisco Aznar. Qui fait parler d’elle jusqu’à l’autre bout du monde. Présentée dans le cadre de l’Exposition Universelle de Shanghai, elle aurait pu prendre comme sous-titre : Chronique d’une censure annoncée. Il a fallu couvrir les seins des danseuses, ce qu’Aznar fit de bonne grâce, mais non sans inscrire « Censuré » sur les corps concernés !

Mais au-delà de quelques ravissantes mamelles, qu’est ce qui choqua vraiment, dans cette fantaisie suisse que seul pouvait créer "un étranger" ? La réalité, Mesdames et Messieurs, voilà ce qui choque, choqua et choquera… la réalité du travail par exemple, et la manière dont cette réalité là est traitée en Suisse. Psychédélique : voyez l’apprentissage pour les clandestins - oui, mais qu’ils restent soigneusement, tout de même, clandestins, aussi longtemps que nous aurons besoin d’eux. La Suisse non seulement sait travailler, mais elle sait aussi faire travailler les autres, pour elle et chez elle. Sans les "travailleurs étrangers" - et, en ce qui nous concerne, nous les femmes, les travailleuses - que ferions-nous ? Sans ces travailleuses qui font fonctionner notre pays et qui nous permettent notamment, à nous femmes actives que nous sommes, de devenir - en apparence du moins - de vraies super-women, à la fois professionnelles et engagées socialement et qui s’occupent à la quasi perfection non seulement de leur travail, mais en parallèle de leurs foyers, de leurs enfants et de leur famille élargie ? Oui, sans ses vrais super-travailleurs, la Suisse ne serait pas si belle.

La Suisse certes exploite parfois, dissimule et hiérarchise, mais elle est aussi la démocratie la plus extrême du monde. Et elle sait accueillir l’étranger de manière si éminemment sélective que tous ceux qui passent sous les fourches caudines de l’accueil suisse officiel vont se trouver pour toujours liés à ce pays qui les a élus « swiss-compatibles ». Et comme le disent, le chantent et le dansent les acteurs de Tell Me Swiss, si la Suisse est "grave" avec ses étrangers, il vaut toujours mieux être étranger en Suisse que chez soi dans tant d’autres pays du monde. Cisco Aznar sait de quoi il parle : il vit chez nous ! Cynthia Odier aussi, sait de quoi elle parle. Elle est grecque - et à l’origine, en collaboration avec la Haute école d’art et de design - Genève (HEAD), de ce spectacle pour le moins ébouriffant. Car Tell Me Swiss n’est pas tombé du ciel : né de l’union de la Fondation Fluxum et de la HEAD, cette performance transdisciplinaire s’est inspirée des costumes créés pour Shanghai par les étudiants en Design Mode de la HEAD. Pour L’Extension, Jean Pierre Greff, le Directeur de la HEAD commente : "Nous n’avions pas imaginé que la création des costumes pour le Pavillon suisse de Shanghai - qui en soi était déjà une belle success story pour la HEAD et son département Design Mode - puisse trouver un prolongement aussi... spectaculaire. C’est à Cynthia Odier que nous en devons l’idée ! C’est elle aussi qui a rendu possible ce spectacle plein d’invention et de drôlerie, de poésie et d’humour, impertinent et provocateur imaginé par Cisco Aznar. Avec quel brio ! Le dialogue qu’il a engagé avec l’école a été enthousiasmant. Nous allons le poursuivre... " Après Shanghai, retour à Genève, où Tell Me Swiss sera présenté à nouveau en décembre, à l’Alhambra. Allez apprécier ce conte de fée grinçant où dragons et sorcières se rencontrent mais aussi "Coucou" et "Moitié-moitie" ... car une des qualités salvatrices de la Suisse est sa capacité d’autodérision. Le film des Faiseurs de Suisses en fut longtemps le témoin par excellence, aujourd’hui Tell Me Swiss prend la relève ! Au thème de l’exposition universelle, "Meilleure ville, Meilleure vie", on pourrait désormais ajouter, meilleur pays, meilleur spectacle.

Car en dehors de la provocation pleine de gaieté, Tell me Swiss est aussi un émerveillement. Pour la féérie du spectacle d’abord : Cisco Aznar offre à son public une scène au plancher si verdoyant que l’on se croirait en plein mayens. Rien ne manque au décor et la Suisse éternelle repose tranquillement au pied de ses alpages tandis que le troupeau de vaches, entre idéalisme et vacherie, se forme et se déforme pour réclamer des subventions pour les agriculteurs... Pour Guillaume Tell, ensuite. Guillaume Tell pour une fois représenté tell qu’il était, un tout jeune homme fier et angoissé. Magnifique échange de regards entre le père et le fils, ce dernier inquiet et pourtant complice, face à son jeune père qui met en jeu la vie de son enfant pour le refus de se soumettre et le sauve grâce à sa compétence. Complices en liberté. La liberté comme valeur absolue. La nôtre bien sûr - mais sans oublier celle des autres.

Libre livre, un best seller archi-suisse

L’Histoire suisse en un clin d’œil de Joëlle Kuntz est un best seller. Pour les russes notamment, mais plus fascinant encore, pour nous les Suisses. Exceptionnel vraiment car "suisse" et "best seller" ne vont pas souvent de pair et encore moins en littérature qu’en tout autre domaine : presque un oxymoron ! Et pourtant, c’est bien un best seller : incroyable mais vrai. Nombreux sont ceux qui se sont demandés pourquoi. Peut-être parce que, comme le dit Joëlle Kuntz, "le désir de la Suisse de jouer un rôle est au moins aussi grand que son désir de ne pas prendre parti" et que ces deux désirs contradictoires animent la plupart d’entre nous, suisses, non suisses, ou suisses à moitié. Les paradoxes identitaires qui tordent plus souvent qu’à son tour les intestins de ce pays ne sont-ils pas, eux aussi, un reflet des paradoxes identitaires de chacun d’entre nous ? Etre grand mais discret, neutre mais bon, pauvre mais riche ou alors riche mais sans que cela ne se sache, ouvert et fermé...
Joëlle Kuntz nous raconte l’histoire de ce pays, le nôtre, qui selon Pierre Assouline est un "îlot d’absurdie dans un monde déréglé", comme elle nous raconterait une l’histoire d’une personne qu’elle aurait bien connue. La Suisse a une psychologie, des problèmes d’identité, elle change au cours du temps, elle assemble ses parties disparates en un improbable mais résilient ensemble. Les cantons de cette Suisse fédéraliste, qui selon Joëlle Kuntz, "ne font plus qu’appliquer en toute “souveraineté” des décisions qui ont été préparées ou orientées par l’administration fédérale" nous ressemblent : nous tous, habitants de la planète Terre, appliquons nous aussi, en soi-disant souveraineté, des décisions préparées par d’autres, ou les laissons appliquer, parce que finalement c’est plus simple, le plus souvent, que de s’y opposer.
Joëlle Kuntz en nous racontant la Suisse nous raconte donc nous-mêmes, et c’est bien là la raison d’être d’un best-seller... "On peut raconter la Suisse, dit encore Assouline - mais on ne l’explique pas sauf à être Kafka, Musil ou Nabokov. Pour ce qui est du pays-qui-n’existe-pas, du malheur d’être suisse et de la prison de l’esprit, on se reportera plutôt à Durrenmatt ou Frisch. Quatre langues pour sept millions d’habitants répartis entre vingt six cantons et demi-cantons, et un compromis fédéral pour gérer les désaccords ? Il faut être fou. Sur le papier, c’est indéfendable. Même en se rangeant derrière son cher arbalétrier d’élite, Guillaume Tell. Pourtant, ça fonctionne" – Tell quel ! Joëlle Kuntz n’explique rien, surtout pas le merveilleux malheur d’être suisse, mais elle nous donne à penser, en nous racontant non pas tant l’Histoire suisse que des histoires. Celles des villes, notamment. J’appris ainsi qu’en juin 1814, lors de l’arrivée des Confédérés, Genève les salua d’un "Bienvenue aux enfants de Tell !" Parce que Tell, c’est le mythe suisse en action : la liberté comme valeur absolue et la compétence comme instrument. Bienvenue !

Publié dans l'Extension, septembre 2010

Psychiatre, artiste, écrivain... Cent dessins, cent aphorismes et la couleur rouge

2010-09-02T07:30:00.000+02:00

Pierre Desclouds est psychiatre. Ce fut pour lui une manière de devenir artiste. Nous étions ensemble à la Faculté de Médecine. Oui, j’écris sur le travail d’un ami. Mes amis sont souvent artistes et les artistes avec qui je travaille deviennent des amis - mes amis sont souvent psychiatres et ces psychiatres deviennent écrivains, tels Willy Pasini, François Ladame, Georges Abraham... et Pierre Desclouds. On écrit avec l’âme humaine, on crée des images avec l’âme humaine, on l’aime, elle nous effraie souvent, alors on la soigne aussi, on se penche sur elle à l’intérieur des corps.

Et chacun de nous, à sa manière, développe sa propre vision de l’existence, son histoire et son chemin, avec ou sans l’appui d’un psychiatre, de l’écriture, de la création.... Le chemin de Pierre Desclouds est plein d’ironie et d’autodérision, plein de joie aussi. Le passé reste ineffaçable mais “l’avenir est un blues de toutes les couleurs” et tous les espoirs sont permis. Cent Grammes d’Engrammes (Ed. L’Age d’Homme) nous en dit long en très court. A consommer avec modération. Un aphorisme par jour. Car, comme dit l’écrivain, à moins que ce ne soit le psychiatre : “j’ai besoin de mots anti-maux.” Et l’amitié là-dedans ? Elle est comme la psychiatrie : elle se tait, elle laisse venir, se satisfait d’informations parcellaires et elle aussi, sait les mots anti-maux.

Le 2 septembre, Pierre Desclouds expose à la Villa du Jardin Alpin, ce lieu meyrinois presque reculé mais suave dédié aux artistes d’ici, Cent Monotypes et Cent engrammes. Pour lui qui a beaucoup gravé et qui sait que le burin donne le trait le plus fin, les monotypes offrent une plus grande liberté. La plaque de cuivre toujours – mais avec des courbes, des pleins, des couleurs... Un travail de la maturité, un corps à corps avec la matière, et des variations entre secret et ouverture, entre érotisme et effroi, et soudain apparaît le rouge, comme un intrus, la richesse d’une plume à venir. See you there !

Publié dans les Quotidiennes, le 2 septembre 2010

Bariq Al Dana - Septembre 2010

2010-09-01T08:55:00.000+02:00

Publié dans Bariq Al Dana - Septembre 2010

Art le Présent : L'âge démocratique

2010-09-01T07:25:00.000+02:00

10 ans après Art, l’âge contemporain - Une histoire des arts plastiques à la fin du 20e siècle, Paul Ardenne publie une nouvelle étude, Art le Présent, la création plasticienne au tournant du XXIème siècle, relative à l’art des années 1980-2005. Une période pendant laquelle Ardenne, en témoin direct, a fréquenté assidument les oeuvres et leurs auteurs, avant de se mettre à écrire.

Pourquoi un tel ouvrage, avons-nous demandé à Paul Ardenne ? Annoncerait-il en fait l'implosion des formes artistiques et la Fin de l'Art comme d'aucuns annonçaient la Fin de l'Histoire ?

PA : Non il n’y a pas, il n’y aura pas de fin de l’art.

*Et comment pouvez-vous l'affirmer, alors que tant de voix disent le contraire, et pourquoi selon vous n'y a-t-il, n'y aura-t-il pas de fin de l'art ?
PA : Parce que l'art ces dernières décennies a su s’instiller dans les moindres interstices du réel. Parce qu’il s’est arrogé le pouvoir d’extirper, de ce dernier, formes, images, idées. Parce que l’industrie culturelle, aussi puissante soit-elle devenue, ne peut régenter en son tout la création plastique et lui dicter la totalité de ses formes. Parce que l’élasticité même du mot « art » garantit jusqu’à nouvel ordre une prospection de type combinatoire que l’on pressent prolixe et des plus prometteuse. Pas de fin de l'art donc, plutôt son expansion.

* Expansion, qu'entendez-vous par là?
PA : L'infiltration généralisée du réel, la croissance prodigieuse des créations hybrides (art et design, art et mode, art et architecture, art et économie...) ou relevant du « mix » (sampling, technoculture...), une culture en état de flux. L'art prolifère avec une vivacité extrême, prenant des formes que l'on ne peux plus catégoriser, ni en fonction des genres (peinture, sculpture, vidéos, installations, art numérique...) ni en fonction des contenus : c'est cela l'expansion. Comme une métastatisation qui constituerait, non pas une forme mortifère, mais une sorte de cancer de vie.

* Proposez-vous alors que l'art d'aujourd'hui représente une solution possible à l'existence elle-même ?
PA : L'art ne nous installe nulle part si ce n'est dans une représentation sans cesse relancée du monde qui nous entoure. Et comme toujours, il y a une bonne et une mauvaise nouvelle : la mauvaise, c'est qu'il ne faut pas compter sur l'art pour nous dire la vérité du monde, et la bonne, c'est que la vie triomphe, que rien ne s'éteint jamais et que le Phoenix, l'oiseau mythique, renaît encore de ses cendres. Le résultat : une créativité débordante, incontrôlable, se façonnant plus vite que son identification, une création élastique et mutante, variant concepts, méthodes, styles et finalités. L’art adopte un tour protéiforme, il offre une richesse plastique encore jamais connue. Art le Présent essaie d'en fait le tour, au risque assumé de la surabondance des entrées, dans une perspective archéologique plutôt que critique : dire l’art tel qu’il est, et non tel que l’on voudrait qu’il soit.

* Mais où nous conduit-il, l'art, au milieu de ce foisonnement que vous décrivez - il doit bien y avoir une ligne directrice, quelques pistes tout au moins ?
PA : Non. Les arts plastiques relancent l'incertitude symbolique, périment toutes les sortes d'expertises. Moi-même, je ne défends aucune "ligne" dans la culture contemporaine, que ce soit dans l'art plastique ou dans le champ des idées. Je me penche au dessus d'un abyme où tout bouge, je me nourris de l'incertitude même de mes propres points de vue. Je porte un regard panoptique sur la culture entendue comme l'ensemble des représentations humaines, les expressions des valeurs humaines, sur le symbolique.

* Le symbolique ?
PA : Oui. Le champ symbolique m'a toujours intéressé : comment supporter d'exister dans notre civilisation qui est celle du doute, d'un pyrrhonisme impénitent voire militant revendiqué depuis des siècles par l'Occident ?

* Mais dans cette incertitude généralisée, comment positionnez-vous le présent alors, quelle valeur lui attribuez-vous, pour lui consacrer tant d'attention ? Quelle différence par rapport au contemporain - le sujet de votre précédent ouvrage - Art, l’âge contemporain ?
PA : Le contemporain suppose une construction intellectuelle, une définition, un regard distancié, la conjonction d'une adhésion et d'un écart. Le présent en revanche, le présent de l'art en tous cas, on ne peut que s'y fondre. Il nous offre certes une considérable satisfaction vitaliste, mais le surgissement continu qui le caractérise nous empêche d'en extraire un corpus d'idées cohérent. La raison en est la démocratie : chaque individu affirmant la "République du Moi" et se donnant sa propre loi esthétique. Nous sommes dans une idiosyncrasie généralisée, dans le règne de la subjectivation maximale de l'oeuvre d'art. Les oeuvres n'appartiennent plus à des courants, des genres ou des familles mais au sujet. Le sujet réalise sa propre histoire en la reconfigurant, en la disant et la redisant. L'oeuvre d'art devient un travail sur soi - une esthétique trop personnalisée pour être catégorisée, pour être définie. C'est cela, le présent de l'art. Nous sommes entrés de plain pied dans l'âge démocratique de l'art.

* Mais dans cet âge-là, que devient alors le rôle du critique ?
PA : Le critique aujourd'hui doit penser l'art comme une énigme définitive et oublier tout dogmatisme. L’œuvre d’art est un objet flexible, mutant, moins soucieux d’enraciner une forme que d’accompagner le flux perpétuel des choses. Et ce mystère de l'indéfinition, c'est très précisément ce dont l'expertise aujourd'hui ne peut plus donner de définition. Certains objets d'art sont devenus tellement indéfinissables que c'est cet indéfinissable même qui devient la définition de ce qu'ils sont. Alors dans cette situation, une critique qui erre c'est une bonne nouvelle... et dans cette errance, il faut une grande humilité, l'humilité du travailleur de fond. Il faut accumuler beaucoup de données, le champ d'investigation ne saurait être circonscrit, cela surgit, sans cesse, comme disait Heidegger et on ne peut pas arrêter ce flux-là, un flux tendu, chaque chose étant remplacée par la suivante avant même qu'elle n'ait pu être intégrée dans un schéma. Oui, il faut se mettre dans une position d'humilité, voire d'échec : le travail du critique d'art, d'écrivain sur l'art, non seulement est faillible, mais il a failli.

* Vous voulez dire qu'écrire sur l'art au présent, c'est travailler en position d'échec ?
PA : Oui, c'est forcément un échec, parce que vous ne pouvez pas parler de tout, de tout le monde, vous n'avez jamais rendu hommage à tous les artistes qui le mériteraient y compris ceux que vous citez mais que vous expédiez parfois en une ligne... Il faut accepter de faire un mauvais travail, un travail inabouti, mais tout en se disant que si on ne le fait pas, ce travail-là, c'est pire encore, parce que le nihilisme fait le lit de la barbarie. Il faut donc écrire sur l'art et l'intégrer dans la vie par l'écriture.

* Et le commissaire d'exposition alors, a-t-il encore un rôle à jouer, dans cette incertitude, dans ce foisonnement, dans ce flux perpétuel, dans ce surgissement continu dont vous parlez ? L'exposition n'est-elle pas la meilleure manière de parler des oeuvres ?
PA : Dans le monde commissarial, mes idoles sont les fourmis. Pour faire à peu près correctement ce type de travail, il faut accompagner l'art vivant, il faut une présence de tous les instants sur le territoire de l'art contemporain, il faut être un acteur de cette scène au moins en tant que témoin, il faut aller voir la réalité des faits et leur densité. Des fourmis dans ce sens-là ? Didier Ottinger à Beaubourg, par exemple. Ou encore Bernard Blistène. De fortes individualités au service des artistes, très au fait de ce qu’ils font, modestes avant tout. Ceux-là travaillent longtemps avant de se lancer dans un projet commissarial. Pour moi, c’est cela, fondamentalement, le travail du commissaire en art contemporain. L’attention, le respect et le retrait.

* Mais pour être pleinement acteur de cette scène, ne faut-il pas être artiste aussi, créateur - ou peut-on se contenter d'écrire sur le travail des autres ?
PA : L'écriture est une forme créative. La mienne est polygraphique. Que vous soyez artiste ou écrivain, votre vie entière se confond avec le projet créatif, il n’y a pas de distinction. Vous vous endormez en pensant à ce que vous allez faire ou écrire, vous regardez toute chose en pensant à ce que vous voulez faire ou écrire. Vous êtes constamment dans cette position-là. Si les arts plastiques sont aujourd'hui la forme créative symboliquement la plus active, l'écriture permet, elle, la formalisation de la trace et contribue à l'insémination, à la dissémination, à la diversification. Ecrire sur l'art est aussi pour moi une manière de m'élever contre les gens qui dénigrent l'art contemporain, qui n'y accordent de l'intérêt que quand il y a scandale ou pseudoscandale, qui parlent du "n'importe quoi" de l'art d'aujourd'hui. C'est important de dire que non, que ce n'est pas le cas. Que l'art est aujourd'hui labile, fluctuant, mutant, et que l'irruption de la civilisation numérique, en termes de dynamique, va littéralement faire exploser cette instabilité du champ de la création plastique. Cette prolifération, c'est la vie. Ce n'est jamais "n'importe quoi". Bien au contraire, c'est l'accomplissement de l'âge démocratique de l'art.

Propos recueillis par Barbara Polla

Maladie psychique : les mauvaises et les bonnes nouvelles

2010-08-30T15:40:00.001+02:00

Les mauvaises : La maladie psychique est la maladie de notre siècle. 450 millions de personnes dans le monde souffrent de troubles mentaux ou du comportement et la fréquence des maladies psychiques continue d'augmenter. Et pourtant, une petite minorité seulement de ces patients bénéficient de soins adaptés : alors que les troubles mentaux et du comportement représentent 12 % de la charge globale de morbidité dans le monde, la plupart des pays continuent à consacrer à la santé mentale moins de 1 % de leurs dépenses de santé.

Les patients psychotiques, schizophrènes, autistes, souffrent, une souffrance qui se dissémine aux proches. Le chagrin, la culpabilité, l’impuissance... Les sentiments de vulnérabilité, de mise à nu, de solitude des patients les amènent souvent à se replier de plus en plus sur eux-mêmes, d'autant plus qu'ils ont le sentiment d'être incompris du reste du monde. La peur anime les patients et leurs proches, comme une peur contagieuse.

Les bonnes nouvelles ? La recherche et les soins. D’abord, on sait aujourd’hui que l’autisme n’est pas une maladie induite par les familles elles-mêmes qui seraient pathogènes, mais liées, entre autres, à des anomalies chromosomiques comme dans le cas du Syndrome de l’X Fragile . Bonne nouvelle encore, plusieurs firmes pharmaceutiques, dont, à Boston, Seaside Therapeutics, sont en train de développer de nouveaux médicaments qui semblent très efficaces notamment dans le Syndrome de l’X fragile justement. Selon un récent article du Boston Globe, l’efficacité de ce nouveau médicament est telle que les parents détectent immédiatement la phase dite “placebo” et demande que leur enfant soit remis au bénéfice du “vrai” médicament.

Et à Genève ? Outre les nombreuses associations à l’œuvre, dans le domaines de l’autisme notamment, le programme JADE (Jeunes Adultes avec troubles psychiques DEbutants) est spécialisé dans la prise en charge précoce des patients à risque et se donne notamment pour mission de prévenir la déstructuration personnelle et sociale et de soigner la souffrance profonde mais souvent méconnue de ces jeunes patients. Grande admiratrice de ce programme, je lui ai consacré récemment un article plus complet.

Sans oublier que l'inconscient est aussi notre inépuisable richesse, à nous humains, et les malades psychiatriques ont beaucoup à nous apprendre sur nous mêmes, comme les maladies physiques nous apprennent beaucoup sur le fonctionnement de notre corps.

Selon la mère d'un patient en voie de guérison, qui s’exprimait dans la très belle émission de Temps Présent consacré aux jeunes patients psychotiques l'an dernier, ils ont, comme nous, leur partition à jouer dans la société. Une partition créative. Ecoutons-les...

Publié dans les Quotidiennes, le 30 août 2008

La lumière en écho

2010-08-27T15:43:00.000+02:00

Qu’est-ce qui peut bien lier impressionnisme et vidéo ? La lumière bien sûr... La lumière en écho.

C’est d’ailleurs le titre d’une des expositions parallèle au grand raout sur l’impressionisme qui a lieu cet été en Normandie. A Rouen, dans les Jardins de l’Hôtel du Département, vous attend la lumière donc, cachée dans une sorte de boîte rouge qui semble être arrivée là comme par magie pour accueillir les douze vidéastes sélectionnés par Les deux commissaires de l’exposition, Dominique Goutard, responsable de l’Agence vocatif, et Jean-Luc Monterosso, directeur de la Maison européenne de la photographie.

Une exposition vidéo qui nous conduit à repenser l’impressionnisme, non pas comme passé plein de nostalgie, mais dans son temps, comme avant-garde. Plusieurs traits rapprochent d’ailleurs les Impressionnistes du 19e siècle et les vidéastes du 21e siècle : “leur jeunesse d’abord ; une même façon de regarder et d’exprimer autrement ; une même attention aux révolutions scientifiques ; une même rupture avec les académismes - lumière vibrante, fusion des formes et des couleurs, confusion entre réel et virtuel.” En plein milieu du XIXe siècle, l'Impressionnisme est en effet ressenti comme une authentique révolution picturale - tout comme l’art vidéo l’est aujourd’hui encore, pourtant l’une des formes d’art les plus intéressantes, les plus ancrées dans notre temps, mais encore peu collectionné, peu montré et sans vrai marché.

Les deux commissaires, qui ont également initié le concept de Arte Video Night sur Arte, se sont pris au jeu de comparer deux époques, deux générations d'artistes, deux modes de création totalement différents mais que réunit une même intensité... lumineuse, donc. Les vidéastes d’aujourd’hui partagent même des sources d’inspiration très précises avec les impressionnistes d’autrefois : en ce sens la vidéo Au premier dimanche d’août de Florence Miailhe et La Liberté raisonnée de Cristina Lucas sont les plus frappantes : les références à La liberté guidant le Peuple de Delacroix pour l’une et à Renoir pour l’autre sont plus qu’évidentes. Mais portées par un nouveau regard, qui bouleverse les codes, fusionne les couleurs et les formes. Comme l’impressionnisme.

Si vous allez voir la sublime cathédrale de Rouen, que Monet voyait de sa fenêtre, et tous les tableaux de maîtres réunis jusqu’au 30 septembre en Normandie - n’oubliez pas La lumière en écho. Et si vous êtes vidéastes, participez au concours sur Dailymotion , en lien avec la lumière, encore...

Publié dans les Quotidiennes, le 27 août 2010

Quand l’artiste s’invite en cuisine

2010-08-23T20:40:00.001+02:00

Pour ces dernier jours d’août mais jusqu’au 14 novembre si vous préférez la Gaule dans son manteau d’automne, une double destination de rêve : le musée de Bibracte et le relais Bernard Loiseau à Saulieu. Ou l’inverse. Les monts du Morvan les séparent, ou les unissent. Les unissent aussi, la beauté de la Gaule profonde et l’amour de l’art.

Bibracte ? Le Centre Archéologique européen, un musée magnifique – un mur surtout, qui ne sépare rien si ce n’est le temps peut-être - dessiné par l’architecte Pierre-Louis Faloci et dirigé avec passion par Vincent Guichard, lequel s’intéresse, entre mille autres choses, au cannibalisme helvète... Vous savez, les restes humains trouvés par les archéologues au bien nommé Mormont... Je rêve de cannibalisme depuis, d’une résidence littéraire au Morvan, pour raconter pourquoi et comment nous nous mangeons les uns les autres...

Mais ce printemps, la résidence d’artiste fut attribuée au vidéaste turc Ali Kazma. Kazma filme le travail humain sous toutes ses formes. “Par l'intermédiaire de l'objectif de la caméra, Ali Kazma s'intéresse d'abord et avant tout à l'homme et à la façon dont ce dernier active des territoires personnels ou collectifs. Ses vidéos sont des relevés très attentifs de diverses activités professionnelles. Elles montrent ainsi comment l'homme interagit avec le monde, l'influence et le transforme.” Au musée de Bibracte, la vidéo Studio Ceramist est montrée dans la salle des poteries anciennes ; celle du Clock Master dans la salle qui montre les vestiges des premières activités industrielles...

Au Morvan on explique “qu’aucune commande spécifique n'a été passée à Ali Kazma. Nous souhaitions simplement qu'il porte son regard de vidéaste sur l’un ou plusieurs ou quelques aspects de la vie contemporaine dans le Morvan.” Evidemment, on s’attendait à ce qu’il s’intéresse par exemple aux scieries... Eh bien non. Ali Kazma s’est invité pendant une semaine dans les cuisines du relais Bernard Loiseau à Saulieu. Il y a mangé, matin midi et soir – jusqu’à ne plus vouloir manger rien d’autre. Il a filmé avec la plus grande attention le travail en cuisine, des heures et des heures de tournage pour dix minutes de vidéo. Kitchen, qui sera également montrée en octobre à la Galerie Municipale de Nanterre avec d’autres vidéos de la série Obstructions, dans une exposition intitulée Savoir Faire, occupe une place particulière, selon Ali Kazma, dans cette série : en effet, contrairement aux autres produits - le produit du cuisinier est consommé immédiatement. A la fin de Kitchen, on entend la voix de Patrick Bertron qui dit “service s’il-vous-plaît”. Et le plat s’en va pour ne plus revenir... Des heures de travail sont généreusement offertes, sur plateau, avec une méticulosité et un amour du travail culinaire créatif que Kazma nous donne à voir avec tout son art.

Publié le 23 août 2010 dans les Quotidiennes

Occasionals and Danger Men

2010-08-21T10:56:00.003+02:00

Il y a dix ans, nous montrions pour la première fois en Suisse le travail de Matt Saunders. Il était alors étudiant à Harvard. Le 1er septembre, après huit ans de travail et de vie à Berlin, il retourne à Harvard, cette fois ci comme professeur... Occasionals and Danger Men !

Matt Saunders

Occasionals and Danger Men

August 21 - October 1

Opening August 20, 6 - 9 pm
Le commentaire de Francis Richard

Opening Nuit des Bains, Poetry Night, September 16, 6 pm - 2 am

Danger Man (Pensive), 2010

Plus d'informations |
More information

Analix Forever 25 rue de l’Arquebuse Geneva tel + 41 22 329 17 09 analix@forever-beauty.com

Genève, et si on allait à la 3e nuit de la vidéo

2010-08-14T15:41:00.000+02:00

La galerie Analix Forever organise la 3e édition de la Nuit des 1001 vidéos qui se tiendra le vendredi 16 juillet 2010 prochain, à partir de 20h,
dans le prolongement du vernissage de Summer Trees (notre illustration) !

Emotion à l'envi

Cette nuit commencera par une histoire à la fois intime et universelle, sous le signe de l’émotion. Marguerite et le dragon (56 min) est un film personnel et sensible réalisé par Raphaëlle Paupert-Borne (ancienne pensionnaire de l’Académie de France à Rome) et Jean Laube qui assisteront à la projection. Il a été récemment diffusé au Centre Pompidou dans le cadre de la dernière édition du festival du Cinéma du Réel. Un texte de l’écrivain Laurent Mauvignier, consacré à ce film, sera lu pour introduire la projection.

Une pluie d'artistes

La soirée se prolongera ensuite avec une sélection vidéo de nombreux artistes, parmi lesquels Andreas Angelidakis, Elisabetta Benassi, Joakim Chardonnens, Delphine Depres, Benjamin Colin Dick, mounir fatmi, Charles D. Fisher, Emmanuel Giraud,
Shaun Gladwell, Marie Hendriks.

Qui est invité?

Tous les vidéophiles, cinéphiles et autres passionnés de l’image. Installés sur des coussins et matelas, café et douceurs vous seront
offerts pour tenir jusqu’au terme de cette nuit des 1001 vidéos. A cette occasion, Adrian Filip - que les habitués de la galerie connaissent bien – déserte son cours lausannois de comédien pour jouer les maîtres de cérémonie.

En savoir plus: analix@forever-beauty.com

Publié dans les Quotidiennes, le 14 juillet 2010

L'Eté de Barbara Polla

2010-08-09T15:42:00.000+02:00

Oubliez les Fêtes de Genève!

Allez plutôt à Orange Cinéma Genève, dès le coucher du soleil prenez part à la fête…. Il fera beau le 14 août, avec Nowhere Boy de Sam Taylor Wood.

Sam Taylor Wood? Une artiste de la scène anglaise dite YBA (Young British Artist) qui expose dans la même galerie que les célébrissimes Damien Hirst et Tracey Emin avec juste la petite différence qu'elle a épousé le galeriste… Divorcée depuis, elle est aujourd'hui enceinte d'un jeune homme de 19 ans qui est son partenaire à la vie comme à l'écran puisque c'est lui qui incarne John Lennon dans le film tourné par l'artiste devenue film maker – doux mélange! Sans oublier que la magnifique artiste a une longue expérience du monde du cinéma, pour avoir photographié en pleurs ni plus ni moins Jude Law, Paul Newman, David Beckham, Dustin Hoffman… Cinéma encore: allez vite voir Mammuth au Cinélux boulevard Saint-George. Parce que Gérard Depardieu, c'est Gérard Depardieu, et que le rapport de cet homme à son corps est exceptionnel… et n'oubliez pas un petit détour par le Cimetière Saint-Georges, ce cimetière en pleine ville vaut le détour car oui, il est encore parfois des cimetières romantiques qui animent de leurs fantômes tout un quartier et au-delà… Et tout près, venez chez moi, à la galerie Analix, rue de l'Arquebuse, voir Summer Trees – mais surtout, pour les meilleures expositions de l'été, allez à jusqu'à Evian au Palais Lumière admirer l'exposition très liquide de la Fondation Sandretto Re Rebaudengo, H2O – les arbres les pieds dans l'eau en somme… et jusqu'à Annecy, à la Fondation Salomon, pour les sculptures dans le parc, en particulier Fils d'eau de Giuseppe Penone, pour qui «créer une sculpture est un geste végétal.»

Et de retour dans le quartier – pour manger, boire, travailler… et dormir même (dans la suite 501 absolument): le Tiffany, ouvert tous les jours depuis ma nuit des temps : tout y est frais jusqu'au vin du sud de l'Amérique qui chante au fond du verre – quand l'espoir et le deuil sont du même festin… Un été à réécouter Moustaki. Et la nature encore: au bout de la rue de l'Arquebuse, la Barge…

Publié dans Sortir.ch, le 9 août 2010

La plus grande petite annonce de tous les temps ou comment être un leader

2010-08-05T07:49:00.000+02:00

Connaissez-vous la plus grande petite annonce de tous les temps ? La voici. Parue dans le Times, le 1er janvier 1914, elle a généré 5000 candidatures.
Men wanted : for hazardous journey. Small wages, bitter cold, long months of complete darkness, constant danger, safe return doubtful. Honour and recognition in case of success. Sir Ernest Shackelton.
Shackelton ? Le roi de la petite annonce donc. Et le roi des entretiens d’embauche. Car il ne s’agissait de rien moins que de traverser le continent Antarctique de bout en bout, de la mer de Weddell à la mer de Ross via le pôle, à bord de l’Endurance. Vingt-sept hommes seront retenus.
Pour être roi dans les entretiens d’embauche, il faut savoir désarçonner son candidat. Au physicien Reginal James, surnommé Gentle Jimmy, Shackelton demande s’il sait chanter. Gentle Jimmy sera nommé responsable des mesures de magnétisme. Le chirurgien Alexander Macklin, qui sera quant à lui gratifié du rôle de responsable des chiens, disait de Gentle Jimmy qu'il disposait de « merveilleuses machines électriques qu'aucun des autres membres de l'équipage ne comprenait - ni lui non plus. »
Shackelton est aussi le roi de la transformation de l’échec réel en victoire mémorielle. L’Endurance se retrouve emprisonné dans les glaces et est lentement écrasé, obligeant les hommes à débarquer. Shackleton et son équipage passent plus d'un an bloqués sur un pack à la dérive, balayé par le blizzard. Lorsque enfin ils libèrent leurs chaloupes, c'est pour affronter quinze jours d'une mer déchaînée, « brûlés par la soif et les embruns glacés. » Leur terre promise, la Géorgie du Sud, ils devront en escalader les glaciers, dévalant champs de neige et précipices avant de parvenir à bon port. Mais Shackleton ne perdra pas un seul homme et l’histoire de l’Endurance restera pour toujours la plus stupéfiante épopée de toute l'histoire de l'exploration polaire.
Mais comment cela s’est-il fait ? C’est que Shackelton est encore un roi incontesté du leadership, un modèle en la matière.
On raconte qu’il avait dix secrets :
1. une vision et de rapides victoires intermédiaires : sans jamais perdre de vue son objectif final, il consacrait son énergie à la poursuite des objectifs à court terme ;
2. le symbolisme et l'exemple personnel : Shackelton donnait lui-même l'exemple au moyen de symboles et de comportements « observables et mémorables » ;
3. l'optimisme et la réalité : Il insufflait l'optimisme et l'assurance, tout en demeurant réaliste ;
4. la résistance physique et nerveuse (ce que l’on appelle stamina, à savoir, les organes mâles des fleurs…) : il prenait soin de lui-même, récupérait quand c'était nécessaire et faisait fi de tout sentiment de culpabilité ;
5. le message à l'équipe Il renforçait constamment le message communiqué à l'équipe : « Nous ne formons qu'un — nous vivrons ou mourrons ensemble » - Yes we can ! ;
6. les valeurs fondamentales de l'équipe : Shackelton minimisait les différences de statut social et insistait sur le respect mutuel et la courtoisie ;
7. les conflits : il sut maîtriser tous les conflits naissants, désamorçait la colère au fur et à mesure, ralliait les dissidents et évitait les épreuves de force inutiles ;
8. la détente : il trouvait continuellement des raisons de célébrer des fêtes et de rire ;
9. une créativité de tous les instants : Shackelton cherchait toujours un autre solution que celle qui venait d’échouer et
10. La prise de risque : il était toujours prêt à faire le grand saut.
Il mourra d’ailleurs en Antarctique, lors d’une expédition ultérieure, en 1922, d’une crise cardiaque, et sera enterré sur place.
J’en rajouterais un onzième, qui n’est pas un secret : Shackelton cultivait son aura.

Mais pour d’autres entreprises que ses explorations et aventures bien-aimées, Shackelton par contre était très loin de la figure culte. Pour trouver l’argent nécessaire à financer ses projets, il créa pourtant un certain nombre d'entreprises mais aucune d’entre elles ne s’avérera rentable et à sa mort, le leader laisse 40.000 livres sterling de dettes (valeur 1,5 million de livres aujourd’hui).

Moralité : faites ce pourquoi vous êtes fait. Impossible d’être un modèle de leadership quand on n’aime pas, très profondément, ce que l’on fait. Cherchez au fond de vous-même ce que vous voulez faire vraiment – aucun doute que vous y excellerez.

Shackelton, roi de l’authenticité.

Publié dans l'Agefi, le 5 août 2010

La liberté de se tromper

2010-08-02T07:06:00.000+02:00

Faire des erreurs, une des grandes libertés américaines, paraît-il. C’est en tous cas ce qu’affirme Megan McArdel, journaliste - non sans ironiser sur le fait que se tromper n’est évidemment pas la principale des aspirations américaines… Mais une liberté à rajouter tout de même aux côtés des quatre libertés fondamentales revendiquées par le Président Franklin D. Roosevelt, à savoir : la liberté d'expression ; la liberté religieuse ; la liberté de vivre à l'abri du besoin ; et la liberté de vivre à l'abri de la peur (avec comme corollaire la réduction des armements). Quatre libertés fondamentales et magnifiques mais qui ne valent leur pesant de diamant que pour autant qu’elles soient libertés pour tous et partout dans le monde – ce que le monde tend trop souvent à oublier. Mais - et la liberté de se tromper, alors, elle aussi, pour tous et partout ? Certes - mais avant tout, pour les entrepreneurs en herbe. Pour les entrepreneurs passionnés cette question de l’échec et de la réussite - non pas échec ou réussite personnels, ces concepts-là restent à définir – mais échec et réussite entrepreneuriaux, se pose presqu’au quotidien.

Pour les jeunes entrepreneurs – les chevronnés ont de moins bonnes raisons d’échouer – la liberté d’échouer participe grandement à la capacité de prendre des risques (des risques pour soi-même s’entend). Nous ne savons que trop que le pourcentage d’étudiants qui se décident à ouvrir leur propre entreprise quelle qu’elle soit à la sortie des études est minuscule en Suisse et en France par comparaison aux Etats-Unis. L’une des raisons fondamentales à cette différence est très certainement la cinquième liberté qui nous manque cruellement : celle d’échouer. Aux Etats-Unis, non seulement les jeunes qui font faillite, après quelques années de dur apprentissage des splendeurs et misères de l’entrepreneuriat, ne sont pas montrés du doigt – mieux, ils sont félicités. Un jour que je demandais à ma fille aînée désormais « américaine » et cheffe de sa propre TPE, si elle ne s'inquiétait pas d'une possible faillite de son entreprise, elle me répondit, « mais non Madame l’Européenne craintive, même si cela devait arriver un jour, cela ferait joli dans mon CV » ! Car le fait d’échouer prouve que l’on a essayé. Et que très probablement on va essayer encore. Et encore. Et ce qui compte, à ce stade, c’est en effet d’essayer... Les plus grand entrepreneurs américains ont en moyenne plus de deux faillites à leur actif : imaginez qu’ils se soient découragés après le premier échec, ou pire, qu’ils n’aient jamais entrepris : L’Amérique serait bien pauvre alors. Et Steves Job ne serait pas le patron d’Apple et n’aurait pas pu transmettre aux étudiants de Stanford le magnifique message de « how to live before you die » (à écouter absolument sur Youtube)

Mais les vertus de l’échec ne s’arrêtent pas à la seule entreprise. L’échec théorique est la condition même de la connaissance ; l’échec politique est toujours l’occasion d’une remise en question ; le grand danseur et chorégraphe Faustin Linyekula disait en Avignon : « Je crois qu’il nous faut sans cesse mettre les codes de la danse comme du corps dans une position d’échec et mat, tenir cette position, ce face à face. Parfois on gagne, parfois on perd. Mais c’est ainsi qu’on peut sortir quelque chose. » Dans n’importe quel domaine, y compris dans la vie personnelle, l’échec est productif, à condition bien sûr que l’on ne s’y morfonde pas, mais que l’on utilise le déséquilibre qu’il crée forcément pour rebondir. C’est là l’essentiel : qu’il sorte quelque chose de l’échec. S’il ne s’agit donc pas de le prévenir forcément, mais de le rendre productif. « In each of us there is the power to completely renew ourselves, re-emerging from the waters and rising to new lifes » affirment Egidio, Leonardo, Andrea et Nicola, quatre jeunes italiens photographiés par l’artiste noire américaine Lauri Lyons qui photographie des gens du monde entier avec le drapeau américain (Flag International). Le but n'est pas d'éliminer l'échec mais de construire un système suffisamment résilient pour pouvoir lui résister. Exerçons-nous donc à « fail gracefully » comme disent encore les Américains, apprenons des échecs pour les oublier ensuite, et appliquons de suite la cinquième liberté !

Publié dans l'AGEFI, le 2 août 2010

Cet été, Dream about want you want… et adieu les cauchemars !

2010-07-30T12:09:00.000+02:00

Les cauchemars, un cauchemar. Notamment les cauchemars des enfants qui nous réveillent la nuit… mais aussi les nôtres ! eh bien, adieu à tous deux ! Pour ceux des enfants, je vous donne mon secret. Infaillible. Ils vous réveillent au milieu de la nuit ? Eh bien hop à la cuisine, ils doivent consommer le remède anti cauchemar, très important mon chéri, la recette fait fuir tous les loups… Une omelette à la confiture (faite maison bien sûr), très sucrée, très baveuse, il faut la manger en entier… délicieux les deux premières bouchées, total écœurant à la fin. Le chéri retourne dormir avec du sucre jusqu’aux oreilles et hésitera à deux fois avant de recommencer. Il se choisira des rêves plus doux… doux comme l’omelette à la confiture.

Pour les adultes : on peut aussi se choisir ses rêves. Le Docteur Barry Krakow, après avoir publié certains de ses résultats dans le JAMA (Journal of American Medical Associations) a présenté le mois dernier à la rencontre annuelle des Associated Professional Sleep Societies de nouvelles techniques comportementales pour diminuer les cauchemars notamment chez des personnes souffrant de PTSD (Post Traumatic Stress Disorder) , militaires américains ou personnes ayant subi des violences et abus répétés – mais ces techniques s’appliquent probablement à tous les types de cauchemars . L’une de ces techniques elles consiste en une décision volontariste de changer ses cauchemars en doux rêves d’été. L’une des patientes du Dr. Krakow, qui rêvait continuellement un remake dune période épouvantable de sa vie (kidnapping, viol et tortures) – décida de se mettre à rêver d’oiseaux . Et se réveille désormais en entendant encore les chants des oiseaux dont elle a rêvé.

Pour celles et ceux qui doivent prochainement subir une anesthésie, pratiquez ma méthode personnelle, peu éloignée de celle scientifique du Dr. Krakow : quand l’anesthésiste vous dit, je vais vous endormir là – cherchez dans votre stock d’images intracérébrales vos plus belles images, celles que vous préférez, et regardez les avec votre troisième oeil en vous endormant... vous vous réveillerez légers.

Dream about what you want - c’est l’artiste français Valéry Grancher qui nous y invite – faites des confitures et mangez des omelettes à la confiture au milieu de la nuit - et surtout faites comme Voltaire qui disait : « J’ai décidé d’être heureux parce que c’est bon pour la santé. » Doux rêves d’été !

Publié dans Les Quotidiennes, le 30 juillet 2010

H2O : l’art et l’eau, tous deux nécessaires à la vie

2010-07-27T07:04:00.000+02:00

Evian Les Bains, l’eau thermale, les bords du Lac Léman… un lieu de rêve. Qui prédisposait certainement à une exposition sur le thème de l’eau.

Car comme le dit Francesco Bonami, l’art et l’eau sont tous deux nécessaires à la vie. La lumière aussi. H2O, l’exposition de l’été, est présentée au Palais Lumière. Vous ne connaissez pas Evian ? Découvrez la villégiature lacustre par le meilleur d’elle-même:

Réunir dans une exposition à thème des œuvres d’une collection comme celle de la Fondation Sandretto qui s’intéresse à l’art contemporain dans son ensemble ou presque, bien au-delà de l’écologie, était un pari bien difficile. Un pari qu’ont assumé en commun la maire d’Evian Marc Francina, Patrizia Sandretto Re Rebaudengo elle-même, le célèbre directeur artistique de la Fondation Francesco Bonami et sa conservatrice Irene Calderoni, assistés par Piero Bianucci, scientifique, qui nous rappelle que l’eau est à la terre ce que le sang est au corps.

Une circulation en perpétuel mouvement – et seul ce mouvement permet au liquide vital, qu’il soit transparent ou rouge, de se purifier continuellement et de continuer à être vecteur de vie. Vecteur de danger aussi - la vision du sang évoque en général son débordement et donc la blessure ou la mort – l’eau aussi est souvent dangereuse, comme l’évoque au mieux, dans l’exposition, la vidéo de Fiona Tan.

L’analogie entre l’eau et le sang – liquide noir en équilibre instable - est reprise par Charles Ray dans une pièce étrange et inquiétante – peut-être la dernière à voir, au sous-sol, avant de remonter vers l’eau bleue du Léman.

Mais l’exposition réserve de multiples surprises plus sereines, parmi les plus belles, le fleuve de Eva Marisaldi au bord duquel jouent des jeunes filles ; une installation de Douglas Gordon, tout en blancheur contrairement à la pièce de Charles Ray, évanescente : les chutes du Niagara derrière un fil d’équilibriste ; ou encore la projection-photo de Lina Bertucci, la pièce la plus chargée d’émotion de l’exposition ; ou encore plus inattendues, les photographies historiques de certains photographes siciliens ignorés dans nos régions…

Et en partant, ne manquez pas la très belle pièce de Damien Hirst – une fois n’est pas coutume – et surtout, le douche extérieure de Stefano Arienti entre le Palais Lumière et le lac – sa modestie, arte povera presque, tranche avec tout le reste et nous rappelle que Arienti est définitivement le représentant de ce que l’art contemporain italien a de plus épuré. Echappatoire absolue au glamour. Peu probable qu’il soit sélectionné par le futur commissaire du pavillon italien l’an prochain à Venise (celui qui a osé dire, « je ferai une belle Biennale, alors personne ne viendra ») - mais ceci est une autre histoire. En attendant les grandes eaux de Venise en 2011, Evian vous tend les bras, au bord de l’eau, dans l’eau, sous l’eau !

Publié dans les Quotidiennes, le 27 juillet 2010

Cet été à Analix

2010-07-15T08:47:00.004+02:00

Friday, July 16, 6 pm - 2 am

From 6 pm - 8 pm
Opening of the group show Summer Trees ! with AMI, Andreas Angelidakis, Conrad Bakker, Jennifer Bongibault, Alex Cecchetti, Baptiste César, Colin Cyvoct, Luca Francesconi, Daniele Galliano, Katie Hargrave, Hazel Karr, Miltos Manetas, Andrea Mastrovito, Annette Messager, Robert Montgomery, Charles Moody, Gianni Motti, Pierre Olivier, Nathalie Rebholz, Peter Rösel, Emilie Satre, Marcello Simeone, Padraig Timoney, Marcello Simeone, Ornela Vorpsi and La Fratrie (in collaboration with Nuke Gallery, Paris).

La Fratrie, No Turning Back (detail), courtesy Galerie Nuke, Paris

From 8 pm - 2 am
Night of the 1001 Videos, 3rd edition

8 pm : Marguerite et le Dragon, a film by Raphaëlle Paupert-Borne and Jean Laube
9 pm - 2 am : Third Night of the 1001 Videos, with
Andreas Angelidakis, Elisabetta Benassi, Joakim Chardonnens, Delphine Depres, Benjamin Colin Dick, mounir fatmi, Charles D. Fisher, Emmanuel Giraud, Shaun Gladwell, Marie Hendriks, Marc Horowitz, Jean-Claude Jolet, Ali Kazma, Elena Kovylina, Christelle Lheureux, Joanna Malinowska, Luc Mattenberger, Valérie Rougé, Lionel Rupp, Manuel Schmalstieg, Louise Stern, Ryan Thompson.

Blast, été 2010

2010-07-15T08:43:00.003+02:00

L'homme à la moto

Zoom sur Dries Van Noten

Comme chaque année, comme chaque président du jury, Dries Van Noten aura eu le privilège de pouvoir investir l'espace dit de la « Piscine » de la Villa Noailles. Ou plutôt, nous aurons eu le privilège de nous baigner dans cette piscine transformée en « boîte d’inspirations », de plonger dans les images, les films, les projections, tout l'univers de Dries Van Noten, qui nous submerge de jeux et d'émotions. De Blue Velvet de David Lynch au Piano de Jane Campion, du Guépard de Visconti à L'Age de l'Innocence de Scorsese, de Gatsby le Magnifique à In the Mood for Love de Wong Kar-Wai, nous nageons, telles des sirènes sans voix, au milieu de l'eau, des mystères du château du Dé et surtout des champs de couleurs et de fleurs des jardins de Dries à Anvers et de ceux de la villa Noailles. Le journal intime du jardinier que fut Charles de Noailles égrène les saisons, les couleurs et les bonheurs (Gardening Diary of Charles de Noailles) alors que les images de Wong Kar-Wai nous incitent à saisir l'impalpable évanescence du désir contenu, la musique obsédante du film oubliée au profit d'un silence qui ne l'est pas moins. Les images mouvantes des inspirations du styliste semblent flotter dans l'eau de la piscine, une eau de velours qui serait brodée par les ateliers de Calcutta et d'Anvers et bordée de toutes les fleurs que Dries Van Noten aime : toutes les fleurs. Monet n'est pas loin, et Antonioni veille... Blow up !

Ugo Rondinone : l’art de voir les sons et de montrer le silence

2010-07-15T08:37:00.002+02:00

Ugo Rondinone est l'un des artistes suisses les plus émouvants. Celui que l'on appelle parfois "le clown" - car en Suisse seuls les clowns sont émouvants - est un poète de vie, comme tous ceux qui savent habiller de magie le quotidien le plus banal sans oublier la souffrance que cet exercice inflige. Sa dernière grande exposition, La nuit de Plomb (2010, Aarau), fait référence à un roman dans lequel le héros, au cours d'une de ces nuits de plomb que nous vivons tous parfois, se rencontre soi-même, mais un très jeune soi-même qui se serait comme arrêté dans le temps. Une rencontre personnalisée, dans l'exposition, par une empreinte de la main de l'artiste, trace de sa singularité et de son unicité.
Mais Rondinone n'est pas seulement un clown et un poète, il est aussi un maître en synesthésie. Il sait nous faire entendre les formes et voir le silence. Ecoutez ses grandes toiles, peintures du cosmos que l'artiste réalise avec de la terre qui, une fois balayée, laisse place aux constellations ; des constellations qui semblent crisser sous nos dents comme de petits cailloux laissés par la terre dans notre bouche, des constellations qui ouvrent pour nous la porte du cosmos, une porte qui, elle, ne grince pas... Les sons se laissent voir, et le silence aussi. Nous ne serions pas surpris d'apprendre qu'Ugo Rondinone, comme Vladimir Nabokov et sa famillle, est atteint de synesthésie.

La synesthésie ? Des Correspondances de Baudelaire en passant par une aventure new age dans les années 1960, elle est devenue, dans les années 2010, une caractéristique génétique parfaitement codifiée: chromosome X3, une personne sur 23. Il existe 152 types différents de synesthésie, la plus fréquente étant est la vision colorée des chiffres. La "vraie" synesthésie (par rapport à celles induite par certaines drogues) est involontaire, automatique, chargée d'émotions, souvent associée à des capacités sensorielles supérieures et une grande intelligence, une mémoire au-dessus de la norme, parfois des déséquilibres des capacités cognitives tels que dyscalculie ou allochirie, et une tendance à bénéficier d’expériences extraordinaires comme les clairvoyances précognitives, les sentiments de présence, les rêves prémonitoires. Les synesthésiques dissimulent le plus souvent leurs perceptions particulières, de peur d'être pris pour hallucinés... mais dans un métro ou un restaurant bondés, pour sûr il y a au moins un synesthésique ! Et Ugo Rondinone pourrait bien être de ceux-là, lui qui a l'art l'art de montrer les sons, leur convergence vers le silence, ou leur absence : alors que le clavecin oculaire du père Castel (1688-1757) - l'un des pères de la synesthésie - permettait aux sourds de voir la musique - les peintures de Rondinone nous font voir le silence.

Selon Castel : Il ne s'agit pas de réveiller simplement l'idée de parole et de son par des caractères arbitraires et imaginés, tels que sont les lettres de l'alphabet ou les notes de musique ; mais de peindre ce son et toute la musique dont il est capable ; de les peindre, dis-je réellement, ce qui s'appelle peindre, avec leurs propres couleurs ; en un mot, de les rendre sensibles et présents aux yeux, comme ils le sont aux oreilles de manière qu'un sourd puisse jouir et juger de la beauté d'une musique...
La synesthésie se heurte souvent à des critiques rationalistes. La plus intéressante : celle qui veut que les sons s'inscrivent dans l'étendue des temps alors que les couleurs s'inscrivent dans celle des espaces. C'est là que le travail de Rondinone sur le silence du ciel prend toute sa dimension spatio-temporelle, réfutant d'un même tenant les quatre impossibilités du clavecin oculaire du père Castel : la première, d'ordre physique, celle de l'impossible correspondance des longueurs d'ondes de la lumière et du son; la deuxième, celle de la spécificité de perception ; la troisième, celle du symbolisme différentiel des couleurs et des sons ; et la quatrième, de l'ordre de la composition plastique ou musicale. L'œuvre d'art n'est pas une suite d'éléments juxtaposés ou successifs. Elle est une forme composée, finie, unique, en partie ineffable et par définition intraduisible. Le silence est absolu. Et la musique, son contrepoint sonore...
Le silence nous fait entendre l'infini, la représentation du cosmos nous fait voir le silence.
Ugo Rondinone, 1962, vit et travaille à New York. Carte blanche de Marc-Olivier Wahler pour le Palais de Tokyo en 2007 (Third Mind), Rondinone faisait partie de la sélection pour le Pavillon suisse à la Biennale de Venise la même année. Ses pièces portent pour titre des nombres impossibles. Il est peut-être synesthésique.

Publié dans Citizen K, été 2010

Séduction - Ete 2010

2010-07-06T08:43:00.003+02:00

Publié dans Seduction, été 2010

L'art du corps, à rebours

2010-07-06T07:35:00.000+02:00

L'exposition de Jean-Christophe Ammann au Centre Culturel Suisse (jusqu'au 18 juillet) est un émerveillement. C'est une grâce d'aller voir une exposition dont on sort nourri, pour des jours, jusqu'à ce qu'on ait envie d'y retourner. Le premier enchantement, les dessins d'Elly Strick. Voilà longtemps que je n'ai pas découvert dans un lieu d'art un ensemble aussi mystérieux et cohérent, esthétique et profond, aussi modeste qu'époustouflant.

Du Suisse Christoph Wachter, Ammann présente une série de dessins minuscules, noirs, puissamment érotiques et "justes". Le format minuscule, dit Ammann, est la conséquence d’une tension entre le faire et la culpabilité de l’avoir fait; il est aussi, pour le spectateur, une discrétion, une solitude, un appel au regard de près, dans le silence, l'absence de partage avec un autre regardeur.

Jean-Christophe Ammann, dans son exposition A rebours - à rebours notamment de la tendance qui veut des exposition thématiques et toujours politiquement correctes ou, au mieux, correctement incorrectes - A rebours nous parles du corps, ce corps qui est le seul endroit ou chacun de nous vit tous les jours... Notre corps, cette essence même de l’art, mémoire collective de l’art occidental.

Selon Ammann, "le corps - le corps nu - est l’élément fondateur de l’art occidental" et, au coeur du corps, "la colonne vertébrale, c'est la poésie". Une affirmation que ne démentiraient ni Paul Ardenne, à l'origine du concept de corpopoétique, ni Richard Shusterman, à l'origine de celui de somaesthétique. Ardenne nous invite à revenir au corps - à une poétique du corps, une corpopoétique.

"Je veux, artiste, dire le corps, dire « mon-corps ». Je veux faire une création de ce corps. Pourquoi ? Parce que tout n’a pas été dit, de « mon-corps ». Parce qu’il me faut donner, à ce corps, mon seul bien en vérité, la seule réalité avec laquelle je partage tout, un sens, une raison d’être. Parce qu’il s’agit bien, encore, que je me place sur la Terre, que j’y trouve ma juste position, celle qui rend la vie aimable car justifiée." Shusterman quant à lui se situe dans une position mélioriste, une position tenable dans la pratique (Shusterman est philosophe, mais aussi thérapeute du corps), mais pas dans l'art. L'art du corps n'a que faire de son amélioration.

Mais revenons encore, avant de ressortir sur la rue des Francs-Bourgeois en passant par la nouvelle librairie du CSS , à Elly Strick, à cet éblouissement discret d'identité, de transformation, d'intimité, de découverte qu'elle nous offre. Des images qui me restent, parce qu'elles me concernent. Parce qu'elles nous concernent : c'est de notre corps dont il s'agit. Et finalement, plutôt que de ressortir dans le Marais, ne devrions-nous pas plutôt dormir au CSS pour, comme aime le faire Jean-Christophe Amman, "se réveiller avec les oeuvres" ?

Publié le 6 juillet 2010 dans les Quotidiennes

Agir avant la psychose

2010-07-02T08:34:00.001+02:00

La maladie psychique est la maladie de notre siècle. 450 millions de personnes dans le monde souffrent de troubles mentaux ou du comportement et la fréquence des maladies psychiques continue d'augmenter. Et pourtant, une petite minorité seulement de ces patients bénéficient de soins adaptés : alors que les troubles mentaux et du comportement représentent 12 % de la charge globale de morbidité dans le monde, la plupart des pays continuent à consacrer à la santé mentale moins de 1 % de leurs dépenses de santé. A Genève, le programme JADE (Jeunes Adultes avec troubles psychiques DEbutants) est spécialisé dans la prise en charge précoce des patients à risque et se donne notamment pour mission de prévenir la déstructuration personnelle et sociale et de soigner la souffrance profonde mais souvent méconnue de ces jeunes patients.

André, que t'arrive-t-il ?
André (prénom fictif) "décroche" de plus en plus comme on dit. Il ne va plus à l'école, ou quand il y va, il ne porte aucun intérêt à ce qu'il est supposé y faire : apprendre et développer des liens sociaux. La nuit il ne dort pas, ou très peu, il sort on ne sait où, il n'a pas vraiment d'amis, il est le plus souvent seul. Le jour il reste dans son lit, enroulé sur lui-même, enfoui sous ses draps, pour qu'on ne le dérange pas...
"Bouge-toi" "fais quelque chose" "concentre-toi" "travaille" ... tous ces conseils n'ont aucune prise sur André. Quand quelqu'un souffre d'une arthrite, personne ne lui dit "bouge-toi" - non, on soigne la douleur, on met l'articulation au repos...

Quand quelqu'un souffre. Oui, le maître mot ici est bien la souffrance. André souffre. Tout ce qui l'entoure l'agresse, chaque bruit est une menace, chaque exigence une violence parce qu'elle le met face à ses incapacités. Une souffrance profonde, aigüe, terrible. Le sentiment d'être devenu différent, différent des autres mais aussi de soi-même, et la culpabilité aiguë de ne plus pouvoir se réaliser selon ses espoirs ni répondre aux attentes parentales, sont souvent indicibles avant une longue période de traitement. Que ce soit la présence de "voix", de ces "mauvaise voix" qui menacent et qui envahissent la pensée, la vision de son propre corps qui se morcelle et perd sa fonction de "maison de l'âme", ou encore l'angoisse de mort, tous ces symptômes fréquents chez le jeune adulte en psychose débutante sont très effrayants pour ceux qui les ressentent, mais longtemps méconnus par l'entourage. La famille ne découvre en général cette souffrance que bien plus tard - et doit alors faire le deuil des ambitions dont elle avait investi le jeune adulte concerné, le deuil des rêves et des projets de vie qu'elle avait formés pour lui.
Quant au patient, le sentiment de vulnérabilité, de mise à nu, de solitude, l'amène à se replier de plus en plus sur lui-même, d'autant plus qu'il a le sentiment d'être incompris du reste du monde. André n'a plus d'élan vital, il n'a plus le désir de rentrer en contact avec les autres, il a peur... et cette peur devient réciproque, comme une peur contagieuse. André semble désormais incapable d'organiser ses journées, sa pensée est chaotique, sa vie aussi - et la peur s'amplifie.

La prise en charge, pour prévenir l'isolement
Pour briser ce cercle vicieux, une prise en charge spécialisée, diagnostique et thérapeutique, médicamenteuse et psychologique, pluridisciplinaire, s'impose. Il ne s'agit pas de faire des miracles, mais de soigner. Les médicaments - les neuroleptiques - reposent sur des connaissances encore fragmentaires des altérations de la transmission de dopamine dans le cerveau. Une question de santé publique donc, mais aussi une question de recherche !
André sera vu par un médecin, un psychiatre, des psychologues, des thérapeutes de groupe, ergothérapeutes et psychothérapeutes, seul, en groupe et en famille, et hospitalisé si nécessaire. Il prend le chemin difficile de l'acceptation de sa maladie et de sa fragilité - un chemin qui est aussi celui de la reconstruction de soi. Les neuroleptiques aidant, il a toutes les chances de trouver la voie et le courage de la réinsertion. Avec émotion, les thérapeutes s'émerveillent : il s'agit bel et bien de faire revivre quelqu'un, de le ramener dans le temps, dans l'action. De faire revivre André.
Le programme JADE bénéficie aussi d'un "job coach" : André sera accompagné vers le type d'activité qui lui convient le mieux, il trouvera peut-être même un travail en entreprise. Les petites entreprises semblent le mieux adaptées et il serait intéressant de valoriser celles qui contribuent à la réintégration des jeunes adultes présentant des troubles psychiques en proposant par exemple un label de qualité pour ce type d'engagement entrepreneurial et citoyen.

Ne pas oublier les familles
Mais le chemin de la maladie à la réinsertion est long, souvent même très long. Et pendant tout ce temps, les familles de ces patients sont fortement mises à contribution. Souvent trop : éviter le "burn out" des familles devient alors un autre impératif de santé publique. Au programme JADE, les thérapeutes le disent clairement : "étant donné le jeune âge de nos patients et leur pathologie, nous ne pouvons pas nous passer des familles et les familles ne peuvent pas se passer de nous." Le stress que représente pour les parents, pour la fratrie, la présence d'un schizophrène dans la famille est énorme. Alors que la compassion est au premier plan en cas de maladie somatique d'un membre de la famille, l'ambiguïté, la peur et le ressentiment prennent le plus souvent le pas sur la compassion lors de maladie psychique. Une autre difficulté majeure pour les familles est de trouver un équilibre entre le care et l'autonomie. Cette dernière doit rester un objectif constant, notamment en terme de logement : un logement même protégé apportera une autonomie plus grande que le logement familial et permet à la famille de "souffler". Les réunions "groupales" entre familles, enfants avec troubles psychotiques et thérapeutes ont ainsi pour mission, d'une part, de renforcer l'autonomie des patients, et d'autre part, de favoriser la solidarité interfamiliale. Lorsqu'en venant au programme JADE un thérapeute voit plusieurs familles concernées attablées ensemble au restaurant d'à côté, il évalue le succès des réunions multifamiliales !
A propos des familles encore, il est important de souligner que les théories du psychiatre et écrivain Bruno Bettelheim sur le rôle causal joué notamment par les mères dans la schizophrénie sont aujourd'hui battues en brèche. Il nous reste par contre de l'enseignement de Bettelheim que ces jeunes souffrent et ont besoin d'être encadrés et accompagnés avec sensibilité, espoir, compréhension et patience....

La peur de la violence
Reste encore, parmi toutes les peurs, la plus sournoise : celle de la violence. Oui les schizophrènes peuvent parfois être agressifs. Mais les statistiques montrent qu'il n'y a pas vraiment plus d'actes violents commis par des schizophrènes que par la population générale, si ce n'est la violence dirigée contre soi-même (dont le suicide est l'expression ultime). Mais les actes violents sont souvent stigmatisés... et il semble rassurant de les raccrocher à une pathologie. La violence est en nous tous - le plus souvent elle reste maîtrisée, au creux de notre inconscient - alors que, selon Otto Fenichel, médecin et psychanalyste, "dans la schizophrénie, l’inconscient est conscient". Et c'est bien de là que naissent l'hypersensibilité de ces patients, leurs souffrances, la peur de soi-même, la panique, l'enfermement...

La richesse de vivre ensemble
Mais l'inconscient est aussi notre inépuisable richesse, à nous humains, et les psychotiques ont beaucoup à nous apprendre sur nous mêmes. Comme le dit la mère d'un patient en voie de guérison dans la très belle émission de Temps Présent consacré aux jeunes patients psychotiques l'an dernier : ils ont, comme nous, leur partition à jouer dans la société. Une partition créative. Ecoutons-les...

De France, les mêmes appels : un priorité de santé publique !
Si le programme JADE est rapidement devenu un programme de référence au niveau mondial, d'autres centres travaillent dans la même direction. A Paris, les services et l'Unité INSERM du Professeur Marie-Odile Krebs proposent eux aussi, à Sainte-Anne, une prise en charge multidisciplinaire tout en poursuivant d'intenses activités de recherche (sur les mécanismes de la maladie, les facteurs de vulnérabilité génétique, l'évolution, les facteurs précipitant et les facteurs de protection éventuelle, ainsi que les thérapies) et de publication. Le livre de David Gourion et Anne Gut-Fayand, Les Troubles schizophréniques, (Ellipses, collection Vivre et Comprendre, 2005), est à la fois agréable à lire, très informatif et plein d'humanité. Avec une phrase absolument clé dans le chapitre intitulé : L'Evolution : tout est possible : "Il apparaît donc fondamental de parvenir à dépister et diagnostiquer cette maladie (la schizophrénie) le plus tôt possible". Pour ce faire, il faut d'abord la connaître, la reconnaître et la faire reconnaître comme une maladie grave, associée à de profondes souffrances et que l'on peut soigner. La comparaison avec le diabète, proposée par Anne Gut, est éclairante : il faut savoir que les médicaments sont nécessaires même si la maladie ne guérit pas, et qu'il ne faut jamais les interrompre brutalement. Pour le groupe parisien aussi, "Du fait de la fréquence de la schizophrénie," - 700 à 800.000 patients en France - "de sa sévérité et de l'existence de traitement efficaces, le dépistage précoce devrait être considéré comme une priorité de santé publique."

Encadré : le rôle du cannabis
L'usage du cannabis préoccupe les thérapeutes de patients souffrant de troubles psychiques et en particulier de psychose. L'usage du cannabis est en effet 2 à 5 fois supérieur chez les psychotiques par rapport à la population générale et une surconsommation est souvent retrouvée dans les semaines précédant une aggravation des symptômes. Entre 35% et 60% des patients schizophrènes seraient des usagers de cannabis. Si le rôle étiologique du cannabis dans la psychose reste une question controversée, un consensus existe quand au fait qu'il augmente le risque de déclencher une psychose chez les personnes vulnérables, qu'il exacerbe les symptômes et aggrave le pronostic global de la maladie. Selon Marie-Odile Krebs, nous ne sommes pas tous égaux face aux effets du cannabis et l’âge d’exposition (avant 15 ans) semble déterminant dans l'augmentation du risque. La question reste cependant ouverte, de savoir si la surconsommation ne correspond pas une tentative d'automédication "anesthésiante" de la part des patients. Comme le dit l'un d'entre eux : pour se protéger, on s'isole, on évite le contact, on regarde la télévision et on fume des joints... Mais là encore, les patients ne décrivent pas tous la même expérience.

Les cinq messages de Marco Merlo de Diana Canovas
N'oublions pas de
1) reconnaître la souffrance et ne pas banaliser les difficultés d'un jeune qui décroche
2) toujours garder espoir, un espoir réaliste : on peut faire beaucoup mais pas des miracles
3) bénéficier des conseils des spécialistes - faire confiance à l'expertise
4) développer les projets de formation pour favoriser la réinsertion
5) ne pas oublier le risque de suicide et travailler à le prévenir

Publié dans le Courrier, le 2 juillet 2010

A la galerie

2010-06-25T08:31:00.004+02:00

Les Tables de Rorschach du XXIème siècle : une femme invente

2010-06-20T12:02:00.004+02:00

Aujourd'hui, j'ai envie - en vie... - de vous raconter l'histoire d'une femme hors du commun. Une histoire qui est loin d'être finie, car elle est en train de s'écrire : Luciana Russo est vivante, bien vivante ! - et son avenir est devant elle, même si elle fête ses quarante printemps ce mois de mai, à Turin, où elle est née. D'elle-même elle dit qu'elle est polyédrique. Vous ne la connaissez pas encore, mais vous la connaîtrez bientôt. Car voilà une femme qui invente. Qui invente sa vie au quotidien - polyédrique donc - mais qui invente, aussi et surtout, une nouvelle approche de la psychothérapie qui évoque immédiatement les Tables de Rorschach. Dans quelques années, on parlera des DVD de Russo !

Les Tables de Rorschach ? Il s'agit d'un formidable outil d'évaluation psychologique de type projectif élaboré par le psychiatre et psychanalyste Hermann Rorschach en 1921, qui consiste en une série de planches sur lesquelles sont dessinées des taches symétriques et qui sont proposées à la libre interprétation de la personne évaluée. Les réponses fournies serviront à évaluer sa personnalité sur la base de critères désormais parfaitement codifiés par les psychothérapeutes.
Luciana Russo utilise depuis quinze ans, quotidiennement, les Tables de Rorschach. Elle obtient d'abord une maturité scientifique et diplôme de piano (mathématiques et musique résonnent dans des régions cérébrales proches), puis poursuit des études de psychothérapie et se spécialise en psychothérapie familiale avec une orientation dite systémique (globale). Sa thèse en psychologie porte sur le test de Rorschach, qu'elle applique en particulier pour l'évaluation de jeunes adultes psychotiques.
Mais Luciana Russo est aussi passionnée d'art, depuis toujours. Proche notamment de Marina Abramovic ou de Vanessa Beecroft, des artistes qu'elle rencontre, qu'elle soutient, qu'elle collectionne, et aux performances desquelles elle participe avec joie. Il y a cinq ans, elle installe dans son cabinet de psychothérapie une grande oeuvre lumineuse de l'artiste Robert Gligorov : La bonne nouvelle. Une photogaphie si troublante et si évocatrice, que spontanément, au début de chaque consultation, les patients vont lui en parler, d'une manière à la fois très diversifiée, singulière, mais aussi reconnaissable pour qui connaît comme Russo l'âme humaine. Luciana Russo se met alors à consigner systématiquement ce que les patients lui disent, et à organiser ces témoignages en fonction des diagnostics.

Russo se tourne ensuite vers la vidéo : la vidéo d'art, reflet artistique peut-être le plus significatif de notre temps, l'image mouvante, le son, l'histoire suggérée, la situation symbolique évoquée... Pendant le Festival de film de Turin, elle ferme son cabinet et s'enferme dans les salles de cinéma pendant dix jours pour visionner en continu des dizaines de films. Sa collection de vidéos d'art est d'une grande richesse. Pour les visionner avec ses patients, en général dans le cadre de ses psychothérapies familiales, la psychothérapeute va choisir celles qui l'ont elle-même le plus touchée - voire, qui l'ont fait pleurer, car la jeune femme pleure volontiers lorsque l'émotion l'étreint. A un couple qui souffre d'amour-haine et de dépendance réciproque, elle montrera ainsi Glima, de Masbedo ...

Non contente d'avoir inventé une nouvelle approche de la psychothérapie, qu'elle a baptisée Videoinsight® et dont elle va détailler les applications et les résultats dans plusieurs ouvrages en cours de préparation, Luciana Russo va ouvrir à Turin un espace culturel du même nom, Videoinsight, un espace dans lequel elle va montrer oeuvres et vidéos d'art et élargir le cercle des personnes à qui elle montre ces vidéos au public tout-venant de Turin et d'ailleurs. Comme si nous étions tous ses patients. C'est vrai qu'elle dit volontiers "je n'ai pas eu d'enfants. Mais j'ai eu tant et tant de patients, des jeunes psychotiques, des familles, de tout...".

L'art et la vie, l'art est la vie - et Luciana Russo leur invente de nouvelles rencontres.

Libre Livre Boris Cyrulnik, Je me souviens...

Le merveilleux auteur d' "Un merveilleux Malheur", l'inventeur de la résilience, parle de lui pour la première fois. Celui qui comme psychiatre a tant écouté, tant reconstruit, nous dit : "C'est dur de dire à quelqu'un "Voilà ce qui s'est passé, voilà ce qu'a été ma vie. Moi, ça fait soixante quatre ans que je n'ai rien pu dire. C'est la première fois que je le fais."

Quatre vingt pages d'émotion contenue ; quatre-vingt petites pages qui ne sont une suite de perles, d’enseignements, à prendre tels quels. Où l'on comprend la différence entre les coups et l'humiliation : la douleur des premiers passe, la douleur de la seconde est rémanente. Où l'on comprend pourquoi et comment Cyrulnik est devenu éthologue : "tous les enfants en carence affective fonctionnent ainsi : ils surinvestissent la poésie du monde vivant, les insectes, les plantes, les animaux...". Moi j'ai eu la chance de préférer toujours les hommes aux arbres et de pouvoir être relativement indifférente aux animaux. Quatre-vingt pages qui vous donnent envie d'aller embrasser l'auteur - même si on l'a déjà fait pour la résilience, on voudrait encore, pour la beauté, pour la représentation.

"C'est difficile de s'adresser à quelqu'un pour expliquer ce que l'on a vécu. Mais si on le fait par le biais de l'oeuvre d'art, par le détour du film, de la pièce de théâtre, de l'essai philosophique ou du travail psychologique, vous devenez le tiers dont vous pouvez parler."

"A ma sortie de la synagogue, je suis arrivé devant la porte. Elle était ouverte et je garde, là encore, un sentiment de grande beauté de cette porte ouverte, parce qu'il y avait dehors un soleil éclatant et que c'était le symbole de la liberté."

"Si j'ai seulement des images comme souvenirs, c'est parce que dans le même temps, j'ai vécu des émotions et qu'elles ont été déniées, refoulées. Il ne me reste alors que les images..."

"De l'émotion qu'on éloigne, on fait une représentation." C'est ce processus "qui met l'émotion à distance et permet d'être maître de la situation. On fait ainsi un travail de résilience."

"Beaucoup d'enfants abandonnés me confirment qu'ils étaient toujours à l'affût de la beauté, même au milieu des pires atrocités."

La beauté de l'image, qui révèle celle de la vie. La beauté de l'image, qui en vidéo, permet aux patients de Luciana Russo de dire qui ils sont, de devenir ce tiers dont ils peuvent parler, d’élaborer la représentation de leur propre histoire.

Publié dans l'Extension, juin 2010

Dries Van Noten, une touche helvète

2010-06-17T11:59:00.002+02:00

Dries Van Noten, Président du Jury du Festival d'Hyères 2010, aime les jardins. Celui de la Villa Noailles et le sien surtout, à Anvers - jardins de fleurs et jardins secrets, jardins d'Hyères et de demain. Libre en ses jardins, Dries Van Noten est son seul maître, n'ayant de comptes à rendre qu'à lui-même. Un homme qui joue et travaille avec ses valeurs, ses couleurs et ses fleurs, qu'il aime toutes, mêmes celles que l'on croit démodées, les dahlias, les glaïeuls... ces fleurs que l'on retrouvera sur ses imprimés floraux, peints à la main à grands coups de brosse libres par des artisans italiens sur du satin duchesse.

La touche helvète alors, outre les fleurs ? Elle fut apportée par Malcolm McLaren pour la bande sonore du dernier défilé de Dries Van Noten. Le compositeur anglais, ancien impresario des Sex Pistols, s'est inspiré pour la circonstance des ancêtres d'Appenzell, notre merveilleux mouchoir de poche de Suisse centrale où selon McLaren le temps a été oublié et où "les gens" (les Appenzellois donc, car à Appenzell le monde entier est Appenzellois) célèbrent le Nouvel An le 13 janvier avec d'immenses cloches de vaches sur leur dos... Et Malcolm McLaren de faire résonner pour Dries Van Noten les cloches folkloriques d'Appenzell dans un Appenzeller Zauerli, Swiss alpine folk music, yodelling with cowbells... McLaren n'est plus, mais les cloches résonnent encore. Merci Dries Van Noten. La Suisse, pays de la liberté et de la neige en hiver, vous est reconnaissante et rend hommage à Malcolm McLaren.

Une différence entre la Suisse et la mode ? Selon Dries Van Noten, "si dans la mode on veut de la neige à un défilé, on fait neiger, dans la nature par contre, la neige vient quand elle veut, et cela remet les pieds sur terre." La Suisse les pieds sur terre. dans les parterres de fleurs !

Publié dans les Quotidiennes, le 17 juin 2010

SCOPE Basel

2010-06-15T11:38:00.002+02:00

Analix Forever est à SCOPE Basel et je serais ravie de vous accueillir. Robert Montgomery est à l'honneur à l'entrée de SCOPE, avec son installation lumineuse fonctionnant grâce à l'énergie solaire

THE PEOPLE YOU LOVE
BECOME GHOSTS INSIDE
OF YOU AND LIKE THAT
YOU KEEP THEM ALIVE

The people we love ? Les artistes avant tout - mais aussi, Casanova and other men

Pour en savoir plus : le communiqué pdf
Les œuvres : le dossier en pdf

Paris, la ville heureuse, merci Renzo Piano

2010-06-10T16:54:00.000+02:00

A n’importe quelle heure du jour ou de la nuit, n’importe quel jour de l’année, toujours et encore, la place Beaubourg vit comme un théâtre. Si la ville heureuse de Renzo Piano signifie quelque chose, c’est là qu’elle s’est concrétisée, devant les tuyaux colorés du Centre Pompidou, avec ses escalators qui montent vers le ciel de Paris dans leurs tuyaux protecteurs, toute cette machinerie organique à l’intérieur de laquelle le monde entier vient découvrir l’art, à côté de l’atelier Brancusi où l’on peut rêver qu’il travaille encore, avec toute cette aura créative et résistante qui chaque jour redonne aux marchands, aux mendiants, aux errants, aux avaleurs de feu, aux musiciens, aux comédiens, aux sans domicile fixe, à ceux avec domicile trop fixe, aux chiens, aux autres, l’illusion heureuse d’être là où il faut être, dans le rayonnement de la beauté de cette ville plus éternelle encore que celle que l’on nomme ainsi, d’être les héros de leur propre histoire, sans regrets, sans remords, dans la joie et le sentiment de puissance aussi précieux qu’éphémère que nous donne notre présence dans la lumière des scènes du monde.

A n’importe quelle heure du jour ou de la nuit, n’importe quel jour de l’année, toujours et encore, la place Beaubourg vit comme un théâtre. Un théâtre de l’amour. De l’amour heureux, toujours. Les plus transis, les plus désespérés, les plus colériques, les plus mesquins, les plus solitaires, les plus abîmés, les plus violents, les plus déchirés, les plus solides, les plus gros, les plus laids, les plus malades, les plus dégradés, les plus sérieux, les plus abandonnés, tous trouvent là un moment de bonheur après avoir systématiquement déposé leur détresse de serait-ce que quelques instants d’émerveillement devant l’architecture bienfaisante de Renzo, ce corps organique en pleine élévation : « non pas un monument, mais une fête, un grand jouet urbain ». Merci Renzo. Piano, piano… pianissimo, écoutez les bruissements du vent sur la place et humez les effluves de la volonté affirmée de plaisir.

Publié dans les Quotidiennes, le 10 juin 2010

Natalie Bader, le branding dans le sang

2010-06-03T16:51:00.002+02:00

Natalie Bader est l'une des rares femmes président dans le groupe LVMH. Ce serait certes une raison suffisante pour faire connaissance - mais au-delà de la fonction, Natalie Bader personnifie le talent et l'imagination au service d'une marque. A une époque où le “branding” est une telle nécessité que la plupart des marques n'en finissent pas d'engager des consultants, voilà une femme qui est la marque, qui fait la marque, qui sent la marque, la forme et la transforme...

Après avoir été le bras droit de Jacques Levy chez Sephora, et modernisé la maison de beauté jusque dans ses désormais très célèbres accessoires érotiques, elle est arrivée chez Fred. Fred ? “La joaillerie ultra-traditionnelle, une marque un peu endormie, avec une très belle notoriété mais ne sachant pas vraiment qui elle est.”

Et Natalie Bader de se promener dans l'histoire de Fred, dans tous ses recoins oubliés, dans ses ateliers et ses boutiques, de rencontrer ses clients et ses artisans, de se pencher sur ses valeurs. "Je n'ai rien inventé, dit-elle, je raconte une histoire qui existait avant moi."

Toujours est-il qu'elle définit les valeurs de la marque : l'expertise, la vie, l'androgynie, l'étonnement... “Fred Samuel travaillait pour les femmes, pour toutes les femmes, créant des bijoux avec lesquels je vis aujourd'hui, avec lesquels je dors, je me douche, je travaille et je sors... Alors pour souligner cette générosité, cette accessibilité j'ai voulu un magasin tout en transparence” - nous sommes Place Vendôme à Paris - “et non pas un coffre-fort.”

Moi j'aime bien sûr l'androgynie de Fred, ou plutôt sa mixité, ses bracelets marins et ses bagues aux rondeurs féminines et au carré masculin qui évoquent avec une allure d'avant-garde des références de l'Egypte ancienne. Fred, masculin et féminin : une androgynie incarnée par Kate Moss - qui d'autre ? - une Kate Moss dans très dans la vie, comme décoiffée par l'air marin... Et l'étonnement aussi, car Fred, avant tous les autres, collabore avec des artistes - rien moins que Jean Cocteau en 1962 déjà !
“Une marque humaine, une marque urbaine”, insiste encore Natalie Bader, qui lui invente une musique : des verres qui teintent, des portes qui claquent, des heures qui passent. N'hésitez pas à pousser sa porte, Place Vendôme : vous serez reçu dans la vie !

Publié dans les Quotidiennes, le 3 juin 2010

"Je suis gourmande d'amour"

2010-05-31T16:55:00.000+02:00

Publié dans Migros Magazine, le 31 mai 2010

Yves Saint-Laurent au Petit Palais

2010-05-31T07:41:00.000+02:00

Une exposition à ne pas manquer. De l'art ? Pas tout à fait - mais beaucoup d'artistes. Yves Saint-Laurent lui-même, d'abord, qui disait : « J’ai toujours placé au-dessus de tout le respect de ce métier, qui n’est pas tout à fait un art mais qui a besoin d’un artiste pour exister ».

Ses inspirateurs ensuite, de Mondrian à Picasso, d'Aragon à Cocteau - et les artistes qui ont réalisé l'exposition, en premier lieu Florence Müller, commissaire général et Farid Chenoune, commissaire associé, tous deux historiens de la mode et enseignants à l'Institut Français de la Mode, ainsi que Nathalie Crinière, responsable de la scénographie de l'exposition - mais aussi Catherine Deneuve et Buñuel le magicien : dans ce chef-d'oeuvre du cinéma qu'est Belle de Jour comme dans la vie, Catherine Deneuve était habillée par Saint-Laurent, et ceux qui ont aimé Belle de Jour ne peuvent avoir oublié la robe de grain de poudre noir et satin ivoire créée tout exprès pour donner à la sublime Deneuve ce faux air inimitable de jeune fille sage. Ou encore Marguerite Duras, écrivant que : "Les femmes de Saint Laurent sont sorties des harems, des châteaux et même des banlieues, elles courent les rues, les métros, les Prisunic, la Bourse." Nous donc... nous et notre corps de femmes, notre corps comme acteur du vêtement. Nous et notre modernité intemporelle que Saint-Laurent a si bien comprise, nous et nos smokings, nos blousons noirs empruntés aux mauvais garçons que nous aimons tant, nous et Robin des Bois.

Dans son studio mental d'abord, puis dans son studio de la rue Marceau, Yves Saint-Laurent, inspiré par la rue autant que par les artistes, créa ce troisième genre qui nous protège des deux autres, et constamment travaillait. Travaillait à oublier pour mieux recréer : "Tout ce que j'ai appris j'essaie de l'oublier." Oublier, entre autres, que l'on est Yves Saint-Laurent tout de même : indispensable, cet oubli là, pour pouvoir créer le personnage burlesque de "la Vilaine Lulu", qui après toutes ses aventures tristes et drôles finira par épouser le pompier de son coeur... Un bijou, la petite Lulu, ne l'oubliez pas, elle se cache derrière Belle de Jour, avant l'immense salle des voyages imaginaires et le mur des smokings...

Il faut apprendre beaucoup, et oublier beaucoup, pour créer toute sa vie, plus qu'un vêtement, un style ; plus qu'un style, un style de vie.

Publié dans les Quotidiennes, le 31 mai 2010

Les bagnoles de Barbra

2010-05-29T10:22:00.002+02:00

Analix Forever, la galerie genevoise de Barbara, propose avec "Cars & Bikes" une plongée dans la relation ambiguë qu'entretiennent hommes, voitures et motos. Femmes exclues.

Article au format PDF.

Article publié dans l'Hebdo du 27 mai 2010.

Philippe Nantermod change l'Histoire

2010-05-27T10:18:00.000+02:00

Philippe Nantermod, dont je suis depuis bientôt dix ans le travail acharné, en droit, en politique, dans sa propre entreprise, à Morgins..., m'a souvent parlé de ses soucis et ses craintes face à l'extrémisme de certains jeunes de son canton et d'ailleurs. Convaincu que la propagation des connaissances est le meilleur moyen de lutte contre l’extrémisme, il propose, par l'intermédiaire d'un postulat déposé par le PLR valaisan, de modifier le contenu des cours d’Histoire dispensés aux écoliers.

"Trop souvent, les programmes se sont concentrés sur l’étude d’époques très éloignées (préhistoire, antiquité) en ignorant complètement l’étude des faits marquants du XIXe et XXe siècle qui influencent pourtant d’une manière beaucoup plus forte et évidente notre quotidien." Pour Philippe Nantermod, les jeunes ne peuvent plus sortir de l’école obligatoire sans avoir entendu parler des révolutions industrielles et soviétiques, des deux guerres mondiales ou encore de la guerre froide alors que seul l’apprentissage de l’histoire récente saura leur donner les outils nécessaires pour comprendre notre monde et sa complexité.

Un vent d'espoir souffle du Valais

Et Nantermod de se demander : "Comment - par exemple - saisir la complexité du phénomène migratoire sans avoir jamais entendu parler de la colonisation?" Nantermod demande que cet apprentissage de notre Histoire récente se fasse impérativement avant la fin de la scolarité obligatoire, avant la dernière année (ceci pour tenir compte du fait que certains étudiants redoublant n’ont pas l’occasion d’aborder cette part du programme).

La réponse à cette question a paru si évidente aux députés que le postulat a été accepté par le Grand Conseil valaisan. Mais en réalité, l'Histoire n'est plus valaisanne : en effet, étant donné les accords intercantonaux, c’est bel et bien le programme scolaire de toute la Suisse romande qui devra évoluer !

Il est heureux qu'un jeune politicien analyse avec finesse les problèmes de ses contemporains et propose des solutions aussi intelligentes que pragmatiques. Un vent d'espoir souffle en Valais et balaie la Suisse romande !

Publié dans les Quotidiennes, le 27 mai 2010

La santé et la beauté, une question d'équilibre

2010-05-23T20:34:00.000+02:00

Le début de ce 21ème siècle dans lequel nous vivons est caractérisé par une authentique volonté d'harmonie et d'équilibre entre la nature et la science, entre l'individu et la population du monde, entre les nécessités de tous et les émotions de chacun. La mouvance écologique est l'une des manifestations de cette volonté ; le retour au local, très présent en Italie : acheter, promouvoir, consommer les produits du terroir en saison plutôt que les fraises du Chili et les agrumes d'Afrique en est une autre ; rester jeune mais sans avoir recours à une chirurgie esthétique invasive une autre encore...
Les évolutions démographiques fantastiques de ces dernières décennies ont vu l'augmentation de plus de 20 ans de notre espérance de vie, avec une augmentation de durée de notre existence qui est accompagnée d'une augmentation parallèle de la qualité de vie. Il n'en reste pas moins que le vieillissement global des populations occidentales pose des défis importants, notamment dans le domaine de la beauté. La beauté fait partie de la qualité de vie, alors qu'il est généralement accepté que le vieillissement est associé à une perte de beauté... y a-t-il moyen de moduler cette situation tout en douceur ?

La réponse est définitivement oui. Premièrement, si le vieillissement chronologique est inscrit dans nos gènes et que personne vraiment ne souhaite arrêter ce processus, nous avons à disposition toute un arsenal de moyens pour diminuer les effets secondaires du vieillissement d'une part et le vieillissement accéléré d'autre part. Parmi toutes les théories du vieillissement actuellement à l'étude, nous retiendrons ici essentiellement celle de l'oxydation. L'oxydation provient de l'oxygène, absolument indispensable à notre vie, mais qui génère, au cours de son utilisation par le corps pour la production d'énergie, des produits de dégradation très toxiques, appelés oxydants ou radicaux libres de l'oxygène. Alors que nous venons au monde avec certaines défenses innée contre les oxydants, ce capital de protection est progressivement consommé, et toute augmentation de l'oxydation environnementale (fumée de tabac, inflammation, et, pour la peau, essentiellement les UV) va accélérer cette consommation. Il faut alors intervenir avec des antioxydants externes pour restaurer l'équilibre interne entre oxydants et antioxydants indispensables à un vieillissement en santé et en beauté. Et... où trouve-t-on ces antioxydants ? Essentiellement dans la nature. En effet, les plantes, constamment exposées aux oxydants de l'environnement (dont les UV) ont développé pour survivre des stratégies antioxydants multiples que nous pouvons importer dans notre propre manière de nous protéger. Manger quotidiennement et en grande quantité des fruits et des légumes est probablement aujourd'hui encore la meilleure manière de prévenir le vieillissement - mieux que n'importes quelles pilules miracles qui ne sont jamais aussi miraculeuse que l'on aimerait bien le rêver. Cependant, si les antioxydants alimentaires sont essentiels pour la prévention du vieillissement des organes internes, seul un tout petite pourcentage arrive jusqu'aux couches supérieures de l'épiderme. Raison pour laquelle il faut mettre à même la peau les mêmes jardins que nous mettons dans notre assiette... Les antioxydants de plantes, ou phytoantioxydants, vont prévenir et atténuer tous les signes du vieillissement cutané, s'ils sont appliqués quotidiennement et généreusement : rides et ridules, taches brunes et couperose, imperfections cutanées diverses liées à l'âge... en sachant bien sûr qu'il s'agit là de méthodes douces, préventives, à utiliser dans la durée, avec plaisir - le plaisir de prendre soin de soi - et à associer, chaque fois que cela s'avère nécessaire, à l'esthétique médicale de pointe mais elle aussi, en douceur.

En ce qui me concerne, il m'aura fallu une dizaine d'années d'études de médecine et autant d'années de recherche bio-médicale pour arriver à cette conclusion : les meilleurs antioxydants sont dans la nature. La création de la gamme de cosmétiques Alchimie Forever répond à cette évidence, et se réfère aux Alchimistes de la Renaissance, dont l'italien Cagliostro, qui connaissaient mieux que quiconque les secrets de la nature, le potentiel thérapeutique des plantes, leurs pouvoirs de transformation. Alchimie Forever est basée sur ce concept : associer la science et la nature, en équilibre (www.alchimie-forever.com).

La santé du corps, la santé de la peau, qui sont toutes deux magnifiées par la consommation quotidienne de fruits et de légumes, tant par l'intérieur (la nourriture) que par l'extérieur (les cosmétiques), permet de conserver - mieux, de révéler la beauté naturelle de chacun d'entre nous. Voire de créer une nouvelle beauté, faite de ce rayonnement que donnent la santé et le bien-être. La santé, nous le savons tous, n'est pas seulement absence de maladie, mais l'association d'un bien être physique, mental et social. Et la beauté participe du bien-être, à la fois une manifestation d’équilibre et de santé et tout autant essentielle au maintien de l’équilibre de la personne “qui gagne des années”.

Publié en mai 2010 dans "Benessere e Salute Oggi", en Italien

Galerie Analix à Genève des histoires d'hommes érotisées

2010-05-20T19:45:00.001+02:00

Après la beauté des hommes (Handsome, 2006) et leur travail (Working Men, 2008), la galerie Analix Forever s’intéresse à une autre activité éminemment masculine : le transport, la vitesse, les véhicules, et en particulier, les voitures et les motos, ces objets puissamment esthétisés,
sexués, intégrés dans notre histoire, dans nos rêves et dans notre monde.

Ejecté de l’utérus, son véhicule premier, ce moyen de transport primitif dans lequel il aura appris le balancement, l’intériorité, la chaleur, le déplacement protégé et sans effort, l’enfant puis l’homme ne va rêver que d’une chose : retrouver un moyen de transport à peu près équivalent.

Il va dès lors construire des carrosseries plus belles, plus solides, plus résistantes, plus légères même que celle des femmes : voyez ces courbes, ce brillant, caressez ces carrosseries...

Publié le 20 mai dans les Quotidiennes

Une Nuit de Plomb hors du temps

2010-05-18T19:42:00.000+02:00

En 2007 déjà, sur ce même site , je vous disais : "La prochaine exposition à voir ? Sans hésiter : Ugo Rondinone au Palais de Tokyo. The third mind : Dès le 28 septembre et jusqu’à la fin de l’année."
Presque trois ans plus tard, je vous redonne le même conseil : allez voir Ugo Rondinone. Pas à Paris cette fois-ci, ni à la Biennale de Venise - mais à Aarau. Pas très glamour ? Détrompez-vous. La directrice du Kunsthaus, Madeleine Schuppli, consacre à celui qui est l'un des artistes suisses les plus importants, sa première exposition solo depuis plus de 10 ans et nous offre une opportunité unique de découvrir ou de revoir non seulement son "labyrinthe mental", mais son travail, son monde, ses atmosphères. Comme le disait à l'époque Marc-Olivier Wahler à propos de Third Mind, cette exposition n'était pas seulement l'oeuvre de Rondinone en tant que telle, mais sa matière même, sa nourriture, ses inspirations : "…un scan de son cerveau: aucun curateur ne pourra jamais imaginer cette structure mentale, un système de correspondance unique à ses propres obsessions." (Marc-Olivier Wahler).
A Aarau, vous pourrez découvrir la poésie de Rondinone, son approche synesthésique de la conjonction des images sonores - ou des silences - et des images visuelles - vous pourrez découvrir une exposition à la fois historique et futuriste, si tant est que le temps "qui passe" est pour Rondinone le temps qui vient, celui de la découverte continuelle de lui même et du monde (le titre de l'exposition, La nuit de Plomb fait référence à un roman dans lequel le "héros", au cours d'une de ces nuits de plomb que nous visons tous parfois, rencontre comme par hasard - lui-même, mais un lui-même qui se serait arrêté dans le temps "qui passe" : lui-même dans sa jeunesse...). Cette rencontre constante avec soi-même est "personnalisée" dans l'exposition par une empreinte de la main de l'artiste - un geste qui dit tout peut-être, à ceux qui sauront partager ne serait-ce que l'instant d'une regard, l'émotion de l'empreinte, de la trace d'une singularité fondue dans une vision de l'humanité aussi intemporelle qu'elle est inscrite dans l'espace qui est le nôtre : le monde, notre musée.
Comme l'écrit Madeleine Schuppli, "Ugo Rondinone comprend l'art comme un phénomène qui se tient hors du temps." Une nuit de plomb, notre temps, hors du temps.
Le dimanche 13 juin, le Aargauer Kunsthaus propose un évènement festif autour de la présentation du catalogue qui accompagne l'exposition, avec notamment des textes de Klaus Biesenbach, et Agustin Pérez Rubio, ainsi que de Beatrix Ruf, directrice du Kunstmuseum Zürich, à propos de The Third Mind.

Publié dans l'Extension, le 18 mai 2010

Pour une journée des hommes

2010-05-18T19:40:00.000+02:00

Dimanche dernier, c’était la fête des mères. Ce qu’il y a de bien, avec la Fête des Mères, c’est qu’il y a aussi une Fête des Pères. On pourrait d’ailleurs instaurer la fête des parents... Mais on peut aussi s’abstenir, et considérer simplement que tous les autres jours, à part donc ces deux dimanches, celui de la fête des mères et celui de la fête des pères, c’est la fête des parents. Donc tout va bien !

Mais tout ne va pas bien avec la Journée des Femmes. Parce qu’ils n’y a pas de Journée des Hommes. Et pourtant, les hommes, ces êtres magnifiques, pure merveille de la nature, qui vivent à nos côtés, ont aussi leurs questions et leurs problèmes spécifiques: nous. Et leurs joies spécifiques, leurs bonheurs intimes: nous. Et leurs incompréhensions, leurs souffrances: nous encore. Et leurs rêves que nous ignorons le plus souvent : nous évidemment...

Alors vite, une Journée des Hommes, pour que nous pensions à eux, à ces êtres étranges et différents, incompréhensibles et séduisants – oui pour que nous pensions à eux et leurs difficultés existentielles – mais surtout en fait, pour que les 363 autres jours de l’année ne leur appartiennent pas par nature et par notre erreur fondamentale d’avoir instauré une Journée des Femmes... Une Journée des Mères, une Journée des Pères et les autres à qui les veut ; une Journée des Femmes d’accord, mais seulement s’il y a une Journée des Hommes et que tous les autres jours de l’année soient partagés, ou à prendre par les plus entreprenants !

Je propose le 7 mars pour cette Journée des Hommes: c’est mon anniversaire, et d’ailleurs c’est le lendemain de ma naissance que le monde s’est dit, ouh la la, faut vite qu’on crée une journée des femmes... Alors les hommes le 7 mars et les femmes le 8, l’égalité des droits et des jours de l’année, et pour le reste, vive la différence !

Publié dans les Quotidiennes, le 18 mai 2010

Ugo Rondinone à Aarau, l'exposition de la décennie

2010-05-17T18:02:00.001+02:00

Ugo Rondinone est l'un des artistes suisses les plus importants et les plus émouvants. Celui que l'on appelle parfois "le clown" nous touche au plus profond, à la fois par son esthétique et par son humanité. Madeleine Schuppli, directeur du Aargauer Kunsthaus, lui consacre la première exposition solo en Suisse depuis plus de 10 ans. Elle lui consacre d'ailleurs plus qu'une exposition : elle lui consacre son musée. En effet, Rondinone non seulement expose des pièces - mieux, il investit le musée d'atmosphères spécifiques, de rêves parfois monumentaux, parfois fragiles, mais toujours poétiques. Rondinone est un poète de vie, comme tous ceux qui savent habiller le quotidien le plus banal de la plus belle des magies sans oublier la souffrance que cet indispensable exercice inflige : les clowns, donc.

Rondinone va plus loin encore : non seulement il expose des pièces magnifiques, comme son olivier blanc à la fois ancestral et futuriste ou ses ciels immenses, dont les galaxies sont révélées par la terre - non seulement il investit le musée tout entier de multiples atmosphères Ugoiennes, notamment sonores, car l'artiste, peut-être synesthésique, fait constamment appel à nos sens pluriels et fait parler ses oeuvres - mais il cherche encore à sortir du musée à la rencontre du monde, car sans cette connexion, sans cet aller vers l'autre, même la création la plus belle reste incomplète.

S'il est une exposition à voir en ce moment en Suisse, c'est donc bien "La Nuit de Plomb", une rencontre de l'artiste avec lui-même, avec la poésie, avec nous tous. La vie pèse parfois comme du plomb sur nos épaules. La poésie nous rend ce poids très cher.

NOTE:
Mardi 18 mai , conversation entre Ugo Rondinone et Madeleine Schuppi.
Dimanche 13 juin, présentation du catalogue qui accompagne l'exposition, avec notamment des textes de Beatrix Ruf , Klaus Biesenbach, Agustin Pérez Rubio et Madeleine Schuppi.

Publié dans les Quotidiennes, le 17 mai 2010

Le rêve est dans le bois,...

2010-05-14T16:47:00.002+02:00

Genève Ma Plage, vous connaissez? Il est un projet tout en bois... enfin disons, à 80% en bois...

Et Gstaad, vous connaissez? Oui bien sûr. Le village de rêve des skieurs du monde entier, le snobisme et la simplicité, les chalets et le luxe, la musique et le tennis... Mais pas seulement. Dans le style très haut de gamme, Gstaad va encore plus haut en décidant d’ouvrir un centre culturel, «Les Arts Gstaad». On aurait pu craindre un machin pompeux, sans authentique ancrage culturel contemporain. Eh bien non: en choisissant parmi vingt et un projets pour les Arts Gstaad le projet de l’architecte français Rudy Ricciotti, Gstaad s’assure un centre forcément culturel et qui ose la beauté. Et en s’habillant de bois, Les Arts Gstaad soulignent que Gstaad, malgré sa population migrante, reste essentiellement rural et montagnard...
Rudy Ricciotti
Rudy Ricciotti? Beaucoup font la moue en entendant son nom. Ricciotti a pourtant des liens anciens avec la Suisse et Genève, où il a étudié en 1974 à l’Ecole d’Ingénieurs avant de poursuivre ses études d’architecture à Marseille. Mais s’il est indubitablement admiré pour son travail d’architecte (il a notamment été le lauréat du Grand Prix National d’Architecture en 2006), il est parfois détesté pour son caractère et sa langue plus que bien pendue et il est vrai que son indépendance forcenée ne va pas sans un certain goût pour la discorde... Passionné par nature, qu’il s’agisse de son métier, de politique ou de poésie, l’homme est amant de l’esthétique - mais non de l’esthétisme - des coups de gueule plus souvent qu’à son tour, mais aussi des coups de cœur. N’a-t-il pas sauvé récemment la maison d’édition Al Dante, qui publie entre autres folies de la poésie expérimentale, poésie-sonore et poésie-action, un investissement dont on ne saurait imaginer qu’il soit rentable?

Esprit créatif
Parmi les projets exceptionnels de Rudy Ricciotti, plusieurs salles de spectacle, dont le Pavillon Noir conçu pour le ballet Preljocaj à Aix en Provence, mais aussi, en collaboration avec le groupe gênois 5 + 1 AA, qui se réclame quant à lui du réalisme magique, le futur Nouveau Palais du Cinéma du Lido de Venise: un bateau échoué, à l’envers, sur la plage du Lido... L’idée de l’ensevelissement, d’une architecture en partie invisible, souterraine, a poursuivi son chemin dans l’esprit créatif de Ricciotti. Mais pour Gstaad, celui qui n’a de cesse de s’énerver contre les exigences environnementales parfois absurdes dans la construction d’aujourd’hui - lire à cet égard son brûlot HQE, les Renards du Temple, selon l’auteur lui-même, «un pamphlet en réponse au diktat imposé par les technocrates à l’heure de l’environnement prétexte. Un cri de colère et de révolte, une remise à plat, sans faux plis, de l’expertise environnementale et de ses génuflexions serviles» - pour Gstaad donc, Rudy Ricciotti a pris en compte l’environnement de la meilleure des manières: en privilégiant l’effacement. Le bois dans la forêt... Oui, le projet Ricciotti invite au rêve dans la montagne, qui va accueillir une vraie sculpture, intégrée dans le paysage: Les Arts Gstaad seront en effet constitués d’un volume majestueux, habillé de bois, contenant une salle de concert aménagée comme une grotte de cristal, alors que les autres espaces (salle d’exposition, foyer...) seront souterrains et de ce fait invisibles. Une fois n’est pas coutume, voilà un aménagement ménageant la topographie et l’environnement villageois, tout en introduisant, dans ce lieu qui ne s’y attendait pas, une vraie intensité théâtrale. Le théâtre, Ricciotti connaît...
Ecoutons celui qui remet le bois au sommet de la montagne, rencontré sur la plage de Marseille le mois dernier: «J’ai gagné Gstaad parce que je n’ai pas eu peur du récit, de la narration. Le projet parle de la géographie d’un territoire. Je suis allé puiser l’inspiration dans les croyances anciennes, dans la montagne, dans l’onirisme... J’ai mis toute mon énergie au service de l’esthétique, des signes et des principes de beauté.»
Nous ne pouvons qu’espérer qu’à Genève, les principes de la beauté guident toujours ceux qui construisent pour nous notre monde de demain.

Libre livre La Grande Peur dans la Montagne, de Ramuz

Le roman le plus mystérieux de Ramuz, le plus obscur aussi, l’homme face à lui-même, dans la nuit de la montagne, une allégorie onirique parfois cauchemardesque de la rencontre de l’existence avec elle-même et sa propre fin. Cela se passe à Sasseneire, un pâturage de haute montagne que les gens du village avaient laissé à l’abandon pour une vieille histoire de maladie et de mort dont le souvenir fait encore trembler les vieux du village. Mais faut-il perdre tant de bonne herbe par crainte d’un prétendu mauvais sort alors que la commune est pauvre ? Le clan des jeunes finit par l’emporter : en été, le troupeau monte à l’alpage, à 2 300 mètres d’altitude, sous la garde du maître fromager, son neveu, quatre hommes et un jeune garçon. Mais les vieilles craintes ne sont pas mortes, et la montagne et la nuit, garantes toutes deux des forces trop souvent ignorées de la nature, les ravivent plus aigues que jamais. La montagne comme la nuit, n’existent que pour elles-mêmes, comme d’une certaine manière, le livre magnifique de Ramuz. La Grande Peur dans la Montagne, une allégorie de l’existence. Je ne sais pas si Ricciotti a fait le voyage de Sasseneire, mais sa sculpture habillée de bois, elle aussi, est pour être.

Et... La Plage
La Plage, un récit de Cesare Pavese, dont je vous avais déjà recommandé la lecture (Le métier de vivre). C’est l’été, la lumière flotte au-dessus du sable, réfraction onirique elle aussi, mais les sensations de solitude de l’homme sont différentes. Le narrateur observe un couple, qui semble se déliter doucement dans la moiteur de l’été, dans le farniente de la plage, dans la mer, alors que ce devait être le dernier été de jeune fille de Clelia... «La compagnie de la mer me suffit. Je ne veux personne. Dans la vie je n’ai rien à moi. Laissez-moi au moins la mer.» Des solitudes si différentes, face à la montagne, ou face à la mer. Inquiétante et fondamentale, dans la montagne. Solitudes partagées, à l’italienne, sur la plage... A vous de choisir!

Publié dans l'Extention, le 14 mai 2010

Le style de Richard Shusterman, une affaire de corps

2010-05-10T18:00:00.000+02:00

Les 7 et 8 mai derniers, le Professeur Laurent Jenny, responsable du Certificat "Littérature et esthétique et auteur de Je suis la Révolution, organisait à Genève un Colloque international intitulé “Le Style en acte”, avec la participation, entre autres, de Richard Shusterman ( http://www.shusterman.net/) . Shusterman qui allie les compétences rarement conjointes de philosophe, spécialiste de l’esthétique et créateur du concept de Soma-esthétique – une esthétique construite du corps – et celles de thérapeute du corps, porteur de la conviction que l’amélioration des perceptions est possible et que le travail sur le corps conduit à une matérialisation du corps.

Ce corps qui est le seul endroit ou chacun de nous vit tous les jours, l’architecture intime de nous-mêmes. Une architecture qui selon Shusterman peut toujours être améliorée : le philosophe-thérapeute se situe ainsi clairement dans la ligne de la pensée pragmatique et mélioriste et croit à la plasticité somatique – dans la limite des contraintes corporelles.

Shusterman convaincu par ailleurs que l’esthétique du corps du philosophe lui-même - le “style somatique” de celui qui professe - est aussi importante, dans la transmission de ses idées, que les idées elles-mêmes. “Même chez les philosophes, nous dit Shusterman avec modestie, la pensée passe par un comportement somatique : il s’agit de convaincre logiquement et de séduire esthétiquement...

L’apparence donne beaucoup de pouvoir aux idées : le philosophe est comme un acteur, a performing artist, et la distance qu’il y a entre convaincre et persuader est comblée - ou non - par le corps.” Shusterman se réfère, entre autres, à Wittgenstein, dont les élèves décrivaient abondamment l’allure impériale, le regard souvent féroce, la personnalité très “physique”... Une somaesthétique très palpable aussi, dans l’abécédaire de Deleuze par exemple, dans les cours de Roland Barthes aussi.

Le “style”, ainsi, qu’il soit la présentation physique de soi-même ou l’expression parlée ou écrite, implique un choix. Il peut être, de manière plus ou moins inconsciente, l’expression du caractère ; il peut aussi être travaillé, jusqu’à l’excès – mais dans tous les cas, le style est un choix. De manière intéressante, le terme même de “style”, si on se réfère à l’écriture, ne vient pas de la physicalité des mots (la bouche, les cordes vocales, la respiration) mais du geste corporel d’écrire – de graver, avec un “stylet”... Le style est donc contextuel, en relation avec les instruments utilisés pour écrire. Le “traitement” de texte induit d’autres formes stylistiques que l’antique machine à écrire et réécrire, avec ses contraintes et ses marges... La plasticité du langage ET le choix du style rejoignent la plasticité somatique et le choix de son corps, ceci dans la limite des contraintes de base liées tant au corps qu’à l’écriture d’une époque donné. Il y a une “stratégie du style” (selon Laurent Jenny ) comme il existe une “stratégie somaesthétique”. Le style a affaire à de “l’étrange” dans la langue – à de l’étrange dans le corps peut-être aussi – étrange, étranger à l’autre et propre à soi-même.

Publié dans les Quotidiennes, le 10 mai 2010

Everything I learned about life I learned from my Mom

2010-05-08T09:04:00.003+02:00

Ma fille Ada me souhaite joyeuse fête des mères sur son blog...

This year Mother’s Day is falling so early in May, I am remiss in shopping for a gift. Somehow I thought I had at least two more weeks. So I thought I would gift my Mom this blog (and my arrival in Geneva Monday morning, and our Alchimie Forever mother's day gift set!). Typically, if I were to have a conversation with you about pretty much any topic eventually I would say something like “Well, as my Mom always told me…”. Here are her top rules to live by, which I try to live by too (although she would never call them rules - she is not much of a rule person).

Choose to be happy. Happiness is a conscious choice. If something doesn’t go your way, just believe that the way it is going is the better way (and that you wanted it that way all along).
Force a smile. If you force it long enough, it will end up coming naturally. Start your day by smiling to yourself (even if forced) in the mirror. (This is actually such a funny thing to do it ends up making me laugh!). Smiling will help you succeed in choosing happiness.
Guilt is a feeling made up by men to upset women. Don’t feel guilty. Ever. Just remove that feeling from your feeling repertoire.
Spend time daydreaming - not working, not reading (not sleeping either). Just thinking, brainstorming without speaking, alone. You will be surprised where your thoughts take you.
When you are done daydreaming, spend time writing. A published author (fiction, essays, novels, and more), she has always encouraged me to put pen to paper – she suggested I start blogging years ago!
Spend lots of time in your bathroom, looking at yourself in the mirror (smiling of course), and applying lotions and potions. Apparently massaging creams into your face and body helps to release oxytocin and enhances your mood. She of course uses every single Alchimie Forever product, twice daily.
Extra tired (or grumpy, or ill, or heartbroken, the list goes on) = extra cute outfit and extra red lipstick. People will then compliment you on how you look all day – and your day will get better.
Champagne makes everything better. The bubbles make victories sweeter, and problems smaller. The colder the better; the pinker the better too!
Be a loyalist in your spending habits. Always shop at the same boutiques. Always stay at the same hotels. Always fly the same airlines. Always go to the same hair dresser. Amazing the perks you get after a while.
And my personal favorite: if you stay true to yourself, you will be happy. No matter what happens.

Happy mother’s day Mom! And thanks for the pearls of wisdom!

A lire: "Nous sommes toutes de mauvaises mères", in Le Matin, 8 mai 2010

La vérité, la vraie vérité : L'argent ne fait pas le bonheur mais le bonheur fait l'argent !

2010-05-03T13:51:00.000+02:00

Excellente nouvelle : les gens heureux gagnent plus d’argent. La source est imparable : Saatchi & Saatchi. Ecoutez du peu : “Greater happiness is associated with higher future income, research shows. A one-point increase in people's assessment of their happiness on a five-point scale was linked to a 3% higher income five years later, according to a study cited by Saatchi & Saatchi.

Normal en fait ! Les gens préfèrent, souvent, suivre les heureux plutôt que les grincheux. Dans l’entreprise comme dans la vie, celui qui est heureux va avoir davantage tendance à donner, à valoriser l’autre, à développer le capital humain – et donc à faire fructifier l’entreprise.

Voltaire disait : “j’ai décidé d’être heureux parce que c’est bon pour la santé”. Aux Etats Unis on dira : je décide d’être heureux parce que c’est bon pour ma carrière ! Mieux vaut être riche, jeune et en bonne santé, que pauvre vieux et malade. C’est du moins ce que dit le dicton, et aussi ce que l’artiste russe Elena Kovylina a écrit sur l’une de ses toiles...

Une passante, à la foire d’art de Bruxelles, regarde, lit et me dit : “mais, et le bonheur ? Peut-être que si j’étais riche, jeune et en bonne santé, je ne saurais pas ce que c’est que le bonheur ?” En effet. Commençons donc par être heureux...

Publié dans les Quotidiennes le 3 mai 2010

Lena Award, le prix de la liberté

2010-05-03T13:50:00.000+02:00

Le vendredi 30 avril étaient décernés à Genève, à la Salle de la Madeleine où le BPW a été fondé il y a quatre-vingts ans, par le BPW (Business & Professional Women), les Lena Awards, en mémoire et en honneur de la fondatrice du BPW International, Lena Madesin Phillips.

L’objectif de ces prix – dans l’esprit de Lena Madesin Phillips – est de présenter à un large public les succès atteints par des femmes et pour les femmes - comment ne pas en parler dans les Quotidiennes !

Responsables, engagées, financièrement indépendantes et libres de leurs choix et décisions, voilà le profil de femmes BPW. Les lauréates : Véronique Goy Veenhuys, fondatrice de Equal Salary , une initiative, comme elle le soulignera, qui sert d'abord l'économie, avant même que de servir les femmes - Jolanda Plüss, une femme de chantiers, à la tête d'une entreprise de nettoyage de bâtiments, à la tête aussi d'une famille monoparentale, et Paola Ghillani, qui s'est fixé comme objectif de rendre le monde meilleur grâce à des modèles économiques durables, intégrant le coeur et l'esprit et la profitabilité pour tous.

Trois femmes engagées dans l'économie, chacune à sa manière, en accord parfait avec le "profil BPW". Trois femmes très émues : Jolanda Plüss en particulier, modèle de femme remarquable et discrète, qui dans son entreprise compte de nombreuses femmes cadres, mais aussi des hommes, des étrangers, qui tous semblent nous dire, comme Kadriye Tanilmis - oui, chaque jour je me réjouis, de travailler dans cette équipe...

Bravo aux trois lauréates - et aux nominées aussi - et bravo aux hommes qui nous soutiennent, dans notre chemin vers la liberté personnelle et la responsabilité économique. Ce fut une des conclusions importantes de la soirée : les hommes avec nous !

Publié dans les Quotidiennes, le 3 mai 2010

Tempo di moda, tempo del'arte

2010-04-30T13:45:00.000+02:00

Le temps est une composante essentielle de l'art contemporain. Selon l’historien d’art français Paul Ardenne, les artistes d'aujourd'hui célèbrent le culte du transitoire plus que de l’éternel. Et le désir d'éternité se dissout dans la contemporanéité, dans le présent et son activisme parfois délirant, mais revient en force dans la citation perpétuelle du passé.
Pour le philosophe italien Giorgio Agamben : « le contemporain n’est pas seulement celui qui, en percevant l’obscurité du présent, en cerne l’inaccessible lumière ; il est aussi celui qui, par la division et l’interpolation du temps, est en mesure de le transformer et de le mettre en relation avec d’autres temps... ». Gilles Deleuze, lui, que l'on pourrait imaginer en conversation avec Agamben, affirme que « la nouveauté est le seul critère de toute œuvre. ... Le nouveau, c’est toujours l’inattendu, mais aussi ce qui devient immédiatement éternel ... ».

La mode, elle, ne vit qu'un instant. Et cet instant, toujours, est déjà dépassé, oublié... Agamben encore l'analyse avec finesse : on n’est jamais « à la mode », le présent est déjà le passé. La temporalité de la mode est courte, rapide, saisonnière, évanescente. Au contraire, pour l’art, les temporalités sont longues, par définition et par goût, même dans l’art éphémère, dans l’art conceptuel, l’objectif est toujours de laisser une trace. Mais ces distinctions s'estompent, alors que que le temps de l'art devient rythmé par les foires, les salons et les ventes et que la mode entre en musée. Stylistes et artistes exposent ensemble en oubliant le temps qui les sépare, tels à Paris le styliste Kris Van Assche et l’artiste américain Matt Saunders. L'art, processus de transformation, est à la mode et le musée, lieu de conservation, se met en marche. Walking building de l'architecte grec Andreas Angelidakis adapte ainsi le musée à notre temps : « The walking building does not want to become another static museum. To reanimate this building we insert Athens, cars, buses, parks, housing, museum, shopping, transit empty space – a building animated by the everyday city line : a city animated by a hybrid hyperbuilding. » Un concept de musée dans lequel l'espace et le temps se rejoignent, et dans lequel l'art et la mode trouvent tous deux leur place hybride elle aussi.

Un concept de fusion, d’enrichissement et de différentiation hors temps que l’on retrouve dans la vidéo d’Ali Kazma, Casa di Moda (production Missoni). Dans cette vidéo, de fil en aiguille, de travail en défilé, le temps long et pénible de la confection et celui court et glamour de la présentation des vêtements est compressé en une dizaine de minutes. Reste la nostalgie de revoir et revoir encore ce qui a déjà disparu.

Publié dans Drôme, No 17, avril 2010